Les 13 films français les plus importants de tous les temps

Depuis le court métrage Un voyage dans la lune (1902), le cinéma français a influencé les créateurs du monde entier. Les réalisateurs français ont utilisé des scénarios solides comme le roc et des techniques innovantes de réalisation de films en coulisses pour laisser un impact indélébile sur les critiques et les fans. Et bien que plusieurs de ces titres puissent sembler inconnus du public américain plus moderne, cela ne les rend pas moins que des visionnements absolument essentiels pour les fans du médium en général.

Leurs réalisateurs respectifs sont les plus en vue que le cinéma français ait jamais eu à offrir, et à juste titre. Ces projets sont tous vraiment magistraux du début à la fin. Cela dit, ce sont les films français les plus importants de tous les temps, classés.

13 Le Samourai (1967)

TC Productions

L’influence du Samouraï (1967) s’est étendue à travers le monde grâce principalement à la dynamique électrique entre les personnages principaux. Mais les experts avaient également des choses positives à dire dans tous les domaines de la critique, plusieurs se concentrant sur la direction atmosphérique et élégante du cinéaste légendaire Jean-Pierre Melville. Et comme il suit un tueur à gages traquant ses employeurs inconnus qui, après un travail quelque peu mal tourné, ont tenté de le faire tuer.

Le résultat est une balade magistrale à travers la pègre française, avec plusieurs tropes du genre policier jouant des rôles brillants dans le récit global. Alignements de police, bugs de surveillance, opérations d’infiltration – chaque point de complot que vous pourriez rassembler, et plus encore. Le projet a généralement inspiré des créatifs du monde entier tels que Walter Hill et John Woo, et son héritage vivra probablement pendant des décennies.

12 Cache (2005)

Les Films du losange

Réalisé par Michael Haneke, il s’agit de l’une des intrigues les plus captivantes de la liste, uniquement sur le principe. Caché (2005) suit un couple parisien – Georges, un animateur de talk-show télévisé, et sa femme, Anne – reçoivent une série de bandes vidéo qui impliquent qu’ils sont traqués. Ou du moins, sous surveillance dans une certaine mesure. Et le résultat est une course à sensations psychologiques du début à la fin qui a mis le cinéaste susmentionné sur le globe.

De plus, les interprètes principaux étaient à leur meilleur : Daniel Auteuil dans le rôle de Georges et Juliette Binoche dans le rôle d’Anne. Cette dernière est bien sûr l’une des plus grandes actrices françaises de tous les temps, avec de multiples distinctions (dont un Oscar) à son nom. Mais plus sur elle plus tard. En ce qui concerne les films français modernes : Caché a aidé à mettre les yeux sur la région pour le public américain et a fait de Haneke une figure de proue de l’industrie.

11 Beau travail (1999)

Pyramide Distribution

Basé dans une certaine mesure sur la nouvelle de 1888 d’Herman Melville, Billy Budd, ce film français par excellence a été réalisé par Claire Denis, peut-être la cinéaste française la plus influente des temps modernes. Et sans aucun doute, Beau Travail (1999) est sa pièce phare de poésie en mouvement, comme le reconnaissent généralement les fans et les experts.

Son histoire de soldats de la Légion étrangère française est plutôt apprivoisée sur le papier, mais sous sa surface exaltante se cache un film d’une grande importance thématique. Beau Travail est constamment appelé l’un des plus grands films de sa décennie, et même de l’histoire du cinéma. Appeler cela une montre incontournable serait le mettre à la légère.

dix Trois couleurs: bleu (1994)

Productions MK2

Chronique de l’histoire d’une femme dont le mari et la fille ont été tués dans un accident de voiture, Three Colours: Blue (1994) met également en vedette Juliette Binoche dans le rôle principal. Et c’est sans aucun doute l’une de ses plus belles œuvres, car elle dépeint la veuve susmentionnée d’un célèbre compositeur français et cherche l’isolement pour tenter de laisser ces problèmes au plus profond du passé.

Il s’agit du premier volet de la trilogie Trois couleurs du célèbre cinéaste polonais Krzysztof Kieślowski, succédant à la fois à Trois couleurs : blanc (1994) et à Trois couleurs : rouge (1994). Les projets sont respectueusement thématisés sur la liberté, l’égalité et la fraternité – les idéaux de la Révolution française. Et comme c’est le cas pour de nombreuses trilogies cinématographiques célèbres : la première entrée est sans aucun doute la meilleure.

