Le programme du Telluride Film Festival (TFF) est toujours très en suspens. Il est gardé secret jusqu'au jeudi précédant le festival. Cette année, pour sa 51e édition, la programmation du TFF met l'accent sur l'exposition et l'exploration de certaines des réalités extrêmes que nous vivons politiquement et socialement. La sélection des films du Telluride est extraordinaire. Je trouve que les films, année après année, semblent souvent liés thématiquement, même de manière minime, et cette année est peut-être la plus singulière en ce qu'elle conserve un thème artistique commun : des performances magnifiques et une exécution technique soignée.

Premier long métrage narratif de RaMell Ross, « Les garçons de Nickel » est un film méthodique basé sur le livre du même nom de Colson Whitehead, paru en 2019 et qui a également été producteur exécutif du projet. Ross livre une image chaleureuse mais troublante qui laisse le public dévasté.

Entre les années 1950 et le début des années 2000, nous suivons la vie d'Elwood Curtis (Ethan Herisse), qui passe de l'adolescence à l'âge adulte. La relation entre le jeune Elwood et sa grand-mère, jouée de manière phénoménale par Aunjanue Ellis-Taylor, établit le désir du spectateur de l'encourager alors qu'il navigue dans la vie dans le Sud au milieu de l'ère des droits civiques. Malgré ses excellents résultats scolaires et ses tentatives d'aller à l'université, Elwood se retrouve dans un « mauvais endroit, au mauvais moment » et est envoyé à la Nickel Academy où il doit franchir les quatre niveaux de réforme comportementale afin de gagner sa liberté.

Alors qu'il fréquente la Nickel Academy, une école de garçons inspirée de l'histoire diabolique de l'école Arthur G. Dozier en Floride, Elwood se lie d'amitié avec Turner (Brandon Wilson), un vétéran de Nickel. Ross présente cette histoire de manière unique et audacieuse uniquement à travers des prises de vue « en point de vue », alternant entre les yeux d'Elwood et de Turner. Pour le public, le changement de perspective nous fait parfois revivre la même scène sous des angles différents ; et avec la répétition et la variation, il modifie et approfondit l'attachement et la compréhension du public envers ces personnages. Les deux deviennent dépendants l'un de l'autre, réalisant que leur seule façon de s'en sortir serait de réussir ensemble. Cette perspective à la première personne peut au départ sembler formellement restrictive, mais elle affine l'histoire racontée de telle manière que les images d'archives et autres images symboliques permettent de véritablement améliorer la vision de Ross pour le film plutôt que d'être simplement un choix esthétique.

Bien que je n’aie pas encore lu le livre, j’ai senti que certains éléments n’avaient peut-être pas été retenus dans l’adaptation, ce qui m’a laissé avec quelques questions sur l’intrigue générale. Cependant, les choix de Ross en matière de narration visuelle sont réfléchis mais complexes, et ils poussent le public à se concentrer sur ce qui se trouve devant lui tout en essayant simultanément de garder à l’esprit ce qui est consciemment omis. S’il est facile de critiquer un film pour ce qui lui manque, je pense que l’ambiguïté ressentie par le public tout au long du film renforce la mission vers laquelle Ross travaille. Venu du monde du cinéma documentaire, l’approche de Ross pour son premier long métrage narratif conserve des éléments du cinéma documentaire qui se traduisent de manière spectaculaire dans l’espace de la narration fictionnelle. En augmentant le niveau de ces techniques, il démontre sa capacité à garder la vérité au premier plan de son travail en tant que documentariste et réalisateur narratif. Le travail de Ross consiste à créer et à contribuer à une archive d’histoires noires américaines ; avec « Nickel Boys », nous observons un portrait franc et brut de deux jeunes garçons noirs alors qu’ils se lancent dans un voyage vers de plus grandes possibilités.

Basé sur la production scénique d'August Wilson de 1987, « La leçon de piano » est une représentation sincère de la façon dont un objet, en particulier un héritage familial, est bien plus que sa matérialité et sa valeur sentimentale. Avec la diffusion croissante des films noirs, il est facile, et parfois paresseux, de les qualifier d'histoires de dépassement de traumatismes générationnels. Dans ce cas, l'adaptation de « La leçon de piano » par Malcolm Washington est une histoire exceptionnelle de dépassement de traumatismes générationnels pouvoir et la protection que nous offrent la famille et les ancêtres. Le premier long métrage de Washington en tant que réalisateur est rendu possible grâce à son casting de stars, dont son frère John David Washington, Danielle Deadwyler, Samuel L. Jackson et Ray Fisher ; les acteurs et l'équipe semblent tous avoir une compréhension mutuelle de la gravité de l'adaptation d'œuvres canoniques telles que les pièces de Wilson.

