NYFF 2025: The 63rd New York Film Festival Centers Film and Poetry |

À mi-chemin à travers Kent Jones ' «Fame tardif», J'ai entendu la dernière chose que je m'attendais à entendre au New York Film Festival: The Voice of Ezra Pound. L'orateur âgé n'est pas identifié, et le poème qu'il récite; Si vous n'en connaissez pas un ou les deux, il ne s'inscrire pas. Le protagoniste du film, Ed Saxberger (Willem Dafoe), est un poète de New York qui a cessé d'écrire des versements décennies auparavant mais écoute toujours les plus grands succès d'antan. C'est comme ça qu'il a mis un enregistrement de Pound en lisant son canto lxxxi: Ce que vous aimerez bien, le reste est une sortage / ce que vous aimerez bien ne pas vous reft / ce que vous aimerez bien votre véritable héritage.

Dans la comédie extraordinaire de Jones, Ed, maintenant un employé de longue date du bureau de poste, est accosté une nuit devant son immeuble d'appartements du centre-ville par un jeune homme (Edmund Donovan) qui professe non seulement à connaître le seul livre du verset de l'homme plus âgé qui a été publié en 1979, mais pour le vénérer. Plus que cela, il fait partie d'un groupe de jeunes New-Yorkais, la Société d'enthousiasme autoproclamée, qui chérit également son travail. Une fois qu'il est persuadé de visiter le groupe, Ed trouve un collectif de vingt ans sérieusement de diverses disciplines créatives qui regardent le passé pour l'orientation et l'inspiration.

«Fame tardif» a été scénarisé par Samy Burch d'une fiction d'Arthur Schnitzler, qui a fortement satirisé le bohème du début de 20 ans^ème Vienne siècle. Mais la bière satirique n'est pas ce que Burch et Jones sont ici. Ils nous demandent de prendre leur 21^St Century Bohos avec une mesure de sérieux, bien qu'avec un sourire et peut-être un sourcil levé. Ils se comportent délibérément contre une culture d '«influenceurs» et de radotage Internet. Qui ne serait pas d'accord avec ça?

Leur choix d'avatars culturels est intéressant. Ils connaissent Ginsberg et Burroughs, mais peu ou rien au-delà de l'ère du rythme, semble-t-il. Bien que cela n'ait jamais dit, il se pourrait que le verset d'Ed en 1979 représente la fin de la longue tradition noble qu'ils adorent, après quoi le déluge des ordures médiatiques de masse. Il est également intéressant que la plupart de leurs héros littéraires appartiennent à la culture de New York. C'est pourquoi il est curieux que le summum de leur panthéon littéraire à un moment donné soit résumé comme «Whitman, Pound, Williams». Le deuxième prénom de cette Trinity n'était pas seulement un New-Yorkais, mais était sans doute l'antisémite la plus notoire de la littérature américaine.

Dans les notes de presse du film, Jones dit: «Il était très important pour moi de faire face à la vraie poésie dans le film… Pound est évidemment une figure problématique d'un point de vue politique, mais sa plus grande poésie et son effet sur le monde de la poésie sont à nouveau autre chose – c'est pourquoi Ginsberg et Pasolini lui ont rendu hommage.» Le choix de Jones sur la façon de représenter la «vraie poésie» était audacieux, et à mon avis, il relie son film à deux autres que j'ai vus dans les projections initiales de la presse NYFF. Tous les trois sont des réalisateurs indépendants basés (anciennement dans un cas) à New York, et leurs films suggèrent des relations intéressantes, mais très différentes, entre le film et la poésie – et notre moment culturel actuel et le passé.

Les trois films apparaissent dans le contexte de la 63e édition du festival du film de New York, qui se déroule du 26 septembre-octobre. 13 au Lincoln Center. Le calendrier de cette année est varié et prometteur. Parmi les points forts: le vainqueur de Palme d'Or de Cannes «Ce n'était qu'un accident» du maître iranien Jafar Panahi; Le vainqueur du lion d'or de Venise «Père Mère Sœur Brother» de Jim Jarmusch; deux par Richard Linklater, «Nouvelle Vague» et «Blue Moon», ce dernier avec Ethan Hawke dans une performance acclamée en tant que Lorenz Hart; deux par le provocateur roumain Radu Jude, «Dracula» et «Kontinental '25»; la première mondiale de la comédie de Bradley Cooper «Is This Thing on?»; Biopic «Springsteen: Lice Me de Nowhere» avec Jeremy Allen White comme le patron; «Anemone», avec Daniel Day-Lewis dans un film réalisé par son fils; «L'agent secret» de Kleber Mendonça Filho du Brésil; «Jay Kelly» de Noah Baumbach avec George Clooney comme – quoi d'autre – une star de cinéma; Le lauréat du prix du réalisateur norvégien Joachim Trier «Valeur sentimentale»; et «A House of Dynamite» de Kathryn Bigelow. Et ce n'est qu'une liste partielle.

