Rencontrez le réalisateur des Robinsons, Stephen J. Anderson

Le hit animé de Disney Meet the Robinsons fête cette année son 15e anniversaire. En tant que tel, Jeff Ames de ComingSoon s’est entretenu avec le réalisateur Stephen J. Anderson du film et de ce que cela signifie pour lui (et pour le public) après toutes ces années.

Selon IMDB, le film raconte l’histoire de « Boy le génie Lewis. (qui) abandonne l’espoir de récupérer sa dernière invention, qui a été volée par Bowler Hat Guy, puis un jeune voyageur temporel nommé Wilbur Robinson arrive sur les lieux pour emmener Lewis dans sa machine à voyager dans le temps. Les garçons passent une journée dans le futur avec la famille excentrique de Wilbur et découvrent en même temps un incroyable secret.

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Jeff Ames : Cela fait 15 ans depuis Meet the Robinsons. Pour moi, c’est comme si je l’avais vu hier au cinéma avec ma femme. Est-ce la même chose pour vous ?

Stephen J. Anderson : Un peu. Il y a des moments où, oui, on a l’impression que c’était hier et d’autres fois où – eh bien, il s’est passé beaucoup de choses au cours de ces 15 années. Alors, parfois je le sens, parfois non. Mais, que de bons souvenirs. C’était un projet vraiment spécial pour moi.

Comment vous êtes-vous impliqué dans le film et comment l’histoire a-t-elle évolué au cours de la production ?

Je me suis impliqué vers la fin de 2002. Je terminais juste d’être le superviseur de l’histoire de Brother Bear et j’avais manifesté de l’intérêt pour le studio que j’aimerais diriger un jour. Donc, ils me gardaient à l’esprit pour des choses comme ça. M’a jeté quelques choses à développer sur le côté pendant que je travaillais sur Brother Bear juste pour me mouiller les pieds. Et quand j’ai terminé avec Brother Bear, ils m’ont remis le scénario d’un film intitulé A Day With Wilbur Robinson, basé sur ce livre pour enfants de William Joyce, et ont dit: «Hé, pourquoi ne lisez-vous pas ceci et voyez si c’est quelque chose que vous voulez faire et éventuellement diriger.

J’en ai été totalement pris. Ce qu’ils ne savaient pas quand ils me l’ont remis, c’est que j’avais également été adopté, j’ai donc eu cette connexion instantanée – des circonstances différentes de celles que Lewis a traversées dans le film, bien sûr. Mais j’ai eu cette connexion instantanée avec ce gamin et toutes ces questions qu’il posait, comme « D’où viens-je ? » et « Qui est ma mère biologique? » J’ai posé toutes ces mêmes questions quand j’étais enfant.

Alors, je suis revenu et j’ai dit: « Tu ne comprends pas, je dois faire ce film. » Et puis nous sommes partis.

Lorsque vous participez à un projet aussi massif que celui-ci, à quoi ressemble le premier jour ? Où commencez-vous même?

Donc, nous prenons une équipe d’histoire pour commencer le storyboard et nous avons également une petite équipe éditoriale. Essentiellement, ce que nous avons fait, c’est que tous les artistes de l’histoire ont lu le scénario et j’ai dit: « Qu’en pensez-vous? » et nous en avons parlé et sommes retournés au studio et avons dit : « Le scénario est vraiment bon, mais nous pensons que si nous scénarisons cela tel quel, cela ne fonctionnera pas. Nous aimerions avoir la permission de faire quelques réécritures supplémentaires et de l’étoffer un peu plus parce que nous avons quelques autres choses en tête. Ils ont dit: « Oui, allez-y. » Nous avons fait quelques brouillons supplémentaires du script et avons commencé le storyboard et l’avons en quelque sorte réécrit au fur et à mesure que nous dessinions les storyboards. C’était très fluide en termes de développement de l’histoire.

C’était du premier au cinquième jour, disons.

Alors que vous développez quelque chose comme Meet the Robinsons, remettez-vous constamment en question votre vision, ou y a-t-il un moment où vous êtes satisfait de la façon dont la production fonctionne ?

Un peu des deux. Vous devez avoir cette chose au plus profond de vous qui vous pousse à raconter l’histoire et à la transmettre à tous les autres membres de l’équipe pour les motiver suffisamment à vouloir s’engager et faire partie de ce voyage. Mais il y a constamment ces moments de « Garçon, je ne sais pas ce que nous avons ici. »

Parfois, pour décrire le processus de développement de l’histoire que j’ai suivi chez Disney, c’est comme si vous preniez un mot et le répétiez encore et encore jusqu’à ce qu’il n’ait plus de sens. Tout à coup, cela ne veut plus dire ce que c’est censé signifier. Il y a des moments comme ça dans le développement d’un film où vous le regardez – et parce que l’animation est si itérative parce que vous la regardez sous toutes sortes de formes différentes, ce qui est une bonne chose, mais cela peut aussi conduire à ces moments de, « Je ne sais pas ce que c’est. Je ne sais pas ce que je regarde. C’est un tas de lignes et de formes et de choses qui bougent. Il se passe beaucoup de choses mais je n’ai aucune objectivité.

