L’écrivain et réalisateur nominé aux Emmy partage également son affection pour la série « Predator » avant même de voir le premier film.

Il est impossible de décrire la sortie Hulu de « Prey » en 2022 comme autre chose qu’un énorme succès à tous les niveaux. En tant que préquelle insufflant une nouvelle vie à la franchise de longue date « Predator », le film excelle. En tant qu’histoire outsider d’une jeune guérisseuse Comanche déterminée à faire ses preuves en tant que chasseuse, le film prospère. Telle une lettre d’amour adressée à une communauté indigène trop souvent marginalisée, le long-métrage fredonne. Et en tant que volet d’action tendu et brutal, « Prey » est absolument déchiré.

Pour leurs efforts, « Prey » et les personnes impliquées dans sa création ont décroché six nominations aux Emmy Awards, dont des mentions pour le montage d’images, la composition musicale, le montage sonore, l’écriture et la réalisation d’une série ou d’un film limité ou d’anthologie, ainsi qu’une nomination pour Exceptionnel. Téléfilm.

Dan Trachtenberg, qui a reçu des nominations pour la réalisation et l’écriture, a récemment parlé avec Jolie Bobine de la façon dont le film a commencé à prendre forme dans son esprit il y a des décennies, du processus de présentation du produit fini à l’écran et de la façon dont le doublage en langue Comanche du film est né.

Où est né le concept de « Prey » ?
Je pensais faire un film de science-fiction d’époque, quelque chose que l’on ne voit pas trop souvent, et je voulais aussi faire une histoire qui serait principalement racontée à travers des réactions, avec le moins de dialogues possible, voire aucun. Mais ensuite, je ne veux pas seulement que ce soit une expérience viscérale, mais je veux vraiment que ce soit aussi une expérience émotionnelle.

Alors nous (avec le scénariste Patrick Aison) avons pensé, eh bien, peut-être que si nous prenions le moteur d’un film de sport, une histoire d’opprimé, et lui insufflons un décor de genre, alors c’était comme, qu’est-ce qu’un protagoniste qu’on ne voit jamais ? Et cela a conduit aux Amérindiens et, plus particulièrement aux Comanches, qui ont si souvent été relégués au rôle d’acolyte ou de méchant et jamais de héros.

En pensant à « Qui est l’antagoniste », c’est là que l’on se disait : « Oh mon Dieu, le prédateur, thématiquement, est toujours à la recherche de l’alpha. » Si notre personnage principal essaie de faire ses preuves et dit : « Je suis digne » et que tout le monde autour d’elle dit : « Nous ne pensons pas que vous en valez la peine », alors le conflit est là avant même que la science-fiction n’apparaisse. Et puis le prédateur arrive.

Étiez-vous fan du « Predator » original à sa sortie ?
Je n’ai pas eu le droit de voir « Predator » lors de sa sortie car il était classé R. J’étais en troisième année, je pense, et j’étais à l’arrière d’un covoiturage en route pour un tournoi de karaté et tous les élèves de sixième avaient vu « Predator » et m’avaient décrit le film en entier sur le chemin du tournoi. Je me souviens très bien d’eux disant : « Il y a une scène géniale où Billy, le pisteur amérindien, s’arrête sur un pont au-dessus d’une cascade, se coupe et combat le prédateur. »

Cette scène n’est pas dans le film. Vous voyez Billy se couper, puis il crie hors caméra et c’est tout, mais mon cerveau d’enfant a imaginé comment cela a dû se passer. C’est donc la première graine plantée de ce qui est finalement devenu « Prey ».

Une grande partie de cette histoire est enracinée dans la communauté Comanche. Comment avez-vous fait pour vous assurer que cette représentation était correcte ?
En plus de faire nos propres recherches, dès le départ, une femme nommée Juanita Pahdopony, malheureusement décédée avant le début de la production du film, était avec nous pendant que nous écrivions la première ébauche du scénario. Son neveu, Dustin Tahmahkera, nous aidait également. Ils nous ont donné plusieurs livres à lire.

