CIFF 2024: Color Book, Transplant, Alpha | Uncategorized

Au Festival du film de Chicago de cette année, j'ai remarqué un lien évident entre les histoires familiales intimes dans ma programmation. En tant que plus jeune fille et petite sœur de deux frères aînés, j'avoue que les histoires domestiques vers lesquelles je gravite sont souvent celles auxquelles je peux m'identifier. Cependant, lors du festival de cette année, j'ai été extrêmement ému par les histoires de fils. Cela m'a rappelé une citation qui me reste depuis des années : « Voir quelqu'un avec ses parents est un rappel tangible que nous sommes tous composites » (Iain Reid, Je pense mettre fin aux choses). La question que soulève cette affirmation est de savoir quelles pièces du puzzle parental s’adaptent, lesquelles ne le sont pas, et pourquoi. Les films que je décris dans cette dépêche particulière étudient ces idées en témoignant des fils et des pères (ou figures paternelles) alors qu'ils se heurtent dans l'amour, la compétition, la fierté et l'irritabilité.

David Fortune a fait ses débuts dans un long métrage avec « Livre de couleurs » une histoire lente et intime d'un père et de son fils à Atlanta, en Géorgie. La particularité de ce film est la patience, non seulement dans son rythme, mais dans le pathétique même de son histoire.

Lucky (Will Catlett, reprenant un rôle de figure paternelle similaire du même nom après « Mille et Un ») a récemment perdu sa femme dans un accident de voiture. Désormais père célibataire, il doit équilibrer ses heures de la journée entre s'occuper de son jeune fils, Mason (Jeremiah Daniels), atteint du syndrome de Down, et faire face à cette perte soudaine. Les échelles de cette charge de travail ne sont pas égales, et Lucky donne la priorité à Mason avant tout, utilisant l'amour de la paternité pour masquer son deuil alors même que la douleur et les frustrations s'infiltrent à la surface. Pour tenter d'apporter un peu de lumière dans leurs journées, Lucky veut emmener Mason à son premier match de baseball. Ce voyage, à travers des voitures de mauvaise qualité, les transports en commun et la circulation piétonnière, est décrit par « Color Book » avec une tendresse et un soin époustouflants.

J’ai été époustouflé par la sensation de présent de « Color Book ». Il s’agit de créer un récit composé de petits moments plutôt que d’une grande image ou d’une histoire globale. Cet ennui bienvenu ouvre la porte à une absorption complète de ses personnages, tout comme les magnifiques portraits en noir et blanc et les inserts détaillés qui composent son paysage visuel. La performance de Catlett est douce et évocatrice, tout comme l'alchimie tangible entre lui et Daniels. Avec le son diégétique prédominant (il n'y a qu'un morceau de bande sonore parfaitement choisi) et la partition basse et subtile du film, Fortune ne fait pas même du spectateur une mouche sur le mur, mais un ange gardien blotti contre la famille. Cette proximité est la plus grande force de « Color Book », offrant une ampleur émotionnelle dans les espaces rapprochés habituels.

Un autre premier long métrage, celui de Jason Park « Transplanter » a été décrit par le festival comme une rencontre mignonne entre « Whiplash » et « Grey's Anatomy ». Le film fait atterrir le protégé du premier, mais il lui manque gracieusement le mélodrame du second. Jonah (Eric Nam) est un résident en chirurgie. Mécontent de la pédagogie courtoise de son chirurgien traitant, il cherche plutôt à suivre le Dr Harmon (un Bill Camp anxiogène), la superstar de l'hôpital, mais notoirement acharné, spécialiste de la transplantation cardiaque. Jonah prévoit qu'il s'épanouira sous une tutelle plus intense, mais à mesure que les attentes oppressives, les demandes et les secrets potentiels du Dr Harmon se révèlent, les méthodes de ses ambitions sont mises à l'épreuve.

