Les 10 meilleurs films en noir et blanc des années 1980

Le cinéma associe généralement les années 1980 aux touches de couleur. Après tout, la décennie a été marquée par de nombreuses expérimentations dans le domaine de la mode. Les gens sortaient également davantage et profitaient de ce que la nature avait de meilleur à offrir. Réaliser un film en noir et blanc au cours de cette décennie était donc un pari risqué, qui empêchait le public d'apprécier les costumes et les décors.

En général, le monochrome était considéré comme une chose du passé, et la plupart des cinéastes préféraient s'en tenir à l'évolution de la technologie plutôt qu'à la nostalgie de l'ère du muet. Heureusement, quelques individus et studios ont eu l'audace de réaliser des films monochromes et les résultats ont été spectaculaires. Certains de ces films évoquaient des souvenirs de l'âge d'or d'Hollywood, tandis que d'autres avaient tout ce qui était considéré comme essentiel pour un film des années 80.

dix Bénis leurs petits cœurs (1984)

Peut-être que Bless Their Little Hearts aurait pu connaître un plus grand succès s'il s'était intitulé No Romance Without Finance. Le réalisateur Billy Woodberry y rappelle douloureusement que les mariages s'effondrent souvent sans argent. Lorsque Charlie Banks (Nate Hardman) perd son emploi, sa femme devient hostile et l'accuse même faussement d'infidélité. Marre, il décide d'aller de l'avant et de tricher.

Un film destiné à la personne ordinaire

Bless Their Little Hearts était censé faire partie de la thèse du réalisateur Billy Woodberry à l'UCLA et dans celle-ci, il n'essaye pas si fort de créer quelque chose d'artistique. Il sert simplement un film qui soit aborde les difficultés actuelles de la plupart des spectateurs, soit leur rappelle les malheurs du passé. Rien ne s'améliore jamais pour le personnage principal, et à un moment donné, il commence à se demander si « la lumière au bout du tunnel » n'est pas un mythe que les gens ont inventé pour se sentir mieux.

Lorsque la caméra ne se concentre pas sur les disputes de type Kramer contre Kramer entre mari et femme, elle passe à de superbes plans en mouvement. Une scène puissante montre Charlie errant dans les rues pendant des minutes, ne sachant pas où aller ni quoi faire. La moralité est également un thème récurrent, ce qui en fait le film parfait pour tous ceux qui souhaitent ne jamais faire de mauvais choix dans la vie.

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9 Taureau enragé (1980)

Avant Raging Bull, Giacobbe « Jake » LaMotta n'était pas un boxeur très connu. Après tout, il était un puncheur de poids moyen à une époque dominée par les poids lourds. Heureusement, Martin Scorsese a développé un intérêt pour l'histoire de la vie de l'homme et a adapté ses mémoires, Raging Bull: My Story.

Le film suit LaMotta (Robert De Niro) alors qu'il passe du statut de personne inconnue au sommet de sa division. Malheureusement, il devient de plus en plus paranoïaque à l'idée que sa femme le trompe, ce qui lui fait perdre sa concentration. Par conséquent, il tombe en disgrâce.

Le plus grand film de boxe de tous les temps

Raging Bull est largement considéré comme le plus grand film de tous les temps, et ce n'est guère surprenant, compte tenu des angles de caméra soignés et des séquences de combat bien chorégraphiées. Jusque-là, les films de boxe montraient principalement des scènes de combat hors des cordes. Cependant, pour son film nominé aux Oscars, Scorsese a ordonné à son directeur de la photographie Michael Chapman de se rapprocher des boxeurs pour capturer leur douleur et leur anxiété.

Selon le livre Scorsese on Scorsese, le réalisateur a choisi le noir et blanc parce qu'il voulait que le film soit différent de tout ce qui sortait à l'époque. Il y avait aussi une autre raison majeure. Scorsese avait tourné une grande partie du film en couleur avant que le réalisateur britannique Michael Powell ne fasse remarquer que les boxeurs des années 60 n'utilisaient que du noir, du marron et du sang de bœuf, mais qu'aucun de ces éléments n'apparaissait dans le film.

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8 L'Homme éléphant (1980)

The Elephant Man est l'histoire biographique de Joseph « John » Merrick, un artiste de cirque déformé qui est devenu populaire auprès de l'élite grâce à son intelligence. Dans le film, David Lynch prend le temps de montrer exactement comment cela s'est produit.