Une grande partie de la documentation, il y a le plus petit chapitre qui date d’avant 1800, puis vous entrez dans des documents plus écrits, mais notre film se déroule avant cela et une grande partie de ces informations ne sont pas écrites du point de vue des Comanche. J’ai donc réalisé très tôt qu’il n’y avait pas beaucoup de recherche pour aboutir à cela et qu’il était essentiel d’avoir leur espoir et leur instinct dès le début.

Ensuite, notre producteur Jhane Myers, qui est elle-même Comanche, nous guide tout au long du processus, de la création du film à sa finition, tout au long du processus. Avoir ces instincts, non seulement parce qu’il n’y a pas beaucoup de traces écrites, mais aussi grâce à ses propres recherches historiques qu’elle a effectuées et à toutes ses relations étroites en tant que porteuse de la culture de la tribu et avec les autres membres. Même ses sentiments inhérents à propos des moments de genre, afin que tout cela puisse ressembler au tissu du film.

Pouvez-vous parler un peu de la décision de faire le doublage des Comanche pour le film?
Au départ, le scénario avait été écrit pour être entièrement parlé en Comanche, puis il a été décidé que nous ne pouvions pas faire tout le film de cette façon. Ensuite, il a été suggéré que le film pourrait peut-être commencer par Comanche, puis passer à l’anglais, mais cela s’est avéré très difficile en raison du naturalisme du film. J’ai eu du mal à faire un gadget de style « À la poursuite d’Octobre rouge » où nous nous déplaçons à mi-chemin, car le film a une manière très spécifique de traiter le langage lorsque les trappeurs de fourrures sont entrés en scène. Tout est devenu très confus.

Nous avons décidé que nous pourrions peut-être simplement enraciner le public avec eux (les Comanches) et leur faire parler la langue commune, puis les étrangers (les trappeurs de fourrures francophones) sont ceux qui nous déroutent tous.

Mais ce qui était triste, c’était de ne plus pouvoir offrir l’immersion et le respect de la langue et, presque, un document de préservation culturelle d’une langue qui doit rester vivante sinon on ne s’en souviendra pas.

Il y a eu d’autres doublages en langue amérindienne auparavant, par exemple, je crois qu’il y avait un doublage Navajo de « Star Wars », mais cela n’était jamais arrivé auparavant qu’un film, à sa sortie, puisse l’avoir dans cette langue. Jhane et d’autres personnes se sont donc attaqués au doublage de l’intégralité du film, ramenant les acteurs originaux pour le faire eux-mêmes. C’est assez remarquable ce qu’ils ont pu accomplir.

Comment c’était d’avoir Amber Midthunder dans ce rôle central de Naru ?
Ambre était formidable. Elle était formidable lorsque nous l’avons trouvée pour la première fois et cela s’est poursuivi jusqu’au film final. Lorsque nous l’avons auditionnée, elle a joué la scène de trois manières : en anglais, en comanche et ensuite de manière non verbale. Une grande partie du film est non verbale et c’était incroyablement émouvant de la voir interpréter une scène de dialogue sans paroles. Il y avait toute une partie physique d’un test d’écran que nous avons fait avec elle et elle embrassait pleinement la narration à travers le mouvement physique, impliquant les instincts des personnages, c’était exactement ce dont nous avions besoin dans un film comme celui-ci. Ce fut une bénédiction que nous ayons pu nous lier avec elle.

Dans d’autres interviews, vous avez mentionné vos émotions mitigées à propos des prises en continu (également appelées « one-shots » ou « oners »)..
Nous avons eu de longs plans tout au long de l’histoire du cinéma et ils sont soudainement devenus à la mode ou à la mode, probablement à cause des commentaires qu’ils faisaient, ce qui me donne instinctivement envie de penser autrement. En même temps, les personnages qui m’attirent le plus ressemblent à ceux utilisés dans les films de Steven Spielberg, qui sont passés longtemps inaperçus car très invisibles. Ce n’est pas comme si « Écoutez, toute cette scène est unique », c’est plutôt comme « La scène tient. C’est le meilleur cliché du moment. Alors faisons-le. »

