Sundance 2026: Bedford Park, Ha-Chan Shake Your Booty, Take Me Home |

Jusqu'à présent à Sundance, le programme du concours dramatique américain a été vaste et imprévisible, varié en termes de sujets et de flamboyance. Chacun de ces réalisateurs prend son propre essor avec un matériel profondément personnel qui ne rentre dans aucune case unique, faisant d'une romance opprimée, d'un film de danse vivant et d'un film déchirant sur le passage à l'âge adulte occupant une seule compétition. Dans ces trois sélections, vous pourrez constater à quel point cette section est variée cette année.

Un joyau conçu avec confiance, «Parc Bedford » est un type de film de plus en plus rare. Il s'agit d'une image délicate de gens de la classe moyenne et ouvrière, ancrés dans la vie, parlant de problèmes pertinents et trouvant une romance réaliste. Sans hâte mais avant-gardiste, le scénario confiant d'Ahn présente Audrey (Moon Choi), une physiothérapeute américano-coréenne qui recherche régulièrement une application à la recherche de relations sexuelles brutales. Elle suspend sa poursuite lorsqu'elle reçoit un appel de sa mère (Won Mi Kyung) l'informant qu'elle a eu un accident de voiture et qu'elle a besoin d'elle. Alors que la mère d'Audrey espère convaincre l'homme de l'accident, Eli (Son Sukku), de payer les dommages, Eli, endurci et grossier, refuse.

Audacieusement, la rencontre dure entre Eli et Audrey se produit lorsqu'Audrey fait une fausse couche à l'extérieur de l'appartement d'Eli dans le New Jersey (bien qu'Audrey puisse tomber enceinte, elle a moins de 5 % de chances de porter un bébé à terme). Eli s'adoucit donc contre Audrey, et Audrey propose de conduire Eli à son travail de sécurité dans un centre commercial et à son collège communautaire pendant que sa voiture est dans le magasin. Au fur et à mesure qu’ils passent du temps ensemble, ils commencent à tomber amoureux l’un de l’autre.

En plus de cette romance, Ahn ajoute de lourdes intrigues secondaires, notamment le père alcoolique d'Audrey, le désir de sa mère de sauver l'honneur de la famille en mariant Audrey, le poids de l'assimilation et le milieu d'accueil d'Eli, son éloignement de sa jeune fille et un conflit avec un demi-frère qui veut de plus en plus qu'il vienne à Miami pour un travail néfaste. Même si « Bedford Park » est intrigué par ces thèmes, il ne s'agit pas d'eux. Il ne s’agit pas d’un véhicule uniquement conçu pour poursuivre un dialogue socialement conscient. Ces thèmes sont simplement les réalités de la vie d'Audrey et Eli. Tout comme les décors qu’ils habitent, dans lesquels Ahn nous plonge avec une profonde profondeur de champ qui prend en compte les différents statuts économiques de leurs quartiers divergents.

Impérativement, Ahn ne perd jamais de vue leur idylle. Elle fait même des références explicites à « Rocky », qui sont renforcées par les postures musclées de Sukku (il se tient dans l'embrasure de la porte de la même manière que Stallone). Le réalisateur guide Sukku et Choi vers des performances incroyables et émotionnellement spécifiques. Lorsque le laconique Eli révèle ses émotions, il utilise sa grande silhouette pour cacher son chagrin. À l’inverse, Audrey devient physiquement vulnérable, laissant tomber son extérieur gardé. Parallèlement aux performances principales, plusieurs apparitions sur une seule scène, comme Cindy Hogan dans le rôle de la mère d'Eli, qui montrent à quel point ce film est bien interprété.

Et bien que la fin cède la place à quelques clichés, comme une connexion passée trop soignée qu'Audrey et Eli partagent, ce sont des choix émouvants qui correspondent à la teneur agréable du film, faisant de « Bedford Park » un coup d'État sans compromis.

Considérant que le précédent film de Josef Kubota Wladyka, « Catch the Fair One », était un thriller autochtone qui a lancé la carrière d'acteur désormais florissante de Kali Reis, sa décision de monter un film de danse est un choix curieux. « Ha-Chan, secoue ton butin!», dédié à la mère du réalisateur, qui était également danseuse, est un projet de passion consciente dont la bizarrerie et la ténacité permettent de regarder au-delà de ses nombreux choix créatifs bizarres.

Comme annoncé, le protagoniste du film, Haru (Rinko Kikuchi), est une danseuse qui fait équipe avec son mari Luis (Alejandro Edda) dans des compétitions de bal. Leur vie soigneusement calibrée – il cuisine et adore elle pendant qu'elle sélectionne les disques de leur vaste collection de vinyles – est perturbée lorsque Luis meurt subitement d'une crise cardiaque. Bien que Haru souhaite qu'il soit incinéré, le père de Luis choisit de ramener son corps au Mexique, ce qui fait craindre à Haru que Luis ait du mal à passer dans l'au-delà. Quand Haru retourne à la danse neuf mois après la mort de Luis, elle apprend l'arrivée du nouveau et brûlant professeur de danse Fedir (Alberto Guerra), qui se trouve être dans un mariage ouvert.

