Sundance 2026: Once Upon a Time in Harlem, Wicker, The Gallerist |

Sundance ne commence vraiment qu'au troisième jour. À ce stade, il n’y a plus aucune idée de ce qui pourrait être bon. Vous entendez beaucoup de bruit sur le terrain à propos du film que vous devez voir avant de quitter cette bulle. Parfois, c'est simplement du battage médiatique. Mais à d’autres moments, vous commencez à regarder des films dont vous savez que vous ne vous tairerez pas pour le reste de l’année. Il y a deux de ces films dans cette dépêche qui correspondent parfaitement à la facture, et l'un d'eux qui vous amène à vous demander ce qui s'est passé.

À bien des égards, le documentaire invitant et historique de David Greaves, «Il était une fois à Harlem« , est une légende. Récupération vitale d'une histoire précieuse, le film est né d'une nuit de 1972, lorsque son père, William Greaves, a invité les titans vivants de la Renaissance de Harlem dans l'ancien appartement de Duke Ellington pour une fête de quatre heures remplie de bons souvenirs, de débats acharnés et d'alcool abondant. Bien que l'aîné Greaves, connu pour ses œuvres expérimentales révolutionnaires comme « Symbiopsychotaxiplasm: Take One », considérait le projet comme impératif, il n'a pas pu le terminer. Au lieu de cela, le jeune Greaves, avec le soutien supplémentaire de sa fille Liani, a pris et réorganisé les images pour en faire un film complet, réanimant une lignée de pensée cruciale.

Le film commence avec l'arrivée des invités. Des sommités dans l'hiver de leur vie, comme la poète Arna Bontemps, le peintre Aaron Douglas, la veuve de Countee Cullen, Ida Mae Cullen, la compositrice Eubie Blake, affluent dans l'appartement comme un défilé de téléscripteurs. Peu de temps après, l'une des trois caméras du film, dont l'une était pilotée par le jeune Greaves, aperçoit le photographe James Van Der Zee, assis devant un piano. Pendant qu'il joue, une vague de son œuvre apparaît à l'écran. À un moment donné, Greaves réalise même un écran partagé de Zee actuel et une photo de lui-même plus jeune. Greaves utilise cette astuce avec de nombreuses personnes avec lesquelles son père s'est entretenu pour des entretiens individuels, offrant ainsi une fenêtre tangible sur le passé et l'importance de chaque sujet.

Au fil de la soirée, chaque participant, en fonction de son parcours professionnel, plaide en faveur des contributions culturelles, politiques ou féminines à la Renaissance de Harlem. Ils se souviennent également de leurs anciens amis, qui ont joué leur rôle, comme Zora Neale Hurston ou Augusta Savage. Il y a des moments, surtout lorsque l'aîné Greaves apparaît devant la caméra, où vous ressentez à quel point l'aîné Greaves avait du respect et de la joie en filmant cela. Après tout, il a grandi à Harlem, dans l’ombre de toutes ces personnalités. Maintenant, il est dans la même pièce.

Malgré l'ambiance festive du cinéaste, à mesure que la soirée avance et que l'on consomme de plus en plus d'alcool, le ténor devient épicé. L'acteur Leigh Whipper rejette l'importance des Lafayette Players, qui étaient une troupe de théâtre noire phare. Le peintre Romare Bearden vise, de l'autre côté de la pièce, l'historien Nathan Huggins en critiquant les réflexions rétrospectives du penseur sur la Renaissance de Harlem. Tout le monde n’est pas d’accord sur l’héritage ultime de Marcus Garvey (était-il vraiment sérieux dans son souhait de voir les Noirs retourner en Afrique ?).

La caméra plonge, panoramique et zoome à travers la pièce, apercevant souvent des visages silencieux mais visiblement désagréables – nous pouvons absolument dire quelle personne n'aime pas l'autre – et ceux pris dans la douce étreinte de leurs souvenirs. Surtout, nous voyons ces légendes aux prises avec ce que sera leur héritage, en particulier auprès d’une jeune génération militante qui, selon eux, les oublie. Cette angoisse, cette tension et cette franchise confèrent à ces personnages imposants une vulnérabilité bien ancrée. Et alors qu’ils commencent à quitter cette pièce, en direction de l’Antiquité, nous voulons rester et revisiter leur présence – vivre avec eux dans un conte de fées intellectuel dont l’occurrence reste incroyable et dont l’existence ressemble à un miracle.

Il serait trop basique d'appeler le conte de fées romantique d'Alex Huston Fischer et Eleanor Wilson « Osier » une sorte de nourriture réconfortante. Néanmoins, il y a ici une chaleur sincère et un sérieux charmant qui me manquent dans les comédies hollywoodiennes. Basé sur la nouvelle d'Ursula Wills-Jones « Le mari en osier », le film met en vedette Olivia Colman dans le rôle d'une pêcheuse solitaire et négligée (les personnages n'ont pas de noms en dehors de leurs professions/rôles) qui, après avoir enduré les railleries des villageois locaux l'accusant d'être une célibataire, décide de payer le Basket Weaver (un plein d'esprit Peter Dinklage) pour faire d'elle un homme. Le Basket Weaver fait ce qu'il est payé, créant un mari en osier (Alexander Skarsgård), comme son partenaire idéal. Les manières aimantes et attentionnées du mari en osier – comment il vit pour le bonheur du pêcheur et son plaisir sexuel – ne brisent pas seulement son lit.

