Moby Doc Avis critique du film & résumé du film (2021)

C’est aussi un départ de la grande majorité des documentaires musicaux que nous avons vus au cours de la dernière décennie: des regards en coulisses sur des artistes tels que Billie Eilish, J.Balvin, Taylor Swift, Lady Gaga, Katy Perry et Justin Bieber . (Le récent documentaire P! Nk est si singulièrement festif, il ressemble surtout à un infopublicité.) Ce sont des films qui promettent des portraits intimes d’interprètes que nous aimons et pensons peut-être même «savoir», grâce aux réseaux sociaux avec lesquels ils cultivent méthodiquement leurs fans. Mais si ces films peuvent être divertissants et même révélateurs, ils ne sont pas exactement des représentations de verrues et de toutes. Il y a encore une marque à protéger, une maison de disques pour servir de gardien ultime. Il y a une structure pour eux qui devient formule, voire prévisible: le grincement de la tournée, les singeries farfelues dans les coulisses, et peut-être une maladie physique ou un revers personnel qui constitue un obstacle sur le chemin du Big Concert à la fin.

«Moby Doc», que Moby (de son vrai nom Richard Melville Hall) a co-écrit avec Bralver, prend toutes ces notions de narration familières, les déchire en lambeaux et les jette par la fenêtre. Bien sûr, Moby nous ramène au début, ce qui nous aide à comprendre à la fois son amour de la musique et son travail sur les droits des animaux, les deux forces motrices de sa vie. Mais il le fait avec une candeur vivifiante, presque une volonté cathartique d’exposer ses démons. Il le fait également avec des marionnettes à doigts flous, des dessins animés Sharpie et des dioramas volontairement simplistes ornés d’autocollants colorés. Malgré son contenu souvent sombre, «Moby Doc» porte souvent la douce ambiance enfantine d’un film de Michel Gondry dans la manière éclectique et sciemment grossière dont il aborde des sujets émotionnellement complexes. Dès le début, Moby rassemble quelques amis pour interpréter certains des moments les plus déchirants de sa jeunesse – une troupe qu’il surnomme «Les joueurs de reconstitution des traumatismes de l’enfance» – avec Moby lui-même portant un béret, tenant une cravache et offrant des directions telles comme: « Un peu plus … de tristesse. »

Enfant unique qui a grandi à Harlem à la fin des années 1960, Moby a enduré la colère et la négligence dès son plus jeune âge. Il se souvient des matchs hurlés entre ses parents, qui ont conduit à l’accident mortel de conduite en état d’ébriété de son père alcoolique. Sa mère, veuve à 23 ans, les a déplacés tous les deux dans l’enclave aisée de Darien, dans le Connecticut, où il avait honte de sa pauvreté. Au cours de cette instabilité précoce, Moby dit dans l’une des nombreuses séances de thérapie mises en scène du film: «La musique m’a sauvé». (L’un des détails amusants de ces scènes est une photo de réaction du thérapeute, interprétée par l’auteure-compositrice-interprète Julie Mintz, étouffant un bâillement alors qu’il bourdonne sur son succès.) Une richesse d’images d’archives révèle les nombreux looks et styles du musicien. les années – quand il avait des cheveux mais pas de lunettes, quand il jouait du punk rock mais était tourné vers l’EDM. Compte tenu du ton surréaliste du film, il est logique que David Lynch se présente pour parler de son amitié de longue date avec Moby, qui remonte au remix du musicien du thème Laura Palmer d’Angelo Badalamenti de «Twin Peaks» pour son premier grand succès, «Go.  » Lynch offre également ce peu de sagesse en expliquant le désir de Moby de creuser profondément et de se comprendre: «La négativité commence à disparaître. La haine, la colère, la peur, toutes ces choses commencent à se dissiper. Le costume de clown en caoutchouc suffocant de dissolution de la négativité et d’or pur venant de l’intérieur.