Jonah est concentré, mais tendre. Il donne la priorité à ses objectifs de chirurgien sans pour autant renoncer à l'immense amour qu'il porte à sa mère (Michelle Lee). L'étude du personnage de Jonah par Park est extrêmement bien conçue, laissant suffisamment de sous-texte dans le film pour susciter une réflexion post-générique. On ne peut pas en dire autant de l'écriture du personnage du Dr Harmon, qui repousse les limites du mal caricatural (et comprend une décharge d'informations sous forme de monologue). Le Dr Harmon rencontre l'empathie, l'ambition sincère et le souci de la famille de Jonah avec une excavation presque complète de compassion, faisant de la tension entre le duo une pièce maîtresse convaincante du film.

Cependant, le couronnement de Park dans « Transplant » est sa capacité à créer un ton diversifié mais équilibré tout au long de l'histoire. La relation de Jonah avec sa mère équilibre le cadre clinique impitoyable de l'hôpital avec une chaleur touchante. Pendant ce temps, l'absence de son père décédé se ressent dans son sens de la compétition presque indigné, ainsi que dans la figure paternelle transplantée que devient le Dr Harmon. L'idée de ce que cela signifie (ou peut-être de ce qu'il faut) de passer le flambeau à la fois personnellement et professionnellement est explorée de manière créative, et en déjouant ces figures, l'emploi d'un motif musical classique versus jazz ajoute un côté cinétique qui met pleinement le film en mouvement. .

« Transplant » de Park est une histoire captivante qui est finalement servie sur un plateau trop propre. Le script aurait pu se permettre de laisser davantage de non-dits, atténuant l'impact des coups de poing prévus en épelant des moments cruciaux.

Jan-Willem van Ewijk « Alpha » présente des inconvénients notables par rapport à « Transplant » de Park. Le cadre froid et clinique de l'hôpital est troqué contre les Alpes suisses enneigées et impitoyables, et la mère veuve devient le père veuf.

Rein (Reinout Scholten van Aschat) vit la plupart de ses journées à la montagne, qu'il donne des cours de snowboard aux enfants ou qu'il dévale les pistes avec ses amis. Lorsque son père, Gijs (le vrai père de l'acteur, Gijs Scholten van Aschat) vient lui rendre visite, leur relation tendue, marquée par des ressentiments et un chagrin refoulé, atteint son paroxysme dans les montagnes impitoyables qui les entourent.

L'atmosphère de Van Ewijk est merveilleusement construite, car mère nature elle-même occupe une place égale dans le triangle de conflit du film. Des plans extrêmement larges donnent une impression d'espace dans la neige, transformant la beauté naturelle en un instigateur de guerre familiale. L'étrangeté des montagnes, leur autorité menaçante sur les petits personnages qui les traversent, crée une tension dès l'introduction du film. Mais la présence de Gijs est tout aussi écrasante, qui, aux yeux de Rein, est encore plus omniprésente et oppressante que le paysage.

Le scénario du film est à la hauteur pour exprimer le stress d'une relation parent-enfant. Les moments qui semblent inoffensifs pour ses amis sont comme des coups de poing pour Reis. Cela enflamme parfaitement la frustration familière de voir un membre de la famille être charismatique envers ceux qui vous entourent tout en prenant des coups invisibles pour ceux qui ne sont pas dans la relation. La vraie alchimie père-fils des Scholten van Aschats est pleinement exposée dans « Alpha ». Dans une scène extrêmement tangible, ils sont assis au sommet de la montagne en silence, Rein bouillonnant de colère et son père irritable, donnant une plus grande ampleur à la sensation d'air mort.

« Alpha » choisit soigneusement ses dialogues, et les moments de silence pèsent tout autant que les petits commentaires, ceux qui semblent tronqués dans un sens intime de sténographie domestique. Notre rôle de voyeurs dans leur histoire est fermement établi, car nous sommes mis dans la position de spectateurs, captant les petites particularités de leur conflit tout en ayant le sentiment que les détails ne nous regardent pas.

Le film affirme grandement le sentiment d’étouffement qui accompagne les conflits familiaux tout en nous demandant de regarder la situation dans son ensemble. « Alpha », à la fois par l’ampleur et la subversion, souligne le poids de la famille et la faillibilité de l’humanité en général. Attisant la chaleur dans le froid, que ce soit à travers la tendresse d'une possible rédemption ou les feux internes de leurs dissensions, il captive à la fois en tant que drame familial et récit captivant en pleine nature.