« Wicker » est un petit film impertinent, mettant en vedette le genre d'humour torride qui n'est pas assez sage pour atteindre un double sens. Les villageoises, dont les noms sont entièrement liés à leur profession, démontrant à quel point leurs rôles définis sont limités, déclarent sans détour leurs désirs lubriques pour le mari en osier. A l’inverse, les hommes prennent conscience de leurs propres insuffisances par rapport à lui. Et pourtant, personne n'est aussi profondément perturbé que la femme du tailleur (Elizabeth Debicki), qui considère le bonheur et la liberté de la pêcheuse comme une menace pour son estime parmi les citadins et comme le reflet des rares options professionnelles qui s'offrent à elle en tant que femme mariée.

Fischer et Wilson nous balayent encore davantage en réalisant de délicieuses performances de haut en bas du casting. Skarsgård localise et traduit une douceur qui contourne sa forme figée (le rendu de son corps en osier à motifs est splendide) en quelque chose à la limite du vivant. Debicki travaille chaque centimètre carré du méchant prototypique du conte de fées avec aplomb. À l’inverse, Colman est infiniment doux et humain, permettant aux insécurités de Fisherwoman de surgir de manière organique en brandissant les expressions blessées qui ont fait d’elle une star à laquelle on peut s’identifier. Ici, chaque personnage se sent pleinement formé et l'apparence de son environnement villageois est équilibrée entre pittoresque et palpable. Aucune note, aucune émotion ne frise le caractère forcé, même lorsque la colère de la Femme du Tailleur enveloppe la Pêcheuse.

« Wicker » est une romance hautement re-regardable car elle comprend perspicace qu'il ne suffit pas de simplement rétro-ingénierier le récit qui bat les attentes et les désirs du public. Fischer et Wilson savent que même le plus fantastique doit se sentir proche et émotionnellement réel. «Wicker», heureusement, est aussi réel que possible.

Laissez-moi être clair : le thriller absurde du monde de l'art de Cathy Yan « Le galeriste » est assez épouvantable. Semblables à d'autres œuvres tentant de embrouiller l'univers de l'art moderne, les observations de Yan sont superficielles et désinvoltes, ce qui amène à se demander ce qui est arrivé à la perspicacité qui a guidé un cinéaste à réaliser une œuvre aussi impeccable que  » Dead Pigs « .

Ici, Natalie Portman est Polina Polinski, une galeriste sur le point de perdre son affaire si sa dernière exposition, mettant en vedette l'étoile montante Stella Burgess (Da'Vine Joy Randolph), n'est pas un grand succès. Cette peur incite Polina à permettre à l'influenceur artistique de gauche Dalton Hardberry (Zach Galifianakis) d'avoir un avant-goût du spectacle. Non seulement il n'est pas impressionné, mais il critique également les goûts, la réputation et la réputation de Polina. Lorsque Dalton tente de partir, il glisse sur une flaque d'eau formée par le courant alternatif défectueux de la galerie et s'empale sur la sculpture géante de l'émasculateur de Stella. Plutôt que d'écouter son assistante effrayée Kiki (Jenna Ortega) en se présentant à la police, Polina utilise ses connaissances en histoire de l'art pour manipuler le corps mou et empalé de Dalton dans une composition réfléchie (l'une des rares décisions créatives inspirées que Yan prenne). La pièce est, bien sûr, une sensation virale qui invite des hordes d'influenceurs et une Marianne Gorman glaciale (Catherine Zeta-Jones), qui, avec Polina et Kiki, décident que la seule façon d'échapper au crime est de vendre la pièce au plus offrant.

Toute l'affaire est censée être une folie folle, surtout lorsque Charli xcx apparaît comme la petite amie de Dalton, mais c'est plutôt un travail nauséabond de 88 minutes annulé par son travail de caméra original et ses performances trop cuites. Pour accorder un peu de grâce à Yan, elle vise une ambiance aussi affectée que le côté commercial du monde de l'art. Cela se déroule également à Miami. Il faut donc s’attendre à des performances accrues et à une esthétique sans grâce. Si l’on était extrêmement indulgent, on pourrait dire que Yan a hâte de camper. Mais elle passe du mélodrame stylé au néant grossier, chaque acteur de ce film mal conçu donnant ce qui pourrait être qualifié de pire performance de sa carrière (Daniel Bruhl en collectionneur criard et Sterling K. Brown en ex-mari grandiloquent de Polina s'amusent, je leur donne ça).

Encore une fois, on pourrait peut-être attribuer cela à la bêtise voulue du film. Peut-être sommes-nous simplement censés profiter de cette ambiance ? Mais ensuite Yan commence à s'appuyer sur des personnages étourdis qui s'inclinent et se retournent comme si le film était censé chavirer, on la sent perdre le contrôle de ce qu'elle veut réellement dire. Yan sape également ses personnages, par exemple en rendant Stella totalement inarticulée sur son art. Et tandis que de nombreux créatifs peuvent hésiter lorsqu'ils sont poussés à agir comme leur meilleur vendeur, la platitude des pensées de Stella la projette comme une néophyte dans le domaine et dans sa passion. Même Portman, qui est un tas d'expressions lâches, ne peut pas assumer le fardeau d'un film aussi suffisant que ce qu'il tente de critiquer.