Interview d’une cuillerée de sucre : le directeur de la photographie Nick Matthews

ComingSoon a eu le grand plaisir de parler avec le directeur de la photographie de Spoonful of Sugar, Nick Matthews, qui a offert un aperçu unique de son métier. Il a également longuement parlé de son travail aux côtés de la réalisatrice Mercedes Bryce Morgan et de la manière dont ils ont réalisé les visuels étonnants du film d’horreur. La cuillerée de sucre de Shudder est sortie aujourd’hui.

ComingSoon : Qu’est-ce qui vous a amené à devenir directeur de la photographie ?

Nick Matthews : J’écris et je raconte des histoires depuis que je suis petit. Je n’ai jamais étudié formellement le cinéma et en raison d’un contexte religieux strict, je n’ai mis les pieds dans une salle de cinéma qu’à l’université. En conséquence, mon chemin vers le cinéma a commencé par tomber amoureux d’abord dans la littérature – des gens comme Flannery O’Connor, Cormac McCarthy, Franz Kafka, parmi tant d’autres. La narration était fondamentale pour mon engagement empathique envers d’autres points de vue, cultures et idées. D’une certaine manière, c’est devenu pour moi un véhicule puissant pour explorer la condition humaine dans tout son paradoxe, sa tragédie, sa brisure, son injustice, sa beauté et sa transcendance. La narration (et la réalisation de films) ressemble à notre navigation collective de ces sentiments et idées.

Je me suis lancé dans le cinéma après avoir découvert la magie de tenir un caméscope dans ma main et à quel point c’était libérateur de faire de petits films avec mes amis au lycée. Je ressens toujours cette précipitation quand je vais sur le plateau. La cinématographie est tactile et sensuelle. C’est une façon d’utiliser la lumière, la couleur et l’atmosphère pour construire la langue vernaculaire d’un monde visuel – pour affecter le sens et la teneur émotionnelle de l’histoire au fur et à mesure que le public la vit. Ce voyage m’a emmené dans certains des endroits les plus sublimes du monde et m’a amené aux côtés de certaines des personnes les plus profondément talentueuses que j’ai jamais rencontrées. J’ai l’impression d’avoir appris de chaque acteur, réalisateur et technicien avec qui j’ai collaboré.

Y avait-il des individus spécifiques dans le domaine qui ont influencé votre style ?

Je suis fasciné par l’obscurité et le contraste, à la fois au sens littéral et métaphysique. Et j’ai trouvé que les artistes qui s’intéressent à ces thèmes résonnent avec moi. Souvent, leur parcours personnel reflète le pathos que leurs images incarnent. J’ai tendance à faire référence à des photographes et je me sens particulièrement attiré par Ernst Haas, Gordon Parks, Sally Mann, Gregory Crewdson et Todd Hido.

Gordon Willis, Robby Mueller et Harris Savides sont des directeurs de la photographie dont je m’inspire continuellement. Leur utilisation audacieuse des ombres, des palettes de couleurs contrôlées et une sous-exposition à couper le souffle est une source constante d’inspiration. Ils ont défié le statu quo avec chaque film qu’ils ont réalisé et leurs images dépassent ainsi leurs contemporains. De plus, Darius Khondji m’inspire par sa capacité à danser entre les genres au service de l’histoire tout en créant des images fascinantes. Je regarde Se7en avant de tourner chaque film, car c’est un film qui capture la beauté et la brutalité d’une manière provocante et directe. C’est du genre tout en défiant les attentes.

Comment ta technique/style a-t-il évolué au fil des années ?

Chaque film est sa propre histoire idiosyncrasique qui exige un langage visuel unique pour amener le public dans ce monde et l’expérience du personnage. Au fur et à mesure que j’ai continué à créer, je me sens plus confiant pour prendre des risques afin de renverser les attentes du public. Je pense que je me sentais plus lié par les « règles » du cinéma auparavant. Je prends de plus grands risques avec le mouvement de la caméra, la palette de couleurs, la sous-exposition et l’éclairage à chaque projet que je tourne. Je veux raconter la vision du réalisateur d’une manière qui captive le public et le pousse à se sentir obligé de s’engager dans l’histoire que nous racontons.

Qu’y avait-il dans Spoonful of Sugar qui vous a donné envie de travailler dessus ?

Dès que j’ai lu le traitement et vu les sélections visuelles dans la bobine d’humeur, j’ai été accro. Mais une fois que j’ai lu le scénario et parlé avec Mercedes, j’ai su que je devais faire ce film. Il y avait des références spécifiques à plusieurs de mes photographes et cinéastes préférés, y compris la beauté obsédante de Gregory Crewdson, l’imagerie brutale de Sally Mann, la terreur psychologique de Lynn Ramsay et l’approche singulière de Stanley Kubrick. Notre objectif était de faire un film subjectif et terrifiant. Quelque chose où le langage visuel était l’élément clé de la narration plutôt qu’une réflexion après coup. C’était comme si quelqu’un avait fait un traitement et un scénario juste pour moi.

Quel a été l’aspect le plus difficile de Spoonful of Sugar et comment l’avez-vous surmonté ?

J’ai l’impression que le défi inévitable de chaque film est de gérer vos ressources, vos collaborateurs, votre temps et votre énergie de manière à créer une vision singulière. Sur ce film, le plus grand défi visuel était de concevoir un regard qui se sentait subjectif et inquiétant et emmenait le public dans le monde du psychédélisme.