Au début, John (John Hurt) est considéré comme stupide et maltraité par son maître de cérémonie. Bientôt, le docteur Frederic Treves (Anthony Hopkins) s'intéresse à lui et le prend sous sa garde. Il ne faut pas longtemps au médecin pour découvrir que John est intelligent. La nouvelle se répand alors, faisant de John une personne influente.

Des effets de maquillage révolutionnaires

Le film a toutes les caractéristiques de David Lynch, des bruits effrayants et des atmosphères surréalistes aux personnages aux apparences inhabituelles. C'est en se concentrant méticuleusement sur ces derniers que The Elephant Man brille vraiment. Les effets de maquillage sont si bons que l'Académie des arts et des sciences du cinéma a décidé de créer l'Oscar du meilleur maquillage l'année suivante. Au total, le biopic a été nommé pour huit Oscars lors de la 53e cérémonie des Oscars, à égalité avec Raging Bull.

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Meilleurs films connexes qui mélangent la couleur avec le noir et le blanc

De La Liste de Schindler à Raging Bull, voici les meilleurs films qui mélangent la couleur avec le noir et blanc.

7 Dormir pour rêver (1986)

Dans Dormir pour rêver, l'actrice japonaise vieillissante de Silent Era, Madame Cherryblossom (Fujiko Fukamizu), engage deux détectives privés pour retrouver sa fille disparue, Bellflower (Moe Kmaura). Les deux font un excellent travail pour déchiffrer les indices, et leur recherche les mène finalement à un studio de cinéma. À partir de là, les choses prennent une drôle de tournure.

Un film muet des temps modernes

Les grands personnages font les grands films et les deux détectives privés de Dormir pour rêver ont une multitude de qualités intéressantes. Ils posent peu de questions mais peuvent tirer des conclusions sur des chapitres entiers à partir des brèves réponses qu'on leur donne. Ils sont également accros aux œufs à la coque, ce qui en fait un croisement entre un duo de film noir et un duo de comédiens.

De plus, dans un choix délibéré pour honorer son propos, le film est en grande partie muet. Les dialogues sont révélés par des intertitres et, la plupart du temps, on n'entend que les bruits environnants.

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6 Mon 20e siècle (1989)

Mon XXe siècle est l'un des films dans lesquels un acteur joue des jumelles. Dorotha Segda incarne Lila et Dora, deux sœurs adoptées par deux familles différentes après être devenues orphelines très jeunes. À l'âge adulte, elles se rencontrent par hasard après avoir toutes deux réservé des billets pour la locomotive de passagers de l'Orient Express. Dora est désormais une séductrice qui aime arnaquer les hommes riches, tandis que Lila est une révolutionnaire qui espère faire exploser le train pour assassiner un homme politique.

Des idéologies conflictuelles liées par l'amour

Comme c’est le cas pour la plupart des films sur des jumeaux, la performance est le pilier le plus solide. Dorotha Segda se surpasse dans le double rôle de deux personnages aux personnalités totalement différentes.

Pour pimenter les choses, il y a un angle romantique qui donne le vertige. Un passager tombe amoureux des deux femmes, persuadé qu'elles sont la même personne. Il se demande donc sans cesse pourquoi l'une est si réceptive à ses avances tandis que l'autre est prête à appeler la sécurité même lorsqu'il lui fait un compliment sincère. Grâce à l'arc romantique, le public se retrouve également entraîné dans le jeu complexe de qui est qui.

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5 Chan a disparu (1982)

Chan is Missing suit Jo (Wood Moy), chauffeur de taxi de San Francisco, et son neveu, Steve (Marc Hayashi), alors qu'ils recherchent le courtier disparu Chan. Jo voulait acheter une licence de taxi et Chan a promis d'y parvenir, mais après avoir obtenu l'argent, il était introuvable. Leur recherche devient difficile car chaque habitant de Chinatown à qui ils parlent a une idée différente de ce qui s'est passé.

Une saga américano-asiatique rafraîchissante et amusante

Dans les années 70 et 80, les industries cinématographiques hollywoodiennes et asiatiques étaient fortement orientées vers les films de kung-fu ou les comédies d'action. Heureusement, Chan is Missing est arrivé, qui a évité les tropes et s'est concentré sur les rires. Aussi désastreuse que soit la situation, les personnages ne cessent de s'amuser.

Et ce ne sont pas seulement Jo et Steve qui sont sous les feux des projecteurs. Il y a d'autres habitants de San Francisco qui viennent soutenir le film, comme Henry le cuisinier, qui n'arrête pas de débiter des répliques à l'emporte-pièce. Dire que le film est agréable serait un euphémisme.

