Venice Film Festival 2022: The Whale, The Ghost of Richard Harris, Don’t Worry Darling

Au début « La baleine, » le nouveau film réalisé par Darren Aronofsky d’après un scénario de Samuel D. Hunter (adaptant sa pièce de théâtre), Liz (Hong Chau), une infirmière qui s’occupe volontairement de son ami Charlie (Brendan Fraser) note que Charlie, qui vit un épisode qui convulse l’intégralité de son corps de 600 livres, affiche une tension artérielle de 238 sur 134. En plus d’être un nombre anormalement élevé, c’est aussi un indicateur d’insuffisance cardiaque congestive.

Parce que Brendan Fraser ne pèse pas lui-même 600 livres, il porte beaucoup de maquillage prothétique dans son portrait déchirant de Charlie, dont l’histoire n’est pas la seule que « The Whale » raconte. Il y a quelques heures, mon collègue britannique Robbie Collins a tweeté qu’il avait entendu un autre participant à la Biennale de Venise déclarer que le choix de Fraser ressemblait à un acteur apparaissant en blackface. Collins a été exaspéré par cette déclaration, et il y a de nombreuses façons dont elle ne parvient pas à convaincre : logiquement, en ce qui concerne l’histoire culturelle, et plus encore. Mais regardons un instant les alternatives pour un artiste cinématographique qui veut faire un film centré sur un homme de 600 livres. Embauche-t-on réellement une personne dont la tension artérielle se situe autour de 238 sur 134 ? Et si cette personne passe l’assurance physique, que se passera-t-il si elle meurt sur le plateau ? Qui est la doublure ?

J’ai été émotionnellement dévasté par « The Whale », qui ne concerne pas seulement Charlie, mais très précisément la façon dont il a atteint l’état dans lequel le film le trouve, car il raconte une période du lundi au vendredi de sa vie. C’est peut-être le récit le plus conventionnel qu’Aronofsky ait traité de toute sa carrière; une grande partie ressemble à une pièce de théâtre – sans doute pas dans le mauvais sens. Mais il est évident dès le début que ce film, contrairement à d’autres images d’Aronofsky, a l’intention de vous emmener clairement du point A au point B à C et au-delà. (Bien que plusieurs critiques aient noté que le script de Hunter est, entre autres, écrasé, ce qui est sans doute vrai, mais qui ne m’a pas enregistré aussi puissamment lors de mon premier visionnage qu’il aurait pu.)

Le sujet est inhabituel à première vue, mais l’histoire est l’un des différents niveaux de chagrin et d’incompréhension humaine. Il y a la relation de Liz avec Charlie; il y a l’étrange histoire du jeune missionnaire (Ty Simpkins) qui se présente à la porte de Charlie pendant son épisode et lui sauve peut-être la vie; il y a la fille adolescente férocement en colère et peut-être vicieuse de Charlie (Sadie Sink), furieuse de l’abandon perçu. L’ex-femme de Charlie (Samantha Morton) arrive en retard, avec une valise métaphorique pleine de problèmes.

À tous, Charlie, qui s’est mis dans cet état de confort extrême après avoir perdu la vie, dit « je suis désolé » encore et encore. Et bien plus que cela. Sa performance est une merveille physique, un étrange serre-livre inverse de son objet/sujet de désir dans « Gods and Monsters ». A-t-il droit à ce rôle ? Charlie note que dans son passé, il a toujours été un «grand gars» et Fraser lui-même, après avoir subi un traumatisme de la vie, est devenu beaucoup plus grand qu’il ne l’était à l’époque de «Dieux et monstres» et de «Maman». De nos jours, tout le monde est encouragé à dire sa vérité. Voici quelques-unes des miennes : À 20 ans, je mesurais 1,80 mètre et pesais 190 livres. À 49 ans, je me tenais un peu plus de six pieds deux et pesait trois cents livres. L’État était inconfortable à la fois physiquement et existentiellement, et médicalement dangereux. Cela m’a amené à regarder avec un grand scepticisme la « positivité corporelle » contemporaine. Cela dit, je crois aussi à la liberté individuelle, voire à la liberté individuelle de proclamer comme sain un état manifestement malsain. Je crois aussi à la liberté artistique. Et dans la liberté de Fraser de faire un saut imaginatif et physique dans un état qui est au-delà du sien, mais pas entièrement à part de lui. Avec « The Whale », Aronofsky et Fraser ont pris des risques substantiels, au nom d’une empathie insistante. Je pense, et mes conduits lacrymaux sont d’accord, que ces risques ont payé.

