Telluride Film Festival 2025: The Cycle of Love, H is for Hawk, La

Il est toujours surprenant de ce que les films vous faufilent dans un festival du film. Des trois films sur lesquels j'ai parlé pour cette dépôt du Telluride Film Festival, j'aurais deviné un film dirigé par Claire Foy sur le chagrin ou un nouveau joint Paolo Sorrentino (je suis probablement l'un des rares fans de « Parthenope ») aurait été parmi mes favoris de la fête. Au lieu de cela, c'est un documentaire indien magnifiquement conçu sur les merveilles de l'amour qui m'a le plus frappé.

Délicat et réconfortant, le documentaire émouvant d'Orlando von Einsiedel « Le cycle de l'amour«Est le genre de film dont le doux sujet transcende le temps et les frontières. Voir, en 1975, Pradyumna Kumar Mahanandia, mieux connue sous le nom de PK, a rencontré la femme de ses rêves: Anne-Charlotte von Schedvin, également connue sous le nom de Lotta. En 10 minutes pour 10 roupies, leur vie a changé pour PK pour esquisser.

Le film d'Einsiedel prend littéralement plusieurs routes pour raconter l'histoire de PK et Lotta. Le premier est astrologique. À un jeune âge, PK a reçu une prophétie selon laquelle son partenaire de vie serait un Taureau musical dont la famille possède une jungle. Pk, qui est un dalit, a ensuite dérivé de sa petite ville à Delhi, dans l'espoir de laisser sa caste derrière et peut-être la cette vision. Lotta, en revanche, était originaire d'un ménage dont les bulles religieuses et géographiques étaient assez petites pour qu'elle fasse envie d'exploration. Elle a pris le sentier hippie alors populaire, qui s'étendait de Londres à Bangkok, vers l'Inde, où son chemin a traversé avec Pk le couple est immédiatement tombé les uns pour les autres pendant le séjour relativement court de Lotta. Et même si elle a promis de revenir en août quand elle est partie, ce mois-ci est venu et est venu sans son retour. Déterminé et amoureux, PK a quitté l'Inde via Bicycle avec le plan de vélo de près de 6 000 miles en Suède pour la trouver. C'est un plan qui est si fou, ça pourrait bien fonctionner.

À travers des lettres, des images et des souvenirs, PK et Lotta partagent les détails de leurs premiers jours ensemble, leurs pensées pendant leur séparation et les épreuves et tribulations vécues par PK pendant son voyage impensable. Pour les séquences Flashback, Einsiedel et son équipe, qui incluent la rédactrice Katie Byer et directrice de la photographie Franklin Dow, artisanat certaines des reconstitutions les plus crédibles que j'aie jamais vues. Chirag Benedict Lobo et Mina Dale représentent respectivement PK et Lotta, au cours de leur jeunesse, avec une patine des années 1970 donnant à leurs scènes une sensation vintage.

Pour les images contemporaines du film, PK et Lotta sont interviewés séparément dans leurs pays respectifs, laissant leur union en doute pour une grande partie du film. Les deux sont de merveilleux conteurs qui nous amènent soigneusement dans leur monde émotionnel. Et bien que PK n'entre pas dans les difficultés quotidiennes de son voyage (a-t-il déjà dû réparer son vélo?), Son accent sur le bon côté de l'humanité en racontant les nombreuses façons dont les étrangers l'ont aidé à persévérer fournit le genre de cœur inébranlable qui draine ses conduits de larme.

J'aurais dû être une marque facile pour l'étude des personnages sombres de Philippa Lowthorpe « H est pour Hawk.  » D'une part, le film, adapté du mémoire de la même séquence d'Helen Macdonald, concerne la perte d'un père. du temps exorbitant passé à y arriver.