Il y en a quelques-uns dans le film, mais un en particulier avec lequel nous avons lutté était le combat entre Amber et les trappeurs de fourrures. Je suis tellement fan de films d’action et de réalisation de films. J’ai grandi dans le cinéma d’action de Hong Kong et je meurs d’envie de pouvoir un jour mettre en pratique tout ce qui me mijote depuis si longtemps. Ce film n’exigeait pas tout cela, mais cette scène en particulier, où il y a davantage de combat au corps à corps, me donnait l’impression de pouvoir enfin faire ce que je pense être la bonne façon d’articuler l’action, à savoir la clarté. Clarté de la géographie et compréhension des intentions de vos héros tout au long d’une scène, ce qu’un individu peut parfois faire, mais parfois trahir. Il fallait donc vraiment que je me lance dans la chorégraphie.

Nous avions construit une couverture plus traditionnelle. Le truc de la séquence est qu’elle n’a pas d’armes et essaie d’accéder à sa propre arme et ces gars l’attaquent, donc elle utilise constamment leurs armes contre eux. Tout cela est très réactif. Elle attrape un couteau de quelqu’un et le lui remet, puis attrape le même, vous voulez avoir l’impression qu’elle trouve de manière créative comment sortir physiquement de cette impasse.

Ensuite, nous étions en retard et le studio était comme, vous savez, au rythme où vous allez, ça va prendre trois jours pour tourner cette séquence et vous n’avez vraiment qu’une journée pour le faire. Je pensais déjà qu’il y avait certainement une logique à ce qu’une scène comme celle-ci soit un one-shot. Vous voulez avoir l’impression que ce n’est qu’un seul souffle, donc cela avait du sens. Je ne voulais tout simplement pas que ça paraisse showboat. Mais nous avons trouvé un moyen de le couvrir qui semble assez ancré et pas astucieux. Comme si vous le manquiez à peine, mais que vous l’obteniez à peine, de sorte que cela semble plus improvisé et improvisé, avec les caméras bougeant de la même manière qu’elle se déplace dans la scène. Nous avons donc fini par passer une journée à faire un peu plus de 20 prises, au lieu de trois jours pour obtenir toutes les couvertures dont on aurait besoin pour toutes les cascades.

Je m’en voudrais de ne pas poser de questions sur le voleur de scène préféré de tout le monde, le chien de Naru, Sarii.
Une partie de l’inspiration pour le personnage, lorsque nous avons d’abord pensé que le film pourrait ne pas avoir de dialogue du tout, était comme si elle avait besoin d’un Wilson (le ballon de volley dans « Castaway »). Et j’ai toujours adoré les images de « Road Warrior », avec Mad Max et son chien, la silhouette de celui-ci, et je me suis dit : « Oh, comme c’est cool de la voir elle et son petit copain. » Cela apporterait de la chaleur au film et j’ai adoré qu’il y ait autant de cœur que possible, c’est donc ce qui m’a inspiré pour avoir ce personnage.

Mais en essayant d’être à cheval sur l’authenticité, il n’y a qu’un nombre limité de races de chiens qui pourraient exister et qui seraient appropriées pour cette période. Cela nous a conduit à cette race de chien très spécifique, ce qui signifiait que nous devions trouver ce chien et le dresser, alors qu’il s’agissait d’un chien déjà dressé dans l’écurie de nos formidables dresseurs d’animaux. Ils ont donc trouvé ce chien environ deux mois avant le tournage et l’ont très rapidement dressé, Coco. D’un côté, elle était en désordre. D’un autre côté, elle était adorable. Il y avait beaucoup de choses à ne pas faire ce dont la scène avait besoin, comme on pourrait l’imaginer, mais il y avait aussi les moments inclus dans le film, chaque image, où elle a réussi. C’est assez remarquable et nos formateurs méritent tout le mérite d’avoir rendu cela possible. C’était une actrice difficile avec laquelle travailler, mais nous y sommes parvenus et nous aimons Coco.