« Le fantôme de Richard Harris », réalisé par Adrian Sibley, devrait intéresser tout cinéphile fasciné par le cinéma, c’est-à-dire, je suppose, toutes les périodes cinéphiles. Harris a eu trois fils de sa première femme Elizabeth, tous impliqués dans les arts : l’acteur Jared, le réalisateur Damian et l’acteur et musicien Jamie. Ils servent de guides à l’écran pour une grande partie du film, fournissant une voix off et apparaissant à l’écran en visitant la suite de leur père au Savoy Hotel de Londres et l’entrepôt où sont stockés ses effets personnels.

D’autres personnalités de la vie de Harris interviennent, notamment la co-vedette de « Gladiator » Russell Crowe, la co-vedette de « Camelot » Vanessa Redgrave et l’auteur-compositeur de « McArthur Park » Jimmy Webb, dont le souvenir est particulièrement poignant. Sibley tient à souligner à quel point Harris a pris son jeu très au sérieux, et j’ai beaucoup appris, parfois par implication. Le film ne passe pas beaucoup de temps sur son travail dans le « Désert rouge » de Michelangelo Antonioni, mais son récit général de l’évolution de l’attitude de Harris vis-à-vis du travail cinématographique dans les années 60, et sa démonstration des qualités physiques de son jeu, m’a donné quelques indices pour démêler sa performance dans ce film.

La publicité préalable sur « Ne t’inquiète pas chérie » une satire rétro dystopique réalisée par Olivia Wilde, a à peu près servi à mettre une cible sur son dos. L’offensive anti-charme de Wilde auprès des journalistes a culminé avec la conférence de presse post-projection du film aujourd’hui, avec l’actrice principale Florence Pugh absente et Wilde devenant glacial face à des questions particulières; un journaliste a été arrêté alors qu’il tentait de poser une question sur Shia LaBeouf, que Wilde prétendait avoir licencié ; LaBeouf en disgrâce a déclaré que ce n’était pas vrai et a produit des preuves publiques dignes de grincer des dents pour son camp. Quoi qu’il en soit, il est sûr de dire que ce n’était pas la Venise que Wilde avait espérée. Les applaudissements du public après la projection à laquelle j’ai assisté ont été les plus tièdes que j’aie jamais entendus dans un festival, et ils n’ont pas été plus enthousiastes lorsque le nom de Wilde est apparu à l’écran.

Par conséquent, « Don’t Worry Darling » est devenu le film sur lequel s’attarder, et je ne suis pas quelqu’un qui approuve ce syndrome. Malheureusement, alors que « Don’t Worry Darling » n’est pas SI mauvais, ce n’est pas non plus très bon. Les gens pensent que l’auteurisme a été fondé sur le principe que le réalisateur est le pouvoir créatif ultime sur un film, mais ce n’était pas le cas. Elle a plutôt estimé que certains réalisateurs étaient capables d’exercer un style qui imprimait leur personnalité à leurs films. À cet égard, « Darling » est vraiment une image d’auteur, remplie de traits que Wilde a laissés planer dans des interviews récentes. C’est pompeux (dans son didactisme sur le nez), sans humour (la satire n’a pas besoin d’être drôle, vraie, et c’est une satire pas drôle), condescendante (la dynamique raciale ici, dans laquelle la seule femme noire avec un parler partie est reléguée à un accessoire de martyre, est un doozy), intitulé (le morceau récurrent Busby-Berkeley-meets-«Carnival of Souls» n’a aucune valeur utilitaire, à part dire «cauchemar», et il est clair que Wilde a tourné cette indulgence juste parce qu’elle pourrait, d’accord très bien), et plus encore. D’un autre côté, de temps en temps, il s’accroche à un sillon d’élan narratif et va avec lui dans un but. La prémisse aurait pu constituer un épisode mémorable de la « Night Gallery » de Rod Serling. Cette image dure presque deux heures, donc c’est un problème là.