Son hésitation est surprenante, étant donné la rapidité avec laquelle nous arrivons à la tragédie centrale du film. Nous sommes brièvement présentés à Helen (Foy), professeur à Cambridge, et leur père photojournaliste, Alistair (Brendan Gleeson), par une conversation téléphonique sur les Hawks. Peu de temps après cet appel, la nouvelle de ses crises cardiaques soudaines et mortelles arrête Helen sur leurs traces. Gagf-tricken et brisé, Helen décide d'adopter un Goshawk eurasien. Au début, le Goshawk est un ajout bienvenu, sortant Helen de la maison et de retour dans le monde. Mais bientôt l'oiseau de proie devient une méthode facile à dissocier à Helen de leur mère et de leur frère, de leurs amis comme Christina (Denise Gough), et même de leur carrière. Helen devient également incroyablement protectrice du Hawk et devient plus amoureux de la regarder chasser et de tuer. La première impulsion, bien sûr, les insuffle de subir des pertes, tandis que la seconde les rapproche de l'interaction avec la mort.

Bien que regarder le faucon évoque une vraie crainte, Lowthorpe aurait probablement bien fait pour limiter ces scènes plutôt que d'en avoir au moins une demi-douzaine. Au troisième cas, nous avons une compréhension complète du voyage émotionnel d'Helen. Le film saute également dans et hors des souvenirs d'Helen de leur père. Beaucoup de ces séquences tourbillonnent dans une concoction brumeuse d'éclairage surexposé, de fusées éclairantes et de logique onirique. Ces scènes sont parfois un spectacle bienvenu, ne serait-ce que parce que Gleeson apporte une telle chaleur à ce rôle. Mais même ceux-ci font des ravages avec une répétition régulière.

Foy réussit à retenir notre attention. Ses caractéristiques enfoncées et sa pâleur grise transmettent de façon aiguë le bilan physique du chagrin, tandis que sa présence réservée offre un aperçu intime. Sa lèvre supérieure raide prête donc les scènes douloureuses ultérieures du film. Pourtant, quelques fausses terminaisons sapent l'émotion gagnée, laissant une sensation épuisée par une histoire qui aurait facilement dû laisser une touche.

D'une manière ou d'une autre, l'écrivain / réalisateur Paolo Sorrentino « La Grazia » est encore plus restreint que «H est pour Hawk». En rejetant son cadre en bord de mer habituel et son intérêt pour le physique humain, Sorrentino a jeté son objectif les derniers jours du premier mois de la présidente italienne du président italien Mariano de Santis.

Ici, le de Santis habituellement mesuré a quelques articles clés à considérer: un projet de loi d'euthanasie qui va à l'encontre de ses croyances catholiques mais qui est très souhaité par sa juristique Doretea (Anna Ferzetti), la clémence demande une femme battue qui a assassiné son mari (Linda Messerklinger) et un homme qui a tué son alze-stress époux (Vasco Mirandola), et son alzzheimer époustouf Horse Elvis. Tous ces problèmes sont mis en veilleuse proverbiale au lieu de de Santis travaillant pour déterminer qui avait l'amant de sa femme décédée il y a quarante ans.

Une grande partie du film se produit derrière les murs froids du palais quinrinal, où De Santis prend des réunions – comme un astronaute italien en orbite dont les larmes confondnt le président – tout en considérant ces objets susmentionnés. Parfois, De Santis sort pour fumer, et à d'autres moments, il a dîner avec son vieil ami hilarant Coco Valori (un voleur de scène Milvia Marigliano). En attendant, un score techno passe par intermittence à travers la stérilité de la vie du palais. Curieusement, j'ai préféré l'existence sédentaire que Sorrentino capture au début de ce film plutôt que les voyages de De Santis à l'extérieur à la prison tenant les deux accusés ou son séjour à l'endroit où il a rencontré sa femme. L'objectif et la portée peuvent s'élargir, mais le cœur ne le fait pas. Au lieu de cela, il reste aussi concret que De Santis.

Pourtant, le collaborateur de Sorrentino Toni Servillo («The Great Beauty») en tant que De Santis donne une performance stoïque étroitement calibrée dont la subtilité et l'ambiguïté, en particulier les minuscules blessures qui causent une détresse majeure, nous entrent pendant un temps considérable. Mais il ne suffit pas de réchauffer cette image consciemment froide, laissant une sensation éloignée même lorsque Sorrentino fait des gestes pour rapprocher le spectateur de cette règle de canard boiteuse.