Pour revenir à la «renommée tardive»: les membres de la Société Enthusiasm qu'Ed Saxberger rencontre est crédible en tant que New-Yorkais contemporains, même si leurs intérêts appartiennent à des temps révolus. Ce ne sont pas tous des poètes – il y a un dramaturge, un critique (oups, en faire un essayiste), et ainsi de suite – et ils arborent l'affectation de s'identifier les uns les autres uniquement par leur nom de famille. Leur leader apparent, celui qui a rencontré saxberger pour la première fois, est Meyers, et il semble un peu plus âgé que les autres. Tous sont masculins, à une exception très notable: Gloria (Greta Lee), une actrice qui joue les rôles de la figure mère, du tentatrice, du changement de forme, de l'idéal romantique, du trrayeur, etc.

Saxberger est initialement surpris et déconcerté par le culte du héros qui lui a été visité, mais il adoucit rapidement car il voit l'admiration est authentique. Un tournant précoce de leur relation survient un jour lorsqu'il est invité au domicile de Meyers. Il trouve un grand appartement impeccablement décoré orné de couvertures explosées de livres de William Carlos Williams et autres. Cette révélation mène Ed, qui a grandi dans la classe ouvrière, pour réaliser que non seulement Meyers, mais les autres (ou tous?) Les membres du groupe sont les produits de familles riches. Cela invalide-t-il leurs enthousiasmes culturels? Ou simplement nous inviter à les comprendre dans le contexte des différences de classe naissantes d'aujourd'hui?

Dans le premier acte du film, nous assistons à la fois à l'attraction et à la tension croissante entre Saxberger et ses disciples. Ils prévoient un événement et insistent pour qu'il lise un poème. Il refuse de lire quoi que ce soit de nouveau alors qu'il cessait d'écrire des années auparavant, mais il accepte à contrecœur de laisser Gloria lire l'un de ses anciens poèmes. Le deuxième acte du conte présente deux performances remarquables, mais pas celles que nous attendions plus tôt. L'une est la interprétation extraordinaire de Gloria de la chanson de Kurt Weill / Bertold Brecht «Surabaya Johnny». L'autre, qui se produit après que Gloria ne semble pas lire le poème de Saxberger, présente Ed lui-même se levant à l'occasion et récitant un poème qui ne semble pas seulement s'adapter à la lignée de «Whitman, Pound, Williams», mais suggère également comment il a peut-être atteint le stade de l'épuisement professionnel des années auparavant.

J'ai trouvé le film du film à ce point incroyablement captivant en raison de l'écriture très subtile et ingénieuse et des trois performances formidables en son centre. En tant que Saxberger, Willem Dafoe, l'un de nos plus grands acteurs, donne une meilleure performance en carrière qui capture le mélange du poète d'intelligence, d'épuisement et d'aspiration persistante. En tant que Gloria, Greta Lee ajoute à son travail exceptionnel dans les «vies passées» avec un tour brillant qui crée une femme de talents, d'ambitions et de peurs complexes. Et les Meyers d'Edmund Donovan sont une révélation, un portrait d'un homme en état d'ébriété par le passé mais incertain de comment gérer le groupe qu'il a formé pour l'adorer.

Bien que l'admiration complète pour la «renommée tardive», je dois admettre que j'ai trouvé son troisième acte moins satisfaisant. Cela peut être dû au fait que les questions qu'il pose sont difficiles, ou très presque impossibles, de répondre de manière convaincante. Mais le film choisit de poser des questions aussi convaincantes et fascinantes, et le fait avec l'esprit et l'imagination, qu'il apparaît comme l'un des meilleurs de l'année.

Illustrant une idée assez différente de la poésie, Ira Sachs ' « La journée de Peter Hujar » a eu un début inhabituel. En 1974, l'écrivain Linda Rosenkrantz a eu l'idée de demander à divers amis d'artistes de s'asseoir avec elle sur un magnétophone et de raconter ce qu'ils ont fait la veille. Ces pourparlers étaient censés aboutir à un livre de non-fiction, mais cela ne s'est jamais concrétisé. Et les cassettes qu'elle a faites dans son appartement avec le photographe Peter Hujar ont été perdues. Ce qui a survécu, ce sont les transcriptions des bandes, qui ont refait surface il y a quelques années.

Le film de Sachs restaure cette conversation avec deux acteurs britanniques, Ben Whishaw et Rebecca Hall, jouant Hujar et Rosenkrantz. Hujar pense que la veille était ennuyeux, et cela a peut-être été quelque peu typique, mais ses souvenirs qui se déroulent montrent clairement qu'il était également plein d'incident et, peut-être plus important, de pensées sans fin sur ce que ces choses signifiaient pour lui.

