Je ne sais plus ce qu’est la normalité. Je sais juste qu’instant après instant, seconde après seconde, nous naviguons dans les recoins d’une réalité indéfinissable. « Normal » au cours des deux dernières années, c’est apprendre que demain est la chose la plus importante dans la vie. (Et après un vol ardu, qui a vu mon vol annulé, puis retardé, et mes bagages égarés, ce qui m’a obligé à me démener pour rencontrer le jour présent. L’idée de demain était rassurante). Mais ce qui est ressenti comme tout aussi nourrissant, c’est que demain arrive enfin.

Et il est arrivé en force lors de la 56e édition du Festival international du film de Karlovy Vary. D’une cérémonie d’ouverture émouvante à la vue d’un groupe de visages familiers, de nombreux signes de normalité existent ici. Mais ce qui m’a le plus frappé, à part la magnifique architecture pseudo-Renaissance et les rues pavées bondées de cette ville verdoyante nichée dans les montagnes, c’est son dynamisme et son âge. Bien que le KVIFF soit l’un des plus anciens festivals de cinéma au monde, j’ai été réchauffé par le nombre d’adolescents et d’adultes d’âge universitaire qui font la queue pour chaque film et qui profitent du meilleur du cinéma mondial. C’est un spectacle joyeux qui m’a rendu moins pessimiste quant à l’avenir. Tant que des festivals comme le KVIFF inspirent la prochaine génération, comment ne pas être optimiste ?

Il est donc assez approprié que mon premier film, lors de ma première journée complète, soit le premier long métrage du cinéaste pakistanais Saim Sadiq : «Joyland.” Je dis « un peu » parce que « Joyland » – lauréat du prix du jury Un Certain Regard de Cannes et Palme Queer – n’est pas particulièrement joyeux. C’est une interrogation douce-amère et mélancolique sur la sexualité et les rôles de genre qui tire très peu de coups.

Haider (Ali Junejo) ne peut jamais plaire à son père traditionnel (Salmaan Peerzada). Alors que sa femme Mumtaz (Rasti Farooq) se dirige joyeusement vers le travail de coiffeuse (elle aime son indépendance), Haider reste à la maison pour cuisiner et nettoyer, s’occuper de son fauteuil roulant en utilisant son père et garder les filles de son frère macho Saleem (Sohail Sameer) et sa belle-soeur Nucchi (Sarwat Gilani). Pour prouver sa valeur, Haider a désespérément besoin d’un emploi.

Un vieil ami lui propose un concert en tant que danseuse suppléante pour Biba (Alina Khan), une danseuse exotique transgenre languissant à l’entracte. Le Haider aux pieds de pierre est immédiatement repris par Biba. Son réveil menace à la fois la réputation de sa famille et met sa femme sous pression.

Sadiq et la co-scénariste Maggie Briggs comprennent comment créer un personnage complexe mais imparfait dans Haider sans le vilipender ou l’absoudre complètement. Haider a souvent du mal à tenir tête à son père ; il cède également à son frère. À tel point qu’il se plie à leurs rôles de genre attendus en acceptant de faire de Mumtaz une femme au foyer et d’essayer d’avoir des enfants – deux résultats auxquels Mumtaz s’oppose. Mais Haider est lâche, et par conséquent égoïste. Ce dernier le met en désaccord avec Biba, alors même que le couple développe un amour naissant, car Haider ignore qui elle est vraiment. Et tout s’effondre sur Haider de manière tragique et déchirante.

Visuellement, Sadiq et le directeur de la photographie Joe Saade (« Costa Brava, Liban ») proposent des compositions évocatrices : profondes profondeurs de champ et blocages intelligents, dans une histoire provocante. Sadiq fait également preuve d’un merveilleux sens du son, notamment de la dynamique, notamment lors des séquences de danse : One est éclairé par les téléphones portables de tout un public et monté jusqu’à des fins vertigineuses. Et les acteurs sont tout simplement merveilleux, en particulier Junejo, Khan et Farooq, qui forment un triangle dévastateur en pleurant leurs désirs différés. Le film comporte quelques scènes répétitives, mais la fin angoissée fait de « Joyland » une déclaration audacieuse et élégante.

Kristina Buozyte et Bruno Samper « Vêpres», concerne également les rêves non réalisés. Un thriller post-apocalyptique sur une catastrophe écologique s’étendant sur un paysage de science-fiction désolé – le rôle principal (Raffiella Chapman) est une fille brillante vivant au bord le plus sombre de la destruction. Vesper pourrait être tellement plus si seulement elle pouvait aller à la Citadelle à la pointe de la technologie. Mais sa mère est partie il y a un an. Elle passe donc ses journées à chercher du matériel pour mener à bien ses expériences synthétiques et biologiques tout en s’occupant de son père paralysé.

