KVIFF: A Sudden Glimpse to Deeper Things, Stranger, Rude to Love

Peu importe le nombre de films que je vois dans un festival, je rate presque toujours le grand gagnant. C'est presque comme si le jury choisissait délibérément le film que je n'avais pas vu ou dont je n'avais jamais entendu parler avant que son nom ne soit annoncé lors de la cérémonie de remise des prix. Cette fois-ci, au Festival international du film de Karlovy Vary, c'était différent. J'ai réussi à voir à la fois le lauréat du Grand Prix – Globe de cristal et le meilleur film de la compétition Proxima. Ces deux films constituent l'essentiel de ce reportage, tandis qu'un autre film dont j'aurais aimé qu'il reçoive un peu d'éloges du côté des performances est également inclus.

Le 24e film de Mark Cousins, l'essai documentaire élégant « A Sudden Glimpse to Deeper Things », a remporté le Globe de cristal du KVIFF après sa première mondiale. À propos de l'artiste abstraite écossaise Wilhelmina Barns-Graham, le film, avec l'aide de sa biographe Lynne Green et de Tilda Swinton, qui assure la narration sous le nom de Barns-Graham, se penche sur son travail, ses journaux et ses photos pour à la fois lui tailler une place parmi les plus grands artistes de l'époque et pour entrer dans son esprit.

Cousins ​​emmène le spectateur du berceau à la tombe, retraçant les origines de Barns-Graham à St Andrews, en Écosse, jusqu'à sa visite décisive aux glaciers de Grindelwald, qui a inspiré ses paysages abstraits et courbés, et sa vie ultérieure. Il attribue son point de vue unique à sa synesthésie et revient souvent sur les entrées de son journal. Il y a une entrée où elle associe la couleur des éléphants à des chaussettes et des rochers, ce qu'il considère comme un chiffrement contraignant pour son langage esthétique. Cousins ​​montre également comment la misogynie de l'époque a relégué son importance évidente dans l'art à une note de bas de page.

La forme et le style sont essentiels à l'accomplissement de l'œuvre. La musique oscille entre épineux, éthéré et langoureux, articulant de manière apaisante les niveaux superposés de l'esprit de cet artiste. La présentation visuelle des œuvres de Barns-Graham a une énergie dynamique similaire, présentée par le biais de simples diaporamas, de time-lapse et de mouvements animés. Grâce à ces astuces visuelles et auditives, ainsi qu'à la voix calme de Swinton dans le rôle de Barns-Graham et à la narration du réalisateur qui incite les spectateurs à réfléchir à d'autres questions, Cousins ​​nous rapproche habilement des charges synaptiques qui ont alimenté l'éthique, le processus et la vision du monde de l'artiste.

On aimerait qu’il ait utilisé ses informations biographiques avec la même dextérité spirituelle. Au lieu de cela, il utilise les détails les plus élémentaires sur son père et sa mère difficiles, sa conversion ultérieure au bahá’í, ses pensées sur le mouvement de libération des femmes et ses deux partenariats (son mariage de courte durée avec David Lewis et sa relation avec Rowan James) uniquement comme points de départ pour son travail. Dans une certaine mesure, c’est une décision compréhensible. Cousins ​​est particulièrement intrigué par l’esprit de Barns-Graham. Mais il est étrange qu’il passe sous silence sa bisexualité comme si cela n’avait pas pu influencer sa vision du monde, alimentant ainsi son art. Il y a certainement une pente glissante lorsqu’on applique l’identité sexuelle de quelqu’un à son travail – peut-être que Barns-Graham n’a pas associé son identité à son art – mais établir ces liens dans le présent peut tout aussi bien animer le passé.

Malgré ce désir, le film de Cousins ​​reste impératif. Il met magnifiquement en lumière une artiste critique et visionnaire qui, espérons-le, avec le regard et la voix bienveillants de cette œuvre, inspirera davantage de personnes à rechercher l'œuvre et le génie de Wilhelmina Barns-Graham.

