Sundance 2024: I Saw the TV Glow, Thelma, Freaky Tales

Il est de retour! Avec plus de monde sur le terrain en raison d’une partie en ligne plus restrictive qui commence la semaine prochaine (et n’inclut pas la plupart des premières), le Festival du film de Sundance de cette année semble déjà le plus fréquenté et le plus animé depuis 2020. Sundance a été touché par le COVID. , devenant virtuel en 2021 et 2022 avant de revenir sous une forme hybride en 2023. L’approche hybride a été ajustée pour tenter de ramener les gens dans l’Utah, et elle semble fonctionner. Les salles que j’ai fréquentées le jour de l’ouverture étaient pleines de foules réceptives, et au moins l’une d’entre elles a vu un film phénoménal.

Ce public chanceux était celui de Jane Schoenbrun «J’ai vu la télévision briller» la confirmation que le travail qu’ils ont réalisé sur « Nous allons tous à l’Exposition universelle » il y a deux ans n’était pas un hasard. Cela ressemble au début d’une carrière influente et importante, le travail d’un artiste qui n’a aucune peur d’exprimer son identité à travers son art. Et ce qui rehausse vraiment « I Saw the TV Glow », outre l’étonnante confiance visuelle et auditive de Schoenbrun, c’est le mélange du spécifique et de l’universel. C’est un film résolument étrange, et pourtant il touche à quelque chose de pertinent à la fois sur l’identité, l’anxiété, la culture et la connexion. C’est surréaliste dans un sens qui semble vrai, me rappelant le travail de David Lynch dans la façon dont il fonctionne à un niveau émotionnel et presque instinctif plutôt qu’à un niveau littéral.

À la base, « I Saw the TV Glow » parle de deux jeunes qui deviennent obsédés par une émission de télévision intitulée « The Pink Opaque ». Sorte d’hybride de « Buffy contre les vampires » (avec la même police) et de « Are You Afraid of the Dark? » de Nickelodeon, « The Pink Opaque » est l’une de ces émissions qui apparaissent en dernier dans un bloc pour jeunes adultes sur TV, repoussant un peu les limites du genre avant que le réseau ne passe aux rediffusions en noir et blanc. Le spectacle fictif du film met en vedette la grande Helena Howard dans le rôle de la moitié d’un couple de jeunes femmes qui ont une sorte de connexion psychique, combattant parfois un monstre de la semaine et fuyant parfois le « grand méchant » de la série, M. Melancholy. C’est le genre de série qui obsède les jeunes, comme Owen (un juge Smith vulnérable) et Maddy (une fantastique Brigette Lundy-Paine).

Un jeune Owen (Ian Foreman) en septième année voit une publicité pour « The Pink Opaque » et en devient captivé, mais son père éloigné (Fred Durst… oui, celui-là) et sa mère aimante (Danielle Deadwyler) ne le laissent pas. veillez assez tard pour le regarder. Lorsqu’il voit Maddy lire un guide des épisodes de la série, il noue un lien avec elle, se faufilant pour regarder un épisode un soir et regardant de manière obsessionnelle les cassettes VHS de la série qu’elle lui laisse regarder.

C’est le squelette sur lequel Schoenbrun raconte une histoire d’obsession et de découverte de soi à travers quelque chose et quelqu’un d’autre. Schoenbrun a clairement indiqué dans l’introduction que le film était écrit alors qu’ils cherchaient leur propre identité queer, et il est facile de voir le thème du sentiment de ne pas être à sa place dans son corps et dans le monde tout au long de « I Saw the TV Glow ». Il ne s’agit pas seulement d’identité refoulée, mais aussi de moments où le monde évolue vers quelque chose de nouveau. Cela peut être aussi simple qu’une émission de télévision qui change votre vision du monde ou aussi complexe que l’identité de genre. Mais ce qui semble spécial dans « I Saw the TV Glow », c’est le nombre de couches qu’il doit déballer. Deux personnes pourraient avoir des lectures très différentes et valables de ce que « raconte » ce film.

Une chose est sûre, c’est qu’il s’agit d’une prouesse technique époustouflante. L’une des projections les plus bruyantes que j’ai jamais vues à Sundance, c’est un film avec des éléments technologiques conçus pour vous ébranler. Et le sens visuel de Schoenbrun est époustouflant avec ses choix d’éclairage, de cadrage et de montage. Ce film ressemble à une expiration émotionnelle, mais il y a ici une esthétique captivante qui transforme vraiment ce sentiment sincère en art.

À l’autre extrémité du spectre en termes d’approche narrative se trouve le film charmant et doux de Josh Margolin. «Thelma», un film qui donne à June Squibb (« Nebraska »), 93 ans, son premier rôle principal. D’une part, il s’agit d’une « comédie de Sundance » relativement simple, mais elle s’élève à travers des personnages sincères, un sens de l’humour aigu qui ne tourne jamais au vinaigre et une affection honnête pour la condition humaine. Nous vieillirons tous. Nous perdrons tous ceux que nous aimons. Profitons-en au maximum. Appelle ta grand-mère.

