Directeur de la photographie Jessica Lee Gagné

Actualités > Directeur de la photographie Jessica Lee Gagné

ComingSoon a eu l’occasion de s’entretenir avec la directrice de la photographie Jessica Lee Gagné, qui a discuté de son travail sur la série Apple TV+ Severance. Gagné a eu un impact précoce et significatif sur l’apparence de Severance, notamment parce que son style de travail avec Stiller est celui d’une collaboration ouverte. Ils sont très créatifs et aiment beaucoup des mêmes films, en particulier le cinéma des années 70.

De plus, Gagné a été le seul directeur de la photographie pour les 9 épisodes, agissant en tant que ligne directrice créative pour l’esthétique saisissante de l’émission. Maintenir cette esthétique pendant 9 épisodes consécutifs – chacun d’une durée de 40 à 57 minutes – est un exploit de taille. Le travail a payé. Severance a été renouvelé pour une deuxième saison le 6 avril, deux jours avant sa finale de saison louée, et l’émission se situe actuellement à 98% presque parfait sur Rotten Tomatoes.

CONNEXES: Interview: Doctor Strange dans le multivers de l’écrivain Michael Waldron

Jeff Ames : Qu’est-ce qui vous a amené dans le monde du cinéma ?

Jessica Lee Gagné: Oh, c’est une grande question. Eh bien, quand je grandissais, je travaillais et jouais dans le magasin de vidéos de mon père et j’allais au cinéma pour regarder beaucoup de films, principalement des films américains avec ma famille. C’était une partie assez importante de notre vie. Inconsciemment, je pense que je m’entraînais à faire des films. Je ne savais pas que c’était une chose de faire des films. Personne dans ma famille n’était artistique et il n’y avait aucune expérience de production d’aucune sorte. Alors, il m’a fallu du temps pour réaliser que c’était une vraie carrière. J’ai décidé que je voulais étudier le cinéma quand j’avais 17 ans quand j’ai lu le programme à l’université selon lequel vous pouviez étudier cela.

La cinématographie est venue plus tard quand j’étais à l’université à Montréal quand j’avais environ 20 ans et j’ai réalisé que j’étais très obsédé par les caméras et l’esthétique et que je ne pouvais pas m’en sortir.

Y a-t-il un directeur de la photographie qui vous a vraiment impressionné et qui a façonné votre style ?

Quand j’ai compris que j’aimais la cinématographie, qui était à mi-chemin de l’université – avant que ce ne soit plus une question de réalisateur pour moi – Gordon Willis était mon plus grand amour en termes de cinématographie. Son travail, notamment avec [Alan J.] Pakula pour moi était juste la définition de la cinématographie. Cela a vraiment imprimé quelque chose en moi.

Alors, avec votre style en particulier, comment avez-vous évolué au cours des années qui ont précédé Severance ?

Quand j’ai commencé, mon esprit était concentré sur le fait de faire tout ce que vous pouviez – et faites-le! Faites-le vraiment et vous vous améliorerez. J’étais vraiment inconscient de mon travail au début parce que je n’obtenais pas les résultats que je voulais et je ne savais pas comment utiliser les outils. J’ai commencé à travailler comme directeur de la photographie dès le départ. Je n’ai rien fait d’autre.

Donc, mes premiers films et courts métrages – j’ai participé à beaucoup de courts métrages – c’étaient des essais et des erreurs et vraiment pour apprendre à faire des choses. J’y allais toujours sans vraiment savoir comment faire les choses. J’ai fait comme si je savais le faire, comme si j’avais une certaine confiance en moi et que ça m’a permis de le faire. Mais il a fallu de nombreux projets pour arriver là où je suis maintenant. Je n’ai pas tourné beaucoup de vidéoclips ni beaucoup de publicités. Je n’ai certainement pas emprunté cette voie. Je voulais faire des films. C’est ce qui m’a poussé à être dans cette industrie. Alors, j’ai commencé à faire des courts métrages qui sont devenus des films plus longs. Et le fait que je faisais cela m’a aidé à accélérer mon chemin dans le monde de la fiction et à avoir une certaine confiance en le faisant.

