Le réalisateur de « Le mal n'existe pas », Ryusuke Hamaguchi, dit « Il y a quelque chose » dans une théorie sauvage

« Pour être honnête, cette idée ne m'était pas venue à l'esprit », a déclaré l'acteur oscarisé à Jolie Bobine.

Avertissement : les principaux détails de l'intrigue de « Le mal n'existe pas » sont discutés ci-dessous.

Deux ans après avoir remporté l'Oscar du meilleur long métrage international avec son film « Drive My Car », Ryusuke Hamaguchi est de retour aux États-Unis avec son cinquième long métrage, « Evil Does Not Exist », un drame se déroulant dans les bois du Japon qui a marqué les esprits. le monde entier se gratte la tête face à sa fin abrupte et violente.

Lauréat du Grand Prix du Jury de la Mostra de Venise, « Le mal n'existe pas » suit Takumi, un petit ouvrier tranquille qui se retrouve au centre d'un conflit entre les habitants de son village et les promoteurs d'un projet de site de glamping dont les plans contaminerait l’approvisionnement en eau local. Ce qui commence comme un conflit apparemment simple, alimenté par une entreprise cupide, commence à développer davantage de nuances de gris avant de culminer soudainement dans un acte de violence de la part de Takumi sous le couvert du crépuscule.

Dans une interview avec Jolie Bobine, Hamaguchi a déclaré qu'il avait entendu de nombreuses interprétations de sa fin, mais la plus intéressante qu'il ait entendue est une théorie selon laquelle Takumi est en fait l'un des cerfs qui habitent les forêts du village et qui, selon Takumi lui-même, peut devenir violent lorsqu'il est abattu. chasseurs.

« Pour être honnête, cette idée ne m'était pas venue à l'esprit », a déclaré Hamaguchi. « Mais quand j'y pense, Takumi, dans un certain sens, est peut-être plus proche du royaume de la nature que des humains. Plus je réfléchissais à cette interprétation selon laquelle il était plus proche du royaume de la nature que des humains, plus je pensais qu'il y avait quelque chose là-dedans.

« Evil Does Not Exist » est actuellement à l'affiche à l'AMC Grove de Los Angeles ainsi qu'au Film Forum et au Lincoln Center de New York. L'entretien avec Hamaguchi ci-dessous a été réalisé avec un traducteur et a été légèrement édité pour plus de clarté.

Vous montrez plusieurs scènes d'Hana explorant les bois seule et avec son père. Avez-vous eu des expériences avec la nature en grandissant qui ont influencé cela ?

Je dirais que j'ai peu d'expérience en matière de promenades dans les bois. La nature à laquelle j'étais le plus habitué était celle des parcs en milieu urbain. Dans le premier plan du film, la perspective que nous voyons est quelque chose que j’ai rencontré au début de la vingtaine. Je me promenais dans le parc Ueno à Tokyo un hiver et je levais les yeux comme dans le film, et les arbres étaient nus et sans feuilles. J'ai trouvé vraiment intéressant que les branches créent ces couches, et à mesure que je continuais à marcher, ce que je voyais ne cessait de changer. En voyant cela, j’avais l’impression que je pourrais regarder ça pour toujours. C’était une perspective tellement intéressante pour moi que je savais que je voulais l’utiliser dans un film à l’avenir et j’ai finalement pu le faire avec « Evil Does Not Exist ».

Ce sentiment de pouvoir contempler la nature pour toujours a-t-il également influencé le rythme du film ? C'est un film au rythme très volontaire du début à la fin.

Oui, je crois que c'est lié. Ce que je voulais faire, c'est créer ce sentiment spécifique que j'ai ressenti en regardant ces arbres. C'est ce que l'on voit au tout début du film et aussi tout au long des 10-15 premières minutes du film. Les gens peuvent voir comment découvrir des choses dans ces clichés, comme les petits mouvements et gestes que l'on peut voir dans la nature et découvrir l'attrait de la terre et des paysages.

Je pense qu'on a l'impression que l'histoire commence soudainement avec la scène de la mairie qui se déroule jusque tard dans le film. D’une certaine manière, cela pourrait ressembler à une scène ennuyeuse. Cependant, en acquérant cette sensibilité aux petits mouvements subtils dès les scènes d'ouverture, je pense que les gens peuvent peut-être voir cet hôtel de ville comme étant plus rapide ou plus riche en informations. C’était quelque chose que j’étais tout à fait conscient de construire à travers le rythme.

Vous avez également plusieurs scènes dans lesquelles vous permettez au public de s'installer dans ces longs plans de la nature, puis on passe brusquement à la scène suivante d'une manière très discordante. Qu’est-ce qui a inspiré ce style de montage ?

J'ai souvent préféré avoir un montage fluide pour mes films, mais avec ce film en particulier, j'ai décidé de choisir des positions de caméra qui ne fonctionneraient pas de la même manière car en fin de compte, l'endroit où vous positionnez la caméra peut dicter la fluidité de votre film. Je peux couper et éditer entre les scènes.

Ce que je voulais vraiment faire, c'est mettre en valeur chaque axe qui existe au sein du film et donc cela m'a vraiment éclairé sur les moments à couper. Par exemple, s'il y a une personne dans la photo, mais que cette personne sort ensuite du cadre, je pense que d'une certaine manière, c'est naturellement un bon point pour passer à autre chose. Mais avec ce film, on coupe souvent avec le personnage toujours dans le cadre. Je pense que cela donne la sensation qu'on a attrapé les personnages au milieu de quelque chose et c'est quelque chose que j'ai souhaité pour le film : avoir l'impression d'observer les gens au milieu de leur vie.

Vous avez cette approche très méditative et lente de la narration qui semble avoir vraiment frappé de nombreux cinéastes occidentaux, notamment lorsque vous avez placé le générique d'ouverture de « Drive My Car » environ 40 minutes après le début du film. Qu’avez-vous ressenti en voyant comment vos films ont été reçus par un public plus international ?

Je considère finalement « Drive My Car » comme une adaptation de l'histoire de Haruki Murakami. Ce que je devais faire en tant que réalisateur, c'était simplement m'imprégner du monde qu'il avait créé à travers son travail, et j'ai beaucoup reçu artistiquement en travaillant dans ce monde. En ce sens, je pense que mon nom ne devrait pas être évoqué si souvent lorsqu'il s'agit du succès du film. Je suis reconnaissant pour les éloges, mais j'ai l'impression de reconstruire simplement le monde qu'il avait déjà créé. Mon prochain défi est simplement le suivant : que se passe-t-il lorsque je travaille avec une histoire et un monde qui n’ont pas encore été créés ?