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4 Les chercheurs d'or (1983)

Les Gold Diggers se concentrent sur deux femmes à la recherche de réponses à différentes questions de leur vie. Ruby (Julie Christie) recherche sa mère ainsi que des informations sur son père, ancien chercheur d'or. Ailleurs, Céleste (Colette Laffont), employée en informatique dans une banque, cherche à en savoir plus sur l'argent et le pouvoir mais est renvoyée par les hommes en costume. Bientôt, les deux femmes se croisent et réalisent qu’elles ont beaucoup de points communs.

L’entrelacement de la finance et de l’autonomisation des femmes

Au moment de la sortie de The Gold Diggers, il existait encore un grand déséquilibre entre les sexes dans les entreprises et dans plusieurs autres secteurs. Par exemple, un seul film britannique réalisé par une femme (The Other Side of the Underneath de Jane Arden) est sorti en salles dans les années 70. Ce film a donc contribué à améliorer les choses non seulement en prouvant ce que les cinéastes pouvaient faire, mais aussi en encourageant les femmes sur le lieu de travail.

Outre les thèmes abordés, les visuels sont époustouflants et la narration est apaisante. Les dialogues sont minimes, ce qui permet au public de mieux assimiler les événements et d'apprécier la caractérisation.

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3 À la recherche de Langston (1989)

Langston Hughes est l’un des plus grands poètes de tous les temps, mais Looking for Langston ne concerne pas vraiment lui. Il s'agit de la scène gay de Harlem dans les années 20 et 30. Certains personnages adorent profondément Hughes, le considérant comme une icône LGBTQ. Ils honorent sa poésie, tout en essayant de vivre leur vie normale. Des portions d'images de la vie de Hughes sont également insérées dans le film.

La sortie de Looking for Langston a suscité une certaine controverse, Hughes niant son homosexualité et tentant même de bloquer la sortie du film. Pourtant, ce film reste un film puissant sur les racines de la communauté LGBTQ en Amérique. On suppose généralement que les homosexuels n'ont commencé à exister que dans les années 50 et 60, mais ils l'étaient déjà dans les années 20.

Plus important encore, le récit commun de l’oppression des homosexuels est évité au profit de la gaieté et de l’optimisme, ce qui rend le film parfait à la fois à des fins de divertissement et d’éducation.

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2 Damnation (1988)

Dans Damnation, le déprimé Karrer (Miklós B. Székely) passe ses journées dans un bar local, et ce n'est qu'une question de temps avant qu'il ne tombe amoureux d'une chanteuse mariée. Malheureusement pour lui, elle met fin à cette liaison, craignant que cela ne ruine ses chances de devenir célèbre. Cependant, Karrer ne s'en va pas tranquillement. Lorsqu'on lui propose un travail de contrebande à gros enjeux, il décide de s'en prendre au mari de la chanteuse, ce qui complique encore les choses.

Atmosphère sombre et pluvieuse

Damnation est davantage porté par sa cinématographie que par son intrigue. Hormis le fait que Karrer reste obsédée par la chanteuse et essaie de trouver des moyens de se débarrasser de son mari, il ne se passe pas grand-chose. Cependant, il y a beaucoup à admirer de la part de l'objectif de la caméra. La majeure partie du film est tournée sous la pluie, ce qui signifie qu'il y a beaucoup de boue et une teinte grise infinie. Il n'y a pas non plus de changements rapides. Chaque scène est couverte pendant au moins une minute.

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1Tetsuo : L'Iron Man (1989)

Tetsuo est une histoire horrible sur un col blanc étiqueté The Salaryman (Tomorowo Taguchi). Une nuit, lui et sa petite amie ont accidentellement heurté un fétichiste du métal alors qu'ils conduisaient. Ils se débarrassent de son corps et tentent de mener leur vie normale, mais d'étranges processus se déroulent. Au fil des jours, des parties du corps du Salaryman commencent à se transformer en métal, ce qui le fait flipper et le pousse dans une quête désespérée pour remédier à la situation.

Court et bizarre

Tetsuo ne dure que 70 minutes, il est donc facile à visionner pour quiconque souhaite le voir par curiosité. Malgré sa brièveté, le film laisse matière à réflexion. De nombreuses scènes bizarres continuent de surgir, notamment celle où le Salaryman tente de faire l'amour avec son amant uniquement pour que son pénis se transforme en perceuse métallique. En dehors de cela, les fans du genre peuvent s’attendre à l’un des points culminants les plus époustouflants, impliquant une rencontre entre l’homme et la victime qui a survécu à l’accident.

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