Le film est par nature un objectif utilisé pour voir le monde. La façon dont nous voyons les événements se produire autour de nous, en fin de compte les plier, les déformer et rapporter leur signification, est ce qui fait que le langage cinématographique n’est pas seulement un langage sonore et d’images animées, mais un langage qui nous oblige à remettre en question notre interprétation des pensées, des sentiments et des souvenirs. nous prenons en compte. Trois de ces œuvres ont été créées cette année dans la section documentaire mondiale, jouant toutes avec nos attentes pour donner une image plus claire du sens que nous tirons de notre présentation de l’histoire.

Cela commence le plus clairement avec l’enquête coupante des réalisateurs Axel Danielson et Maximilien Van Aertryck « Machine fantastique.” Les cinéastes y racontent comment les humains ont altéré et souvent perverti l’image en mouvement pour réécrire la réalité, de la photographie la plus ancienne (prise par Joseph Nicéphore Niépce en 1827) à la fascination contemporaine de monétiser les images élaguées de nos vies pour le cache culturel.

Parfois, leurs observations peuvent virer à la moquerie, comme lorsqu’ils se moquent de la façon dont l’Eurovision, en vertu d’un écran vert, prétend que leurs présentateurs sont dans différents pays alors qu’ils sont en fait tous dans le même studio. À d’autres moments, les réalisateurs sont cinglants, comme lorsqu’ils présentent une interview d’archives avec Ted Turner épousant sa philosophie derrière le genre d’évasion qui fait de « The Beverly Hillbillies » et de la couverture médiatique exploitante par câble des formes de divertissement alliées.

Ces moments, dans un film qui s’aime un montage, peuvent mettre la vérité au pouvoir et la comédie à la vidéo. Mais cet examen brûlant et choquant de notre culture populaire, où le contenu est roi, est le plus fort lorsqu’il effraie le spectateur. Pensez à la façon dont les réalisateurs utilisent de vrais B-roll de terroristes de l’EI pour tourner une vidéo de propagande. Les terroristes apportent des accessoires et un scénario. Et c’est même, au départ, joué pour rire quand le membre de l’ISIS ne se souvient plus de ses répliques. Mais « Fantastic Machine » va encore plus loin : dans une autre séquence, les réalisateurs juxtaposent des vues de la réalisatrice allemande Leni Riefenstahl montrant comment elle a créé la propagande nazie (elle est fondamentalement étourdie en montrant son expertise technique dans le génocide édifiant) férocement éditées par rapport à la façon dont Sidney Bernstein considérait son devoir. en essayant de capturer des images précises de l’Holocauste.

« Fantastic Machine » réfléchit sur la manipulation de la vérité dans notre paysage actuel de l’actualité : toute personne disposant d’un micro, d’une caméra et d’une chaîne YouTube peut se qualifier de journaliste. Et n’importe qui avec une bouche assez grande peut crier « Fake News ». Mais ce qui est encore plus fascinant, c’est la fin, qui considère le Voyager Golden Record, envoyé dans l’espace en 1977, comme un enregistrement bienvenu pour les extraterrestres de l’existence humaine. Nous connaissons l’audio inclus. Mais saviez-vous que nous avons inclus des images qui montraient le meilleur de l’humanité sans la guerre, la pauvreté et les conflits ? Dans cette conclusion frappante, notre obsession de commander la vérité derrière l’image n’est pas une nouvelle maladie. C’est simplement la condition humaine.

« Je dois faire très attention à ne pas me souvenir de mes souvenirs », déclare Milisuthando Bongela, le réalisateur introspectif derrière le documentaire brûlant et très personnel, « Milisuthando. » Dans les souvenirs poignants de Bongela résident la complexité et la confusion, des couches de traumatismes liés aux doutes acceptés et aux vérités sur son enfance, son pays et sa maison. Ses pensées commencent par une vidéo granuleuse datant de 2014 d’une femme noire à Johannesburg, en Afrique du Sud, se déshabillant devant la statue de Nelson Mandela, et se terminent par l’enterrement de ses proches. Entre ces deux lamentations réside une interrogation perçante sur l’histoire, l’ascendance, le nationalisme et les reliques de l’apartheid.

