Donner vie à « Frankenstein » : comment l'équipe artisanale de Guillermo del Toro a-t-elle procédé ?
Magazine Jolie Bobine : Le directeur de la photographie, les créateurs de costumes et de production, le compositeur et le maquilleur du film parlent de la création d'un nouveau type de monstre (mais ne l'appelez pas comme ça)
Enfant, Guillermo del Toro dessinait des images de la créature de « Frankenstein » de Mary Shelley ; En tant que jeune cinéaste, il rêvait de créer sa propre version du conte qui avait donné naissance aux films d'horreur classiques pendant une grande partie du siècle dernier. Et maintenant, à 61 ans, le réalisateur oscarisé pour « La Forme de l'eau » et « Pinocchio » et nominé pour « Le Labyrinthe de Pan » et « L'Allée des cauchemars » a enfin réalisé son « Frankenstein ».
Sa vision est un conte gothique monumental qui minimise l'horreur et met l'accent sur le désir et l'angoisse de la créature – le créaturepas le monstre – façonné et animé par le Dr Victor Frankenstein.
« C'est très intense et opératique », a déclaré la costumière Kate Hawley, et c'est une description précise de l'apparence, de la sensation et du son de « Frankenstein ». C'est aussi un film glorieusement romantique et le produit d'un groupe d'artistes et d'artisans extrêmement international, de del Toro (Mexique) aux acteurs Oscar Isaac (Guatemala), Jacob Elordi (Australie) et Christoph Waltz (Autriche), en passant par Hawley (Nouvelle-Zélande), la décoratrice Tamara Deverell (Canada), le directeur de la photographie Dan Laustsen (Danemark), le maquilleur Mike Hill (Royaume-Uni) et le compositeur Alexandre Desplat (France).
Visuellement, le film est stupéfiant. Alors que l'iconographie familière de « Frankenstein » vient en grande partie des films classiques des années 1930 de James Whale, « Frankenstein » et « La Fiancée de Frankenstein », del Toro s'est inspiré de Shelley, Whale, de sa propre imagination et de la créativité de ses collaborateurs.
« J'ai relu 'Frankenstein' de Mary Shelley et nous avons regardé les vieux films », a déclaré Deverell. « Mais en réalité, je l'ai abordé comme si je faisais un film de Guillermo. Pour moi, c'est un film d'époque. Certaines personnes ont dit : 'Non, c'est un fantasme.' Mais c'est vraiment les deux. Guillermo pousse le fantastique, mais sa poussée est basée sur la réalité.
« Et c'est une vision collective. Kate Hawley apporte ses idées de conception pour les costumes, et Dan a des idées sur la façon dont il va les éclairer, et Guillermo nous pousse et nous tire tous. Tous ses chefs de département comprennent quelle est sa vision dès le départ. »
Pour Deverell, les conceptions clés comprenaient le somptueux domaine familial Frankenstein, constitué de cinq endroits différents ; le bateau piégé dans un champ de glace arctique où se déroule le point culminant du film, conçu à l'origine avec du bois sombre mais remplacé par un intérieur blanc, que del Toro considère comme la couleur de la mort ; et la tour-laboratoire où Victor Frankenstein donne vie à sa créature dans l'une des séquences phares du film.
« J'ai essayé de me renseigner sur la science de l'époque et sur les machines à vapeur de l'époque », a déclaré Deverell. « Ces énormes tours de batteries pourraient-elles exister dans un domaine possible ? Pas vraiment, mais j'ai trouvé l'inspiration dans les expériences de (Nikola) Tesla et les expériences de galvanisation avec le corps humain. Et j'ai été affecté par ces premiers films, bien sûr. »
Cette scène était également une pièce maîtresse pour d’autres. « Cette séquence était très compliquée », a déclaré le directeur de la photographie Laustsen, qui a éclairé le film principalement à travers des fenêtres extérieures. « La scène commence alors que le soleil disparaît, devenant l'heure magique, et ils courent vers le toit sous la pluie et les éclairs.
« Mais ensuite nous revenons au laboratoire, et nous passons de la fumée à la vapeur, ce qui est beaucoup plus organique. Ainsi, la fumée disparaît de la pièce, la vapeur entre et les éclairs nous donnent les principales lumières. «
« La beauté de tout ça, c'est que c'est la seule lumière clé que nous avons dans la scène. Quand Victor lève les yeux, par exemple, la foudre frappe et il explose (visuellement), puis il redevient une silhouette. C'était fantastique de le faire, mais très compliqué et un peu un casse-tête au début. »
Le compositeur Desplat avait choisi un violon plaintif comme instrument signature de la créature, mettant l'accent sur sa fragilité et sa délicatesse plutôt que sur la force brute qui transparaît à l'écran. Mais pour la scène de création, il a adopté un son profond et tonitruant qu'il avait évité jusqu'à ce que les éclairs commencent à clignoter et que les machines de réanimation se mettent sous tension.