9 Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain (2001)

UGC Renard Distribution

En tant qu’entrée la plus récente sur la liste, Amélie (2001) pourrait également être la plus reconnaissable pour les cinéphiles les plus modernes. Il raconte la croissance d’une serveuse timide de Montmartre à Paris alors qu’elle combat ses propres démons tout en façonnant la vie de ceux qu’elle appelle proches pour s’adapter à son propre récit. C’est une prémisse unique et discrète à la fois dans son concept et dans son exécution, et il en résulte une comédie romantique incontournable avec une distribution d’ensemble.

C’est l’un des rares films de la liste à être en couleur, et dans ce cas, il a été très apprécié pour son utilisation excentrique. Les palettes d’Amélie sont sans aucun doute aussi importantes et, associées à un scénario bien écrit associé à des performances brillantes, contribuent à décrocher ce projet au numéro neuf.

8 Ascenseur à la potence (1958)

Cinématographique de France

Si le cinéphile généraliste ne reconnaît pas la plupart des noms attachés à ce projet – comme le réalisateur Louis Malle ou les interprètes Jeanne Moreau et Maurice Ronet –, il doit connaître celui qui a fourni au film sa partition parfaitement atmosphérique : le trompettiste américain Miles Davis. Sa musique originale pour Elevator to the Gallows (1958) était considérée par les experts comme révolutionnaire dans la mesure où elle suscite des émotions de tristesse et de désespoir contrairement à peu de partitions précédentes.

Mais le film lui-même présente également un récit solide comme le roc du début à la fin. Il raconte le complot de meurtre de deux amants illicites – Florence Carala et Julien Tavernier – alors que leurs plans pour tuer le riche mari de la première se dénouent lorsque ce dernier se retrouve piégé dans un ascenseur. C’est une prémisse assez décalée qui s’est concrétisée grâce à une direction brillante et à un sens aigu de l’écriture de scénarios.

7 Cléo De 5 à 7 (1962)

Ciné-Tamaris

Pour ceux qui ne connaissent pas la Nouvelle Vague française, vous devriez être un expert au moment où cette liste est terminée, car bon nombre des projets les plus influents de la région en question sont venus au cours de cette période. Et concernant Cléo De 5 à 7 (1962) – il a été réalisé par Agnès Varda, l’une des figures les plus éminentes et les plus talentueuses du mouvement cinématographique susmentionné.

Les films de la Nouvelle Vague française ont inspiré des milliers de cinéastes à travers le monde au cours des six dernières décennies grâce à une variété d’éléments influents en coulisses comme l’écriture de scénario et la cinématographie. Ces deux éléments étaient exposés de manière magistrale ici avec le projet fondateur de Varda, et il reste sans aucun doute l’un des plus importants de la région.

6 Hiroshima mon amour (1959)

Zénith International Films

Bien qu’il soit un membre éminent de la Nouvelle Vague française – un mouvement cinématographique qui présentait généralement des réalisateurs comme les «auteurs» ou «auteurs» de leurs propres scénarios – Alain Resnais n’a pas réellement écrit le scénario du film à portée de main. Au lieu de cela, l’auteur français Marguerite Duras a écrit cette intrigue, qui suit une actrice française anonyme et un architecte japonais alors qu’ils partagent des conversations profondes et personnelles sur une période de vingt-quatre heures.

Et tout comme la plupart des projets français de cette période précise, Hiroshima, mon amour (1959) reste très influent pour ses techniques révolutionnaires de cinéma général. Par exemple: le film utilise des flashbacks pour mettre en œuvre un récit non linéaire dans une intrigue relativement simple, comme le font encore régulièrement de nombreux cinéastes comme Christopher Nolan et Quentin Tarantino. Et avec Hiroshima, My Love, chaque technique innovante s’est suffisamment bien associée pour créer la sixième entrée de cette liste.

5 Bande à part (1964)

Les Films Impéria

En tant que membre peut-être le plus renommé du mouvement cinématographique français de la Nouvelle Vague, Jean-Luc Godard a construit une œuvre légendaire qui pourrait probablement composer cette liste à elle seule. Et quant à Bande à part (1964) — plus communément appelé Band of Outsiders aux États-Unis —, il a influencé les futurs cinéastes du monde entier, comme Quentin Tarantino. Sa célèbre scène de danse du restaurant Jack Rabbit Slims dans Pulp Fiction (1994) s’est fortement inspirée d’une séquence respective du film en question.

Et cela ne fait qu’effleurer la surface d’influence commandée par Bande à part. C’est une sorte de film de braquage qui suit trois amis (qui se retrouvent également dans un triangle amoureux) tentant de voler une réserve d’argent là où l’un d’eux réside, dans une villa parisienne. Et son héritage est à jamais gravé dans le marbre grâce à l’aptitude de Godard pour le cinéma.