Bongela est originaire du défunt pays de Transkie, un État expérimental en Afrique du Sud qui a duré de 1976 à 1994, qui a joué avec l’idée de créer une patrie séparée mais égale pour les Africains qui leur accorderait leurs propres espaces, écoles et identités – et la plupart surtout, éloignez-les des blancs. Lors d’une visite chez sa grand-mère, dans la petite maison rose que Bongela considère comme le véritable lieu de son éducation, elle se débat avec le résidu toxique historique laissé par la conception derrière son ancien pays : comment son adolescence a-t-elle pu être remplie de racisme alors que l’existence de Transkie – rempli d’un tourbillon flou de sourires, de services religieux sains, de modes vibrantes et de traditions ferventes – ne s’est-il jamais senti extérieurement raciste ? Que signifie pour elle exister par rapport au pouvoir blanc ? Et comment peut-elle permettre à ses ancêtres d’exister à travers elle ? Ce ne sont là que quelques-unes des grandes questions, divisées en chapitres racontés par Bongela, que le réalisateur déballe avec interrogation.

« Milisuthando » a un torrent d’images indélébiles : un montage de progrès supposés – des fleurs épanouies, des enfants jouant et des familles communiant – est raconté avec une poussée thématique similaire du danger imminent ressenti dans « Le Nouveau Monde » de Terrence Malick en plaçant le scène à Richard Wagner « Das Rheingold ». Et il y a des mots inoubliables, comme une conversation franche entre Bongela et sa productrice et amie blanche, Marion Isaacs, qui frappent les cicatrices souvent tacites de l’apartheid. Tourné avec éloquence et édité avec précision par Hankyeol Lee, « Milisuthando » de Bongela est thématiquement choquant et émotionnellement inébranlable comme « Beba » de Rebeca Huntt. Comme ce film, « Milisuthando » mêle les inégalités du passé personnel de Bongela aux lacunes systémiques dans lesquelles elles ont été forgées et brandit un marteau contre l’histoire.

La réalisatrice chilienne Maite Alberdi a fait carrière dans la chronique des personnes âgées dans des films tels que « The Mole Agent » et « Tea Time » (La Once). Semblable à son court métrage « Je ne suis pas d’ici » (Yo no soy de aquí), son dernier film, « La mémoire éternelle,” plonge profondément dans la vie d’une personne aux prises avec la maladie d’Alzheimer. Dans ce cas, il s’agit du journaliste chilien Augusto Góngora, qui a passé une grande partie de sa vie à suivre la dictature violente d’Augusto Pinochet, enregistrant la mémoire émotionnelle et politique du Chili. Mais aujourd’hui, sa mémoire fait défaut, et sa femme Paulina, comédienne et ancienne présidente du Conseil national de la culture et des arts, est sa soignante.

Alberdi ne fournit pas beaucoup d’informations sur l’arc précoce de la maladie d’Augusto : nous ne savons pas combien de temps s’est écoulé entre son diagnostic et ce que nous voyons à l’écran ; et nous en apprenons encore moins sur le temps qui passe actuellement. Au lieu de cela, des images quotidiennes de Paulina s’occupant d’Augusto marquent le temps : nous voyons le couple se promener, lui lire des livres et lui regarder ses représentations théâtrales. Nous absorbons l’amour qui les alimente et ressentons la peur, la douleur et l’angoisse qui enveloppent Augusto alors qu’il décline. Ce n’est pas une montre facile. Semblable à d’autres documentaires sur la maladie d’Alzheimer comme « Dick Johnson est mort » et « Notre machine à voyager dans le temps », à notre manière modeste mais incontournable, nous ressentons le deuil que vit leur proche valide.

Mais en dehors du chagrin intégré dans cette histoire, Alberdi ajoute très peu d’autres couches. Elle essaie de mettre en parallèle la perte de mémoire d’Augusto avec la mémoire glissante du règne de Pinochet que les Chiliens devaient affronter s’ils voulaient refaire leur identité nationale. Malheureusement, les images de ses reportages ne sont pas suffisamment tissées pour décrocher cet arc métaphorique. Alors que les obstacles décrits dans « The Eternal Memory » sont certainement un témoignage de l’amour de ce couple, par rapport aux objectifs du film, leur épreuve aiguë n’est que la moitié de l’image.