Je pense que beaucoup de jeunes directeurs de la photographie ne veulent rien faire à moins que ce ne soit parfait. Je me disais: « Je veux juste faire des films. » J’ai l’impression que toutes mes erreurs sont là. Vous pouvez tous les voir. Mais ces erreurs ont fait de moi le directeur de la photographie que je suis aujourd’hui. J’apprécie chaque chose que j’ai faite.

Est-ce que tout le temps que vous avez passé à travailler sur des films vous a facilité le travail sur Severance ?

Personne ne m’a jamais demandé ça, mais ça change tout. Je n’ai jamais été intimidé par la longueur ou la taille des projets, car tout menait au suivant. Chaque projet m’a apporté le suivant ou parfois des connexions vraiment étranges. Le fait que j’ai continué à grandir et à grandir et à me pousser, j’étais constamment à l’aise avec ça. Escape at Dannemora était la première fois qui m’intimidait principalement à cause du pouvoir des stars, mais la taille des décors n’était pas intimidante parce que j’avais travaillé en Inde sur un gros film avec de grands décors avec des centaines de personnes. Parfois, il y avait environ trois cents personnes sur le plateau.

J’ai continué à vivre ces expériences incroyables et je pense que c’est parce que je canalisais le désir de travailler sur des films américains depuis l’âge de dix ans. J’ai grandi en regardant des trucs américains et je savais que je voulais faire ce genre de projets plus importants parce qu’ils m’ont marqué quand j’étais enfant. Maintenant, c’est intéressant de repenser en quelque sorte ce que je veux en termes d’authenticité. Mais c’est ce avec quoi je suis à l’aise, c’est ce que j’ai grandi en regardant.

Les gens ne voient pas vraiment ça en moi, ils voient cette personne qui vient d’un monde Indie. J’ai travaillé avec beaucoup de cinéastes vraiment obscurs mais je n’ai jamais vraiment connecté ou senti que j’avais un lien fort jusqu’à ce que je travaille avec Ben [Stiller], parce qu’il canalise là où je voulais vraiment aller en tant que cinéaste. Cela pourrait être une conversation trop intense [laughs], mais c’est là que je suis à l’aise. Je suis très à l’aise avec ce genre de narration. Je viens de le voir.

CONNEXES: Interview: The Lincoln Lawyer Stars Becki Newton, Jazz Raycole et Angus Sampson

Quels ont été certains des défis que vous avez rencontrés sur Severance?

Covid était le défi numéro un, je dirais. Nous avons commencé Severance avant Covid, j’ai commencé en octobre 2019. Je venais de terminer This is America. Nous avions fait la partie new-yorkaise et je suis allé directement à la recherche de visuels pour Severance. C’était aussi difficile de ne pas avoir de pause. La machine commence à monter en puissance et nous étions à environ un mois du tournage, puis Covid a frappé et personne ne savait ce qui se passait. Ce processus, puis le retour au travail avec une équipe qui avait peur – personne ne savait ce qui se passait vraiment. Et puis devoir être dans un environnement où vous tirez et faites face au stress des tests tous les jours, en vous demandant: «Oh mon Dieu, est-ce que je vais être testé positif, je ne verrai personne ces jours-ci, je Je vais être isolé. Toute la partie isolement de Covid était la partie la plus difficile de Severance. Cela a affecté tout ce que nous faisions.

J’ai lu que vous avez basé vos visuels pour Severance sur « Office » de Lars Tunbjörk. Pouvez-vous parler de ça?

Je fais beaucoup de recherches visuelles, ça fait partie de ma démarche. Je suis un visualiseur. J’ai toujours été comme ça. Quand je trouve le visuel que je veux, je le sais tout de suite. Je ressens la même chose pour les appareils photo et les objectifs. Lorsque je mets l’objectif sur l’appareil photo, je fais cette recherche au début par moi-même. J’ai un sentiment à l’intérieur et tout s’aligne. Je suis vraiment excité.