Son père l’accompagne dans ses randonnées grâce à un droïde parlant, en forme de tête, lié cérébralement et décoré d’un visage souriant. Père et fille vivent une vie précaire qui est encore bouleversée lorsque deux navires appartenant à la Citadelle s’écrasent. Dans l’épave, Vester trouve Camellia (Rosy McEwen), une femme aux nombreux secrets et aux pouvoirs de guérison qui cherche son père. Camellia promet à Vesper un voyage à la Citadelle si elle peut retrouver son père. Mais l’oncle impitoyable de Vesper, Jonas (Eddie Marsan en tant que liane de sang-froid) espère rendre Camellia en échange d’une récompense.

Le film de science-fiction de Buozyte et Samper traite clairement de la relation entre parents et enfants. Les actions que Vesper et Camellia entreprennent pour protéger leurs pères respectifs sont celles de la fille désintéressée et dévouée qui ne pense jamais à elle-même. Le dialogue au niveau de la surface ne tient pas toujours, et on pourrait penser que quelqu’un comme Vesper, qui a vécu tant de tragédies et de malheurs, porterait au moins un pincement d’amertume ou un défaut. Au lieu de cela, elle fonctionne comme un androïde fidèle dont le plus gros défaut est de trop s’en soucier.

Le principal attrait de « Vesper », cependant, est la construction du monde imaginatif de Buozyte et Samper. Grâce à un mélange d’effets pratiques et visuels robustes, ils créent une multitude d’organismes fantaisistes ressemblant à des plantes qui sont uniques à plusieurs niveaux. Chaque texture, de l’air humide et froid au bois délabré de la maison de Vesper, est ressentie. Et les personnages, notamment Marsan et Chapman, construisent de riches intériorités. Une confrontation finale entre Vesper et les stormtroopers cauchemardesques de la Citadelle vaut le voyage, même si la fin du film, au sommet d’une tour, semble répondre à une question de trop dans cette aventure captivante et inventive.

Alors que « Vesper » se déroule dans un futur pas trop lointain, le documentaire visuellement somptueux de Brett Morgen « Rêverie lunaire» tacle une personne qui semblait arriver du futur : David Bowie.

À travers son style de narration tourbillonnant, Morgen couvre l’étendue des multiples évolutions artistiques de Bowie : de son extraterrestre bisexuel androgyne à ses carrières d’acteur et de peintre, en passant par son sens politique plus tardif, il s’agit d’un récit complet qui évite les intrigues biographiques typiques. En fait, on espère souvent qu’un documentaire est aussi intéressant que son sujet. Et le film de Morgen n’est pas seulement fascinant. C’est le mariage parfait entre le sujet et l’esthétique.

La première moitié arrive dans un swoosh et un bang dans la phase « Ziggy Stardust » de l’artiste alors que Morgen entrecoupe les performances de Bowie avec une explosion chaotique et kaléidoscopique de couleurs cinétiques. A partir de là, le documentaire s’apaise ; alors que Bowie, à travers des interviews d’archives sur des émissions de fin de soirée, raconte sa vie et son processus créatif. Le film ne ralentit jamais assez pour se sentir par cœur. Au contraire, le rythme délibéré de Morgen en seconde période semble correspondre au propre voyage méditatif de Bowie à travers le monde dans une recherche de lui-même qui se traduirait par certaines de ses meilleures musiques : la performance de « Heroes », en particulier, est une séquence remarquable composée d’un montage pointu et d’une cohésion impressionnante.

En donnant à Bowie la chance de raconter sa propre histoire, pour ainsi dire, une astuce émerge : De son vivant, l’artiste a parlé de toutes les phases de sa carrière sauf la dernière : « Blackstar ». C’est bien sûr parce qu’il est décédé d’un cancer deux jours après sa sortie, ne laissant derrière lui que l’album et un clip musical stellaire. Mais Morgen connaît une solution de contournement. Parce que « Moonage Daydream » ne se contente pas de suivre les changements créatifs dans la vie du hitmaker. Cela concerne ses réflexions sur la mortalité. Dès la vingtaine, Bowie s’est efforcé de comprendre la mort et en a beaucoup parlé. L’assemblage d’extraits sonores montre essentiellement comment le chanteur est arrivé à un état de confort mental où il pourrait faire « Blackstar ».

À chaque tournant, le film de Morgen est un résumé pompeux, surstimulant, poignant, affirmant la vie et prenant des risques de l’éthos de l’artiste et de sa maturation en tant que personne. En bref, « Moonage Daydream » est le film que Bowie aurait fièrement réalisé.