Boy Willie (John David Washington) a pour mission de vendre un camion de pastèques et le piano de sa famille afin d'acheter le terrain où sa famille était autrefois asservie. Lorsque Boy Willie arrive chez sa sœur pour prendre le piano, la famille commence à lutter collectivement contre des figures fantomatiques de leur passé, mais ils sont déconcertés par la cause. Cela conduit au jeu des reproches et à l'exploration de diverses solutions. Avec une performance remarquable de Deadwyler, qui joue Berniece Charles (la sœur), il y a une nette différence avec l'histoire typique d'August Wilson où les personnages féminins n'ont souvent pas beaucoup de facultés. Au cours d'une conversation informelle avec Deadwyler, elle et moi avons convenu que malgré le physique féminin de Berniece, il y a une nature dominante et fougueuse en elle qui contrecarre les opinions contradictoires des membres masculins de sa famille sur ce qui devrait arriver au piano sans être rejetée simplement en raison de son sexe.

Au travers des tribulations obsédantes, on retrouve des éléments de réalisme spirituel et magique qui restent fidèles à l'œuvre de Wilson, et bien qu'ils soient renforcés par des effets visuels cinématographiques, les images générées par ordinateur ne reçoivent pas la même énergie que la conception des décors et des costumes. Je crois fermement que de nombreux films gagneraient à revenir à des accessoires authentiques et à la magie du cinéma. Pour « La leçon de piano », les images de synthèse n'ont pas gâché le point culminant cathartique du film, mais pour ceux qui ne connaissent pas l'œuvre d'August Wilson, cela peut paraître exagéré.

JDW, qui a participé à la production récemment terminée de Broadway La leçon de pianoa du mal à amener sa performance au niveau cinématographique. Au début du film, ses lectures de dialogues permettent au public d'identifier facilement que ce scénario est probablement adapté d'une pièce de théâtre. Cependant, ses partenaires élèvent sa performance et, à la fin du film, son personnage et son exécution se sont considérablement développés. « La leçon de piano » a touché toutes les cordes sensibles, s'imposant comme l'un de mes favoris du festival.

Lorsqu’il s’agit des Jeux olympiques, il semble évident de proclamer que « le monde entier regarde », mais ce fut un phénomène nouveau pour les Jeux olympiques de 1972 à Munich, en Allemagne, car il s’agissait de la première édition télévisée de la compétition universelle. « 5 septembre » est un long métrage narratif intense qui dépeint l'équipe de diffusion des Jeux olympiques d'ABC alors qu'elle tente de couvrir une crise en cours lorsque 10 membres de l'équipe olympique israélienne sont pris en otage au village olympique. Le réalisateur suisse Tim Fehlbaum et l'acteur principal, Peter Sarsgaard, se réunissent pour raconter cette histoire à un moment où l'intégrité journalistique est remise en question ; de plus, les complexités des relations internationales de cette histoire sont également toujours d'actualité.

L'intégralité du film se déroule dans le studio de production, mais le montage, la mise en scène et les performances sont si superbes qu'il reste dynamique et captivant tout au long des 90 minutes de diffusion. Les prouesses techniques de « 5 septembre » sont si fluides qu'il est facile de passer outre le cadre unique de l'histoire. Les images d'archives de la diffusion réelle de 1972 et le rythme effréné de l'intrigue tiennent le public en haleine.

Tôt le matin du 5 septembre 1972, alors que l'équipe de diffusion d'ABC Sports prend enfin une pause et que d'autres commencent à peine leur travail, ils entendent des coups de feu. Peu de temps après, ils apprennent que des otages ont été pris dans le village olympique. Bien qu'elle n'ait pas l'expérience éthique nécessaire en matière d'informations en direct, l'équipe d'ABC Sports est pleinement consciente de sa responsabilité journalistique dans la couverture de l'événement.

Le film force les spectateurs à se sentir stressés, en conflit, empathiques et sympathiques. Je ne peux qu’imaginer ce que ressentaient les plus de 900 millions de personnes qui regardaient la retransmission en direct. Alors que l’Allemagne tente de se racheter des atrocités de la Seconde Guerre mondiale, l’équipe de diffusion doit être consciente de multiples sensibilités ; le concept de langage et d’étiquettes sont des armes capables de rendre les choses catastrophiques. Tout comme la réalisation d’un film, la production télévisuelle en direct exige un équilibre entre l’excellence technique et la priorisation de l’ordre dans lequel les points de l’intrigue sont dévoilés. « 5 septembre » excelle dans la transmission du rôle intégral et attentionné que doivent jouer les journalistes.