Le lauréat du Grand Prix de la compétition Proxima du festival, «Étranger » est un omnibus absorbant, bien que parfois inégal, dont l'intérêt pour les espaces liminaires explique en grande partie la façon dont nous définissons le foyer et l'identité. Sept histoires distinctes, se déroulant pour la plupart dans des chambres d'hôtel, constituent la tapisserie de ce film. La première montre une femme apparemment habillée en hôtesse de l'air, assise sur son lit, regardant le mur avec désespoir. Elle est tirée de sa stupeur par un appel radio demandant qu'une chambre soit nettoyée. Elle se lève et entreprend de nettoyer la pièce dans laquelle elle se trouve. À côté du lit, de manière fascinante, se trouve une salle de bain entourée de parois en verre. Elle entre dans l'espace pour laver la baignoire. Puis elle entre dans la douche en verre et la nettoie également. Le fait qu'elle se trouve à trois espaces de profondeur dans le cadre signale la structure de poupées gigognes de cette œuvre. D'autres parties montrent deux hommes interrogés par la police (peut-être parce qu'ils sont homosexuels), un couple marié s'exerçant à répondre aux questions de la femme à la sécurité des frontières américaines, une femme mise en quarantaine à cause du COVID, etc.

Dans chaque scénario, la scène commence de manière ambiguë (qui sont ces personnages et quel est leur rôle ?), révélant lentement leurs secrets à travers des dialogues clinquants. Souvent, les protagonistes prétendent être ce qu'ils ne sont pas ou portent littéralement un masque. Il y a également très peu de coupures. Parfois, la caméra reste statique, fixée sur une position (comme dans le sketch sur l'interrogatoire de la police), tandis que d'autres s'appuient sur des pistes et des panoramiques pour en révéler davantage visuellement (comme une partie se déroulant lors d'une fête de mariage qui révèle l'amant secret d'un marié).

« Stranger » est souvent plus efficace lorsqu’il se montre évasif, nous rapprochant discrètement de lui et laissant place à l’interprétation. Il perd cependant de son élan lorsqu’il tente de nous frapper à la tête. C’est ce qui se produit dans le scénario de la COVID, qui s’étend beaucoup trop longtemps, perdant de son efficacité tout en ne disant pas grand-chose. Il existe une version de ce film sans ce scénario, qui s’efforce de montrer comment la tension de l’isolement a provoqué une angoisse incommensurable chez les gens – cette soustraction permettrait au spectateur de ressentir les thèmes plutôt que de leur faire la morale. En tant que tel, « Stranger » est parfois trop familier, ce qui sape son désir intentionnel de bizarrerie.

Les cinéastes japonais ont tellement perfectionné le mélodrame que, même lorsque le film est loin d'être parfait, il parvient toujours à être incroyablement touchant. Tel est le cas du film intense de rupture de Yukihiro Morigaki « Il est impoli d'aimer”, une histoire épineuse sur Momoko (Noriko Eguchi), une femme au foyer dévouée qui apprend que son mari Mamoru (Momoko Namoru) a eu un enfant avec une femme plus jeune. Mamoru veut divorcer pour pouvoir commencer une nouvelle vie avec son amante. Mais Momoko, qui a abandonné son travail il y a longtemps pour s'occuper de la mère de Mamoru (Jun Fubuki), n'est pas prête à partir en silence. Elle passe une grande partie du film à le cajoler pour qu'il revienne, regrettant les décisions qu'elle a prises dans le passé et envisageant avec inquiétude un avenir de plus en plus sombre.

En cours de route, « Rude to Love » se prête à de nombreux détournements : une bande de hooligans brûle des décharges, un jeune homme qui travaille au supermarché local lui lance des regards inquiets et Momoko cherche continuellement un chat qui aurait pu s’enfuir. Certains de ces fils sont liés, d’autres sont laissés en suspens. L’infidélité de Mamoru pèse encore plus sur Momoko en raison de la diminution de ses possibilités d’emploi (elle donne un cours pratique pour fabriquer son propre savon pour les mains). Et Morigaki fait également vivre au spectateur une sorte d’anxiété en montrant Momoko se remémorant des textes qui semblent signaler les infidélités de son mari. Ces miettes narratives se perdent un peu dans les changements de ton qui semblent se produire avec le caractère aléatoire des graines de sésame qui tombent.

Sans la force de cohésion qu'est Eguchi, une grande partie de ce film s'effondrerait. Lorsque Momoko va acheter une tronçonneuse, forçant ses lames à grincer sur le sol de son salon, on ressent un sentiment de kitsch dans cette affaire mêlé à une véritable douleur émotionnelle fermement ancrée dans le personnage malgré la bêtise de la situation. C'est le mélange des deux, porté par l'extérieur endurci d'Eguchi, qui signale clairement le genre de remords profond qui donne au mélodrame de « Rude to Love » un côté revigorant.

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