Certaines des techniques les plus folles pour les séquences LSD que nous avons utilisées impliquaient une prise de vue à 3 images par seconde et un obturateur à 270 degrés pour un effet d’impression par étapes de rêve. Pour créer cette perception déformée de la réalité, nous avons utilisé le coup d’objectif, la vaseline, et j’ai même fini par respirer sur l’objectif entre chaque prise d’une scène pour recréer visuellement l’expérience hors du corps des personnages. Et un peu hilarant, nous avons scotché mes lunettes à l’avant de la boîte mate et tiré à travers le verre texturé de mes lunettes pour simuler la sensation de trébucher.

Il y a un certain nombre de plans époustouflants dans ce film avec un éclairage saisissant, des angles étranges et beaucoup d’atmosphère – un film comme celui-ci est-il le rêve ou le cauchemar d’un directeur de la photographie ?

Pour moi, ce genre de cinéma stylé était un rêve devenu réalité. J’aime créer un langage visuel spécifique et audacieux pour chaque film qui sert la vision des réalisateurs. Ce film m’a donné l’opportunité de prendre beaucoup d’idées avec lesquelles j’avais joué sous une forme courte et de les appliquer à un récit. Cela comprenait l’utilisation de vaseline sur l’objectif, une filtration lourde, du vieux verre vintage, des fréquences d’images hors vitesse et une caméra voyeuriste. Autant que nous pourrions donner au public une perspective déformée de l’espace et de minuscules détails sensoriels, nous les projetterions dans l’espace de tête de Millicent.

Avez-vous des histoires amusantes sur les coulisses de la création de Spoonful of Sugar que vous pouvez partager ?

Mercedes a eu cette idée de tourner une scène entière avec un plan tournant de haut en bas qui a lentement dézoomé de nos personnages principaux. En raison de contraintes budgétaires, nous ne pouvions pas nous permettre une tête à distance pour réaliser cela avec l’objectif zoom 24-290. Nous avons eu du mal à concevoir une solution qui fonctionnerait également dans la petite maison à ossature A, mais nous avons fini par concevoir cette construction en treillis avec une tête Lambda et une corde pour créer cette façon très ancienne de dérouler la caméra.

Comment s’est passée votre collaboration avec Mercedes Bryce Morgan ? À quel point a-t-il été difficile d’accomplir sa vision globale ?

« Pour moi, la beauté est une apparence que vous ne pouvez jamais oublier. Un visage doit sursauter, pas apaiser. » – John Waters

Cette citation était fondamentale dans notre approche. Mercedes est une force de la nature inégalée. J’ai su au moment où je l’ai rencontrée pour la première fois qu’elle ne ressemblait à aucune autre personne ou créateur que j’ai rencontré. Elle a une vision brillante, féroce et approfondie de tout, mais inspire ses collaborateurs à apporter leurs meilleures idées sur la table. Notre processus de préproduction était engageant et passionnant. J’ai senti qu’on entrait dans un beau rythme où les idées étaient fluides et synchrones. Au fur et à mesure que nous avons cartographié les thèmes et les motifs visuels du film, l’ensemble du projet a lentement pris forme et nous avons construit une liste de plans qui mettait en œuvre cette vision de manière globale. La collaboration était la clé.

Chaque jour était une bataille contre la montre, mais nous étions toujours d’accord sur l’histoire que nous racontions. C’est l’une des expériences créatives les plus enrichissantes que j’aie jamais eues. Je ne pense pas avoir jamais fait une suggestion qu’elle n’a pas prise et améliorée, ce qui est un don rare. Parce qu’elle le fait avec chaque département, la vision est cohérente à travers le film.

Y a-t-il des choses que vous avez apprises en travaillant sur Spoonful of Sugar que vous êtes impatient d’appliquer à de futurs projets ?

J’ai utilisé une palette de couleurs sur ce film dont j’avais si peur par le passé. Tonalement, le film passe d’une lumière plus douce avec des ombres profondes à des faisceaux de lumière et à une séparation des couleurs pour le surréalisme. Nous avons utilisé une palette distinctive et limitée d’ambres et de bleus lavande, après nous être inspirés de quelques photographes. J’ai fini par utiliser ce remplissage lavande dans les ombres en utilisant des ampoules Apurture NYX dans des lampes à pince recouvertes des «taies d’oreiller en soie de grand-mère» de mon gaffer !! Nous avons opté pour presque toutes les LED et avons utilisé les Creamsource Vortex 8 et Nanlux 1200 étanches pour la plupart de nos éclairages. Ces deux éléments créent la plus belle lumière dure et les plus beaux puits de lumière que j’ai vus à partir d’une source LED, en particulier le puits parfait créé par le Nanlux. Et nous avons essayé de filmer autant de travail de jour au crépuscule d’une manière que nous allumions pour créer un sentiment plus surréaliste.

Avez-vous d’autres projets à venir dont vous pourriez nous faire part ?

J’ai quelques autres films passionnants qui sortiront au cours de cette année. Plus récemment, j’ai terminé SAW X, et j’ai hâte que les fans et le public découvrent la magie de ce que nous avons fait. Dès le premier jour, j’ai senti que nous pouvions créer le meilleur film de la franchise, et je pense que c’est ce que nous avons fait. De plus, j’ai tourné le premier film de Nicholas Maggio, American Metal, avec John Travolta, Stephen Dorff et Shiloh Fernandez. C’est un film magnifique, transportant et tragique avec des performances profondément émouvantes que j’ai hâte que les gens voient. On dirait que je serai bientôt de retour en selle, tournant un autre film d’horreur érotique dans un mois environ. Mais je ne peux pas en dire trop à ce sujet.