Divisé en six chapitres, dont les titres excentriques et colorés sont lus en anglais avec une voix grave et sérieuse et en japonais avec un ténor caricatural aigu, nous regardons Haru tenter de se lancer dans un groove sexuel avec Fedir. Semblable à sa relation avec Luis, Haru utilise la danse comme langage d'amour avec Fedir. Les désirs bouillonnants de Haru et Fedir inspirent des décors fantastiques, comme un combat de rue entre Fedir et des hommes grossiers qui se transforme en une danse élaborée qui exprime l'aura musclée de Fedir. Dans ces séquences extravagantes, Wladyka tente d'équilibrer l'attaque de la danse avec sa qualité ballet, et, en s'appuyant sur la seconde, il perd souvent la première, ce qui fait qu'une partie de la chorégraphie manque de punch. De même, l’insistance à utiliser des titres de chapitre provoque l’arrêt inutile d’un film sur le mouvement, perdant ainsi son élan émotionnel.

Pourtant, « Shake Your Booty » reste aussi drôle que son titre l’indique. Une remise en scène de « Dirty Dancing » et l'apparition d'un fantôme dans un costume de corbeau géant font office de gags visuels inventifs. Pendant ce temps, VOUS, en tant que cousin de Haru, et Yoh Yoshida en tant que sœur, imprégnez une sentimentalité réconfortante dans les nombreuses situations maniaques du film. Plus important encore, Kikuchi est ici phénoménale en tant que danseuse et actrice. Même si le film déraille, grâce à son intensité chargée et à son humour clin d'œil, elle nous maintient investis dans un personnage endommagé qui est souvent difficile à identifier. Ainsi, même si « Ha-Chan, Shake Your Booty » est certainement imparfait, à travers sa palette et ses costumes tourbillonnants et ses performances inébranlables, il est aussi indéniablement mémorable.

Pour une grande partie du «Ramène-moi à la maison», une histoire modeste et immersive sur la marginalisation et le deuil, on est captivé par son approche tranquille.

Au début, par exemple, lorsqu'Anna, une adoptée coréenne de 38 ans atteinte d'un handicap cognitif, prend une douche avec sa mère, on ne sait pas très bien qui s'occupe de qui. Les deux parents d'Anna sont âgés et présentent des signes de mobilité et de mémoire limitées. Entre le trio se trouve un cycle de co-dépendance décrit avec éloquence par Sargent à travers des promenades ensoleillées à travers la région d'Orlando, en Floride, et des explosions tumultueuses chaque fois qu'Anna ne parvient pas à localiser sa bouteille d'eau. Leur vie sans prétention est cependant interrompue par l'arrivée d'une vague de chaleur brutale, provoquant une tragédie sur la famille et incitant Emily (Ali Ahn), la sœur d'Anna basée à Brooklyn, à rentrer chez elle.

Une histoire profondément personnelle pour Sargent – ​​Anna est interprétée par la sœur du réalisateur, Anna Sargent – ​​ce film est une extension de son court métrage éponyme de Sundance 2023. Cette itération plus brève concernait la relation partagée par Anna et Emily (qui était jouée par Jeena Yi), une origine que vous pouvez ressentir ici. La partie la plus forte de « Take Me Home » implique la relation amoureuse mais ténue d'Anna et Emily, qui révèle les pressions auxquelles sont confrontés l'assisté et le soignant. La lutte d'Emily et de son père Bob (un Victor Slezak discrètement affecté) pour naviguer dans un système de santé sous-financé révèle en outre comment les inégalités systématiques pour les personnes souffrant de troubles cognitifs peuvent rapidement conduire une famille apparemment de classe moyenne vers les marges. Sargent et Ahn partagent une relation touchante en tant que sœurs, mettant en lumière les fissures, les défauts et les liens qui les unissent finalement.

Sargent et son directeur de la photographie Farhad Ahmed Dehlvi ont une approche sans hâte et sans fioritures, capturant ces obstacles et ces blessures sans prétention ni mélodrame. Malheureusement, cette approche se brise en un ultime rebondissement onirique qui rappelle la fin du « Projet Floride ». Pour une raison quelconque, le couple abandonne leur ton réaliste social vécu pour une esthétique larmoyante qui devient saccharine et déplacée, introduisant même des personnages pour un effet émotionnel qui semble précipité et quelque peu non mérité. Même si l'on peut comprendre l'impulsion de Sargent, imaginer un monde idéal où les personnes handicapées sont humanisées et soutenues, il s'agit d'un changement de style trop radical. Cette modification discutable donne envie que « Take Me Home » ne quitte jamais l'ambiance tendre, la perspective lucide et la méthodologie distincte qui auraient pu le rendre spécial.