Je suis allé à ce salon de la photo et j’ai trouvé le livre de Tunbjörk. Jusqu’à ce moment-là – c’était à l’automne 2019, c’était avant que je commence à travailler sur la série en septembre – et j’ai tout de suite envoyé un texto à Ben et je me suis dit: «Oh mon dieu, c’est ça. Je comprends maintenant. Je ne l’avais pas vraiment compris et quand cela est arrivé, cela a vraiment ouvert la porte à la photographie de bureau. J’ai aussi commencé à regarder Lewis Baltz qui a un livre intitulé « Sites of Technology », qui est super intéressant. Vous pouvez voir une grande partie de l’esthétique de Severance là-dedans. Et puis Lynne Cohen m’est venue à l’esprit, qui est une photographe que je trouvais vraiment cool quand j’étais à l’école à Concordia. C’était une brillante photographe.

Beaucoup de ces visuels sont apparus lorsque Ben, Jeremy (le concepteur de la production) et moi nous sommes liés par ces images étranges. Comme, « Oh mon Dieu, ce ne serait pas cool d’avoir un espace qui a une fontaine d’eau », je ne sais pas, peu importe, mais c’était vraiment amusant à explorer. C’était comme une nouvelle langue.

Travailler sur les neuf épisodes a-t-il rendu plus difficile la recherche de moyens uniques de filmer ces espaces ?

Eh bien, au début, je ne voulais pas faire Severance, mais l’une de mes conditions était que je devais tourner les neuf épisodes [laughs]. Ben n’était pas sûr de tous les faire, puis Aoife [McArdle] est venu et ils les ont séparés – Ben en a fait six, Aoife en a fait trois – et je me disais: « Quoi qu’il arrive, je dois tourner chaque épisode. » Je savais que quelqu’un devait être là visuellement tout le temps. Il y a quelques scènes que je n’ai pas faites et qu’un de mes amis nommé Matt Mitchell est venu faire, parce que Ben et Aoife tournent en même temps. Je choisissais les scènes que je ferais avec chacune d’elles en fonction de leur importance, puis parfois Ben pouvait passer outre cela, mais en fin de compte, je voulais en faire le plus possible. C’était pour s’assurer que le spectacle évoluait continuellement et qu’il avait un sens linéaire dans son ensemble.

Pour revenir à votre question sur le fait d’être intimidé par une émission plus importante comme celle-ci, en termes d’épisodes et de volume de travail – c’est tout ce qui me pousse à faire de la télévision. J’ai fait je ne sais combien de courts métrages, neuf films et c’est ma troisième série et je suis enthousiasmé par le défi d’évoluer tout au long d’un spectacle. Mettre le public à travers un voyage et le faire grandir visuellement tout au long du processus. C’est difficile à faire quand vous avez cinq réalisateurs différents et trois directeurs de la photographie, ce qui s’est passé sur Mme America.

Le tournage des neuf épisodes a facilité les choses, je pense. Ben et moi avons beaucoup appris. Ce n’était pas toujours facile pour Ben ou Aoife, et peut-être que j’étais égoïste, mais finalement je pensais que c’était ce dont la série avait besoin.

Y a-t-il des motifs visuels auxquels vous souhaitez que le public prête attention lorsqu’il regarde la saison 1 ?

Je viens de faire une interview et j’en ai parlé une ou deux fois, mais quelque chose d’intéressant s’est passé sur Severance – et je ne sais pas si nous nous sommes déjà dit quelque chose à fond – mais nous savions tellement à quoi cette émission allait ressembler comme et une fois que nous avons commencé à le faire, c’était comme, « Ouais, ouais, ouais, c’est Severance. » Nous savions que le monde intérieur était esthétiquement très axé sur la sécurité, mais je ne pense pas non plus avoir réalisé à quel point le monde extérieur était axé sur la sécurité et axé sur la sécurité. Il y a cette esthétique constante « Vous êtes surveillé » à l’intérieur de Severance, et je pense que nous avons très bien réussi cela. Et dans le monde extérieur, il y a tellement de choses… c’est juste différent.

★★★★★

A lire également