C’est ce qui est si génial de travailler dans un endroit comme Disney, c’est que vous avez tellement de nouveaux yeux autour de vous. Vous pouvez toujours trouver un nouveau groupe de personnes pour l’examiner et vous donner une nouvelle perspective sur ce que vous pouvez améliorer – ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas. D’autres cinéastes, n’importe qui, même s’ils ne sont pas créatifs. Parfois, vous voulez juste ça, vous voulez des réactions instinctives. Comme, « Je n’ai pas compris » ou « Ce n’était pas drôle. C’était censé être drôle ?

Donc, nous sommes toujours – je n’arrête pas de dire « nous », même si je ne suis plus à Disney – à Disney, ce processus itératif consiste toujours à mettre le travail devant les gens et à obtenir des commentaires honnêtes sur où il va alors vous pouvez mieux faire la passe suivante.

L’animation a beaucoup évolué ces 15 dernières années. À l’époque, à quel point Meet the Robinsons était-il complexe? Parce que vous avez des dinosaures, des vaisseaux spatiaux, de nombreux personnages… comment les visuels changeraient-ils si le film était tourné aujourd’hui ?

A l’époque c’était, pour Disney, un énorme pas en avant pour leur animation par ordinateur. Dans l’évolution de leur technique d’animation par ordinateur. Jusque-là, ils avaient fait Dinosaur, qui était des arrière-plans d’action en direct avec des personnages animés mais pas un monde entièrement CG; et ils avaient aussi fait Chicken Little, qui était un monde entièrement CG mais très cartoony – super cartoony, mais d’une manière formidable. Nous savions que nous voulions créer un monde un peu plus ancré, un monde un peu plus crédible avec un éclairage naturaliste. Nous avions des personnages humains et cela nécessitait toutes les nouvelles technologies pour que nous fassions la peau et les cheveux et un tissu réaliste qui puisse bouger et rouler – tout ce qui a évolué jusqu’à présent aujourd’hui.

Je pense qu’en termes de narration, je ne ferais pas grand-chose d’autre que d’élaborer quelques-uns des éléments de l’histoire, je pense que nous aurions pu faire mieux, mais je pense que si nous le faisions aujourd’hui, notre animation humaine serait à un tel niveau sophistiqué. Ce dessin animé de certains personnages comme Bowler Hat Guy, par exemple… Je regarde des films comme Hotel Transylvania chez Sony et l’évolution de l’animation et à quel point l’animation est fluide et caoutchouteuse maintenant – c’est tellement génial. Nous ne pouvions vraiment pas faire cela à ce point à l’époque. Nous avons fait de notre mieux. Si vous image par image certaines des scènes de Bowler Hat Guy, vous pouvez voir qu’il y a une tentative de « casser la plate-forme », si vous voulez, et d’obtenir une partie de ce mouvement ou de ces poses inorganiques et non anatomiques. Mais nous étions juste limités à ce que nous pouvions faire. Donc, je pense que si nous le faisions aujourd’hui, la performance, le jeu d’acteur et la caricature seraient à travers le toit.

Oui, dès que vous avez mentionné l’hôtel Transylvanie, je me suis dit, chapeau melon ! Parce que c’est exactement comme ça qu’il bouge. Alors, ils vous ont copié !

[Laughs] J’ai toujours pensé qu’il y avait deux types d’animation différents dans le film. Il y avait des animations Disney et des animations Looney Tunes/Warner Bros. Les personnages d’aujourd’hui comme Lewis et le petit Goob et Mildred et la dame de l’orphelinat sont plus des personnages de style Disney. Ce sont des performances un peu plus douces.

Ensuite, vous arrivez dans le futur et vous rencontrez les Robinsons et ce sont des personnages de Looney Tunes dans la façon dont ils se déplacent et dans l’étendue de leurs mouvements. Et aussi, leur comportement – vous savez, ils vont vous attraper par le bras, envahir votre espace personnel, vous attraper et vous déplacer là où ils veulent que vous soyez. Ils sont comme ces personnages de Looney Tunes où il n’y a pas de règles. Ils sont impulsifs.

Nous avons parlé de juxtaposer ces choses ensemble, ce qui était amusant. Donc, définitivement inspiré par de nombreux animateurs de Looney Tunes – Chuck Jones et Bob Clampett et ces gars-là.

Si je me souviens bien, vous avez fait la voix de Bowler Hat Guy, n’est-ce pas ?

Ouais.

Comment cela est-il arrivé, parce que j’ai toujours pensé que le personnage avait une qualité très Jim Carrey pour lui, ce qui est l’une des raisons pour lesquelles je pensais qu’il était génial.

Comme vous le savez sûrement, dans l’animation, lorsque vous développez les films, avant d’engager les acteurs, vous grattez les voix. Parfois, ces voix collent. Comme, pour Lilo et Stitch, l’un des réalisateurs du film joue Stitch. Brad Bird, le réalisateur des Indestructibles, joue Edna. C’était probablement la même situation où ils ont fait la voix temporaire et après tant de projections de l’animatique, les gens ont juste commencé à associer la voix au personnage. C’est ce qui s’est passé avec Bowler Hat Guy.