« Je ne voulais pas que le film ait un son gothique », a-t-il déclaré. « Mais cette sensibilité entre à un moment précis dans la tour. C'est le moment romantique ultime du film, et l'orgue qui fait des arpèges ajoute à cette folie qui se passe avec Victor Frankenstein. »
Pourtant, il restait à l’écart de la musique trop horrible. « Ce serait trop dur, trop sombre, trop sanglant », a-t-il déclaré. « Ainsi, en faisant passer le point de vue du public à celui de Victor, l'artiste qui rêvait du moment où il pourrait enfin réaliser son chef-d'œuvre, vous pouvez capturer son enthousiasme exaltant, sa joie. »
La créature qui se réanime dans cette scène est bien loin de la version standard qui a été incorrectement étiquetée « Frankenstein ». (C'est le nom du créateur, pas de la création.) Contrairement à la créature originale jouée de manière si mémorable par Boris Karloff, ici il n'y avait pas de boulons dans le cou, pas de points de suture lourds.
« Si vous aviez déjà vu un certain nombre de ces créatures cinématographiques de Frankenstein, vous penseriez : 'Mon garçon, ce type a eu un accident et quelqu'un l'a soigné' », a déclaré la maquilleuse Hill. « Nous voulions que vous le regardiez et disiez : 'Non, c'est fraîchement frappé. Quelqu'un fait ce.' »
Hill a créé des motifs géométriques pour suggérer que des morceaux de peau avaient été cousus ensemble selon un motif plutôt qu'après un accident, puis a trouvé des moyens de faire mûrir la créature au fur et à mesure que le film avançait, principalement grâce à ses cheveux qui s'allongeaient. Hill a également consulté des livres de médecine des années 1850 et a travaillé avec Del Toro pour déterminer la couleur de la peau de la créature.
« Avec Guillermo, je peux utiliser un arc-en-ciel de couleurs pastel et il comprend, car il aime la beauté mélangée à la laideur », a-t-il déclaré. « Guillermo souhaitait donner à la peau un aspect d'albâtre, nous avons donc utilisé des teintes roses et bleues qui transparaissent sur certaines zones brunies. »
Au total, 42 pièces prothétiques ont été conçues pour couvrir tout le corps d'Elordi tout en lui permettant de contrôler ses expressions faciales, nécessitant une application de 10 heures et un appel à minuit pour l'acteur certains jours.
La maquilleuse a également ajouté une sorte d'œuf de Pâques sur le front d'Elordi : une seule tache de peau bleu-gris. « C'est un hommage à Boris Karloff, parce que sa peau était bleue Max Factor », a-t-il déclaré. « J'ai rendu hommage à mon héros. »
Quand il était temps d'habiller la créature, Hawley évitait également la version de James Whale. « Ce que nous avons fait vient du texte, où il a des étapes de développement très délibérées », a-t-elle déclaré. « L'imagerie religieuse était très forte dans la scène de la création, et cela ainsi que l'idée de naissance ont dicté les premiers stades de la créature. Son corps a été retiré du champ de bataille de Crimée, tout comme son manteau, nous faisons donc allusion à la sensation de la peau d'un autre homme sur lui.
« Et puis nous avons étudié comment Jacob bougeait, travaillant de l'intérieur vers l'extérieur pour que mes vêtements ne se détachent pas comme une couche externe. »
Pour la tenue d'Isaac en tant que Victor, Hawley s'est concentré sur lui non pas comme un savant fou mais comme un artiste et un dandy du 19e siècle, avec des touches de paons du 20e siècle comme Jimi Hendrix et David Bowie.
« Il a une qualité narcissique et une obsession pour sa mère », a-t-elle déclaré. « Il se passe beaucoup de choses là-bas. »
Et il se passe beaucoup de choses avec les vêtements alors que l'argent de Victor s'épuise et que son travail devient de plus en plus fébrile. « Mon équipe textile ajoutait les taches de son travail : le sang, les déversements d'acide de batterie, l'usure de ces vêtements. »
Toute cette folie a été capturée sur des caméras grand format Arri Alexa 65. « Guillermo m'a dit : 'J'aimerais faire un film classique, mais d'une manière moderne' », a déclaré Laustsen. « La vision de Guillermo est toujours très forte. Pour moi, le film parle d'amour et de pardon, et c'est quelque chose de très puissant en ce moment. »
Cette histoire est apparue pour la première fois dans le numéro Below-the-Line du magazine de récompenses Jolie Bobine. En savoir plus sur le numéro ici.