Certaines de ses interactions impliquent des folk célèbres. Il raconte une conversation avec l'amie Susan Sontag, qui est sur le point de s'envoler pour Paris. L'anecdote la plus longue décrit sa mission du New York Times pour photographier Allen Ginsberg, dont le Dingy E. 10^ème St. Digs Hujar semble considérer comme hipper que son propre E. 12^ème St. Pad. Il raconte les tracas mineurs qu'il a rencontrés en atteignant Ginsberg et en le faisant poser (le poète ne veut pas de portrait standard), puis ses pensées se tournent vers combien il est payé. (Il travaille pour Vogue et d'autres meilleures publications, donc il semble gagner une vie décente.)

Le film de Sachs ne peut clairement pas être décrit comme un drame. Il a certainement des éléments de documentaire, comme l'ont fait certains de ses films précédents, en particulier ses débuts frappants, le Delta. En termes de documentation des zones urbaines, ses deux grands sujets ont été Memphis, où il a grandi, et New York, sa maison à l'adulte. Dans cette sortie, il veut évidemment offrir une évocation précise non seulement d'un endroit mais aussi d'un temps (à peu près le même que celui mentionné en fin de renommée: les années 1970) et un milieu culturel. Et pour Sachs, ce milieu évoque non seulement un certain chapitre de l'histoire de l'art du centre-ville, mais aussi de «l'histoire queer»: Hujar, dont le travail s'est développé ces dernières années, est décédé des causes liées au sida en 1987 au 53.

Ces résonances personnelles et culturelles, ainsi que la précision documentaire du film en les évoquant, sont des raisons pour lesquelles je soumettrais la «journée de Peter Hujar» comme exemple de cinéma poétique. Et il y en a un autre: la beauté et l'élégance discrète à l'approche photographique de Sachs au film. Une décision qu'il a prise, je pense, était absolument juste: il ne nous montre aucune des photographies de Hujar, ni des photos de lui, même dans les crédits de clôture. Au lieu de cela, il utilise diverses techniques – la mise au point de décalage, les zooms, le changement de motifs d'éclairage et un regard intentionnel sur Whishaw (qui est brillamment discret) – pour nous donner un document cinématographique qui témoigne encore et encore de la nature poétique du médium, quelque chose qui est présent dans tous les films mais qui est frappant à ce sujet.

L'aspect poétique de Kelly Reichardt « Le cerveau » est différent de ceux des deux films discutés ci-dessus, et pour plus de la moitié de ce film sournois, vous pourriez même ne pas le soupçonner. L'histoire de Reichardt commence en 1970 Framingham, Massachusetts, et raconte un gars du nom de Mooney (Josh O'Connor), qui vit une vie de banlieue banale avec sa femme et ses deux jeunes fils, mais a plus envie. Il conçoit donc de faire face à quatre peintures modernistes d'un musée local et enrôle trois lowlifes comme complices. Plutôt au hasard, les bandits réussissent à sortir du musée avec des peintures en remorque.

Mais la vie de Mooney ne devient pas plus simple. Ses problèmes étaient probablement inévitables étant donné qu'il est un criminel amateur, sujet aux erreurs que les professionnels ne feraient certainement pas. Comment cacher les peintures? Une scène indélébile lui fait transporter, sans faible difficulté, dans le grenier d'une grange, avec des porcs grognant sa seule entreprise.

Bientôt, sa famille et ses complices sombres laissés pour compte, il est seul, un cerveau potentiel sur le lam. Au début, il espère se réfugier au domicile d'un vieux copain (John Mangaro), mais la femme de l'homme (Gaby Hoffmann) semble sentir les ennuis sur lui et lui donne la botte.

Une fois que le malheureux Mooney est seul, ce que j'appelle l'aspect poétique du film émerge. Cela se produit, en effet, à mesure que le contexte de l'histoire se déplace au premier plan. Plus tôt, nous avons vu de brefs aperçus des journaux et des rapports télévisés sur la guerre du Vietnam. Mais alors que nous approchons de la fin de l'histoire, ils deviennent plus fréquents et plus détaillés, et dans la scène finale, Mooney se retrouve englouti dans un défilé de manifestants anti-guerre qui sont assiégés par la police. Dans un sens, ce n'est pas satisfaisant en tant que conclusion dramatique ou narrative à l'histoire d'un homme qui a organisé un vol d'art. C'est plutôt une transposition poétique qui fait de la véritable histoire du film à l'époque où l'histoire se déroule, une époque de division politique tout comme la nôtre.

Kelly Reichardt est l'un des vrais trésors du cinéma indépendant américain, dont les films sont toujours touchés par la poésie cinématographique. «The Mastermind» bénéficie de l'excellent travail de beaucoup de ses collaborateurs, mais de note spéciale est le directeur de la photographie Chistian Blauvelt, dont les images aident à évoquer l'ambiance et à rechercher les années 70, et Rob Mazurek, dont la partition jazzy rayonne d'énergie infectieuse.