J’étais vraiment honoré que le studio ait dit : « Nous aimerions que vous le fassiez », parce que nous avions commencé le processus de casting, mais ils ont freiné cela. Alors, ouais, il y a un petit Jim Carrey là-dedans et – ça alors, je ne sais même pas. Mais, oui, il y a définitivement l’ADN de Jim Carrey là-dedans.

Le mec au chapeau melon a volé la vedette. Ensuite, vous avez eu les deux gros rebondissements, ce qui, pour moi, était quelque chose que je n’avais pas prévu car vous ne les obtenez normalement pas dans un film d’animation. Ces éléments ont-ils toujours fait partie de l’histoire ?

Le premier script lors de nos deux premières passes au storyboard, Bowler Hat Guy était en fait un méchant nommé Mortimer Clinch et il n’était qu’un inventeur rival de Cornelius Robinson à l’avenir. Il voulait juste remonter le temps et ruiner la vie de Cornelius parce qu’il voulait être le succès. Cela aurait fonctionné, mais ce n’était pas quelque chose que vous n’aviez pas vu auparavant. Mais ensuite, nous avons eu ce colocataire de Lewis qui était juste là pour s’amuser et lors d’une de nos réunions d’histoire, l’un des artistes de l’histoire a dit: «Hé, ça ne serait pas drôle s’ils étaient la même personne? Comme, et si ? » Et nos têtes ont en quelque sorte explosé. Nous avons pensé : « C’est plutôt amusant.

Nous savions que nous avions cette révélation de Lewis est Cornelius, mais c’était bien de penser qu’il pourrait y avoir cette autre chaussure à laisser tomber. Ce qui a fini par se produire, c’est avec la révélation de Lewis / Cornelius, les gens ont commencé à comprendre assez rapidement, mais ils ne pouvaient pas voir venir la deuxième révélation sur Bowler Hat Guy. Celui-là les a en quelque sorte jetés, ce qui était plutôt amusant.

Nous avons toujours dit : « Nous n’avons pas fait cela exprès », jusqu’à ce que tout le monde commence à nous dire : « Ne répétez plus ça, dites simplement que vous l’avez fait exprès !

Je dois aussi poser des questions sur le rôle de Tom Selleck dans le film. Comment cela est-il entré en jeu et y avait-il un plan B au cas où il ne serait pas intéressé ?

Cette blague, coupant juste un visuel de Tom Selleck, était là depuis le tout début. L’un des artistes du storyboard travaillait sur cette séquence de quiz pop et l’a jetée comme une blague et tout le monde a ri, alors nous l’avons gardé là-dedans. Ensuite, il s’agissait de savoir si nous pouvions obtenir les droits d’utilisation de son image, et pendant un moment, il a semblé que nous n’allions pas pouvoir le faire. Alors, nous avons pensé, et si nous adoucir l’affaire et lui offrir le rôle de Cornelius ? Ce serait une sorte de méta chose étrange – Cornelius ne lui ressemble pas, mais il sonne comme lui. Et cela a fonctionné. Il est entré dans le studio et nous avons lancé quelques-uns des grands traits du film et il a pensé que c’était drôle et il a dit : « Ouais, je peux faire ça ! »

On parlait d’avoir un plan B, mais aucun de nous ne voulait penser à la perspective d’un plan B. La blague était tellement bizarre et drôle et nous avons tous grandi en regardant Magnum PI… Je ne sais pas, ça semblait juste si juste. Nous avons juste croisé les doigts et espéré que ça marcherait et ça a marché !

Que vouliez-vous (ou continuez-vous de vouloir) que le public retienne de Meet the Robinsons ?

Au début, nous avons aimé l’idée de faire un avenir plein d’espoir. Souvent, les films qui traitent du futur ont tendance à être sombres et horrifiants. Nous avons une partie de cela dans le film, mais je pense que dans l’ensemble, nous avons aimé l’idée de quelque chose d’espoir. Ou, quelque chose qui évoquait cet avenir positif que Walt Disney a mis dans Epcot et Tomorrowland et tous ces éléments… et puis quand nous avons abordé ce thème « Continuez à avancer », qui est venu de beaucoup de discussions sur beaucoup de nos passés – mon réflexions sur l’adoption, l’auteur original avait un ami qui avait également été adopté; et donc nous avons partagé un tas d’idées et l’idée que l’espoir vient de regarder vers l’avenir et non de s’attarder sur le passé. Une fois que nous avons compris cela, j’ai pensé que c’était une chose formidable et positive pour faire un film. J’espère vraiment que ça résonne avec les gens.

À ma plus grande joie, même aujourd’hui, je reçois des lettres de personnes qui me disent comment ce thème les a aidés à traverser une période difficile, ou ils ont vu le film et ce thème les a aidés à traverser une période difficile. En tant que cinéaste ou artiste, c’est tout ce que vous pouvez espérer.