Inspiré d’événements réels, « Thelma » parle d’une femme nommée Thelma Post, qui est encore assez intelligente pour vivre seule mais qui compte sur l’aide de son petit-fils bien-aimé Danny (Fred Hechinger). Dans les scènes d’ouverture, il l’aide à utiliser son ordinateur et insiste pour qu’elle porte un FitBit pour pouvoir la surveiller. Dès le début, Margolin définit la relation amoureuse et douce entre ces deux-là d’une manière remarquablement aimable sans être idiote. Ils écoutent un enregistrement du mari décédé de Thelma et regardent ensemble un film « Mission : Impossible », s’émerveillant du travail de cascadeur de Tom Cruise. Cela deviendra une source d’inspiration pour la prochaine aventure de la vie de Thelma.

Cela commence lorsqu’elle reçoit un appel de quelqu’un prétendant être Danny. Il a eu un accident, il est en prison et son avocat a besoin de 10 000 $ en espèces maintenant. Thelma l’envoie par la poste et découvre assez vite qu’elle a été escroquée. La fille de Thelma, Gail (Parker Posey) et son gendre Alan (Clark Gregg) sont suffisamment surpris pour se demander s’il est temps que Thelma déménage dans une résidence-services comme son ami (Richard Roundtree, dans une merveilleuse performance finale). Thelma décide que des mesures doivent être prises et cherche à se venger de ceux qui l’ont arnaquée. C’est dommage qu’elle ne puisse pas conduire seule.

« Thelma » est un si joli petit film en grande partie à cause de tout ce que Squibb y apporte (y compris en réalisant toutes ses propres cascades). C’est une performance habilement merveilleuse qui retient un film qui semble avoir facilement pu transformer les personnes âgées en cibles faciles pour l’humour ou la sentimentalité maudline. Squibb connaît ici la corde raide du réalisme et de l’humour loufoque, et elle y parvient. Et Margolin tisse intelligemment les thèmes de « Thelma » sans les marteler, comme lorsque Thelma rend visite à une femme qui n’a pas de Danny dans sa vie. Thelma est une femme forte et confiante, mais c’est aussi un film sur la camaraderie et ces relations comme la grand-mère et le petit-enfant qui peuvent nous définir. Les gens vont adorer. Voyez-le avec quelqu’un que vous aimez.

J’ai le sentiment que beaucoup de gens vont adorer aussi «Contes bizarres» mais parfois une critique atterrit en minorité. J’ai tellement recherché aimer ce film loufoque qui s’inspire effrontément de John Carpenter, Walter Hill, David Cronenberg et d’autres icônes du genre du début des années 80, mais il n’est jamais aussi pointu qu’il devrait l’être pour fonctionner. Pendant des années après la percée de Quentin Tarantino, Sundance a présenté en avant-première des films révélant à quel point sa structure d’histoire interconnectée dans « Pulp Fiction » était difficile à réaliser, et on a presque l’impression que « Freaky Tales » n’est pas un rappel de « Pulp Fiction » mais du de pâles copies. Il y a des moments qui sont indéniablement amusants, mais le scénario avait besoin d’un autre coup de pouce pour l’humour et le style, et les visuels devaient comprendre que ce que des maîtres comme Carpenter et Hill ont réussi dans leurs films de genre était plus difficile qu’il n’y paraissait.

« Freaky Tales » se déroule en 1987 à Oakland et se déroule en quatre chapitres avec des personnages qui se croisent les uns les autres. Le premier est l’histoire d’un groupe de punk rockers qui sont régulièrement agressés par des skinheads nazis, conduisant à une séquence de combat dans laquelle les punks épris de paix ripostent. (Le thème entre les quatre est indéniablement l’opprimé sous-estimé.) La deuxième histoire est centrée sur deux jeunes rappeuses qui s’appellent Danger Zone (Dominque Thorne et Normani, qui ont failli repartir avec le film), alors qu’elles combattent le rap contre Too. Court. Le troisième chapitre retiendra le plus l’attention car il met en vedette Pedro Pascal dans le rôle d’un gars qui secoue les gens qui doivent de l’argent à son patron le pire jour de sa vie. C’est le plus dur et le plus tarantino-esque du groupe. Le dernier segment a une énergie « Kill Bill » alors que la légende des Golden State Warriors, Sleepy Floyd, combat le seigneur du crime de la Baie, joué par un Ben Mendelsohn ricanant.

Les scénaristes/réalisateurs Anna Fleck et Ryan Boden ont échappé à la machine restrictive du MCU avec le désir de devenir un peu farfelu. Des séquences animées, des cartes de titre géniales, des chutes d’aiguilles inattendues (il y en a trois rien que dans la bataille finale) : c’est un film avec beaucoup de choses à faire. Par cet excès, il fonctionne par rafales – un choix fait par Pascal, Dominique Thorne et Normani, un rebondissement narratif, une explosion de gore – mais je ne peux pas m’empêcher de penser qu’il ne comprend fondamentalement pas formellement une grande partie du des films auxquels il rend hommage. C’est bizarre, bien sûr, mais jamais d’une manière qui semble vraiment inattendue, dangereuse ou intelligente. Ce sont des calories vides alors que les films qu’il imite étaient des repas complets.