4 La règle du jeu (1939)

Gaumont

Alors que les titres du mouvement français de la Nouvelle Vague ont inspiré des créateurs du monde entier même des décennies plus tard, les cinéastes y ont bien sûr été influencés par les efforts antérieurs de leur région. Et peut-être qu’aucun n’a eu autant d’impact sur leur travail que The Rules of the Gamed (1939) du célèbre réalisateur français Jean Renoir.

Il suit plusieurs membres de la vie bourgeoise de la classe supérieure en France ainsi que leurs pauvres serviteurs respectifs alors qu’ils parlaient dans un château français juste avant le début de la Seconde Guerre mondiale. Et le projet a laissé de nombreux critiques, d’autres experts et même des fans se concentrer sur le travail de caméra expert du film – en particulier l’œil vif du réalisateur pour la mise en scène. Diverses facettes du cinéma sont considérées comme innovantes ici. Au final, cependant, The Rules of the Game atterrit aussi haut grâce non seulement à l’héritage qu’il a acquis ces dernières années, mais aussi à l’influence qu’il a eu sur les membres de la Nouvelle Vague française.

3 La Haine (1995)

MKL Distribution

De sa scène d’ouverture stylistique à la finesse de l’image finale du film, La Haine (1995) s’inscrit comme une classe de maître absolue du cinéma. Si cette liste classait les meilleurs films français de tous les temps, elle pourrait se classer encore plus haut grâce à un scénario plein d’esprit avec un dialogue provoquant un coup de fouet, un thème avec une résonance tangible et des performances qui produisent une dynamique intrigante autour de chaque ruelle infestée de crimes du film captivant. parcelle.

Mais La Haine présente également certains des mouvements les plus fascinants d’une caméra que vous êtes susceptible d’assister. Le blocking aussi : chaque personnage est parfaitement placé au sein de chaque scène pour faciliter la cinématographie. Leurs mouvements sont juste assez subtils pour être reconnus sans nuire à la mise au point de la prise de vue respective. Et juste d’un point de vue technique, toute cette analyse ne fait qu’effleurer la surface du film policier à portée de main par le réalisateur Mathieu Kassovitz – qui a également écrit et co-édité le projet. Une fois que vous commencez à chercher ce qui se cache en dessous, un tout nouveau monde de complexité peut être trouvé sous terre.

2 Coups des Quatre Cents (1959)

Cocinor

Réalisé par François Truffaut – qui a essentiellement fondé la Nouvelle Vague française grâce à son essai de 1954 Une certaine tendance du cinéma français – le film en question est devenu l’un des plus définitifs du mouvement susmentionné. Les Quatre Cents Coups (1959) se traduit par Les 400 coups en anglais, et son intrigue suit un adolescent rebelle à Paris dont la nature insoumise le trouve en désaccord avec les figures adultes de sa vie. Un drame de passage à l’âge adulte, pour être précis.

Et il est largement considéré comme non seulement l’un des plus grands films français de tous les temps, mais aussi l’un des meilleurs films jamais réalisés, et sans aucun doute l’un des projets les plus influents de la région. Il a utilisé de nombreuses facettes du cinéma qui se sont associées à la Nouvelle Vague française en général et ont sans aucun doute contribué à populariser le mouvement dans le monde. C’est un rendez-vous incontournable pour les fans de cinéma français.

1 À bout de souffle (1960)

Les Films Impéria

Considérant que Jean-Luc Godard est officiellement le seul cinéaste à apparaître deux fois sur cette liste, sans parler du fait qu’il a finalement pris la première place, il y a un argument facile à faire valoir qu’il est le cinéaste le plus important à être né en France. Et sans aucun doute son œuvre la plus marquante et la plus influente devrait être À bout de souffle (1960), le projet même qui a à la fois lancé sa carrière et l’a propulsé sur la carte internationale.

Il se traduit par Breathless en anglais et suit un criminel parisien nommé Michel alors qu’il part en fuite de la police et trouve un intérêt amoureux pour un étudiant américain aspirant à devenir journaliste. Le produit final comportait de nombreuses techniques non conventionnelles – des coupes sautées, par exemple, en ce qui concerne le montage de la continuité – et a été cité comme l’un des favoris personnels de nombreux cinéastes célèbres comme Akira Kurosawa. Et, encore une fois : c’était le premier film de Godard en tant que réalisateur.