CIFF 2024: Vermiglio, The Sparrow in the Chimney, Super Happy Forever
Bien que les tarifs plus légers soient toujours appréciés, je m'attends à ce que la plupart des films que je regarde dans les festivals soient sombres et lourds. Cela donne à réfléchir et est réconfortant de voir la manière dont les créatifs tentent de donner un sens aux cruautés du monde, du dysfonctionnement familial à la perte d'êtres chers (pour ne citer que quelques adversités récurrentes). De tels films semblent d'autant plus appropriés au CIFF que la fin du festival marque également une transition où le confort de l'automne commence à se transformer en le froid plus rude de l'hiver. Les films de cette dépêche capturent cette métamorphose désarmante de l’effervescence et de la beauté à une obscurité plus profonde qui se cache sous la surface.
La réalisatrice Maura Delpero «Vermiglio», qui a remporté le premier prix, le Gold Hugo, au festival, est salué pour la façon dont il rend les températures glaciales à haute altitude intimes et invitantes. Les tout premiers moments documentés par Delpero sont ceux des rythmes et des activités quotidiennes de la famille : traire la vache, préparer les repas et faire la lessive. Il y a de l'affection et de l'assurance dans ces mouvements ; ces actions soutiennent la communauté et apportent de la joie. Savoir comment avancer lorsque ces activités sont interrompues deviendra une tribulation clé pour la famille et souligne l'un des thèmes principaux du film : plus les choses changent, plus elles restent les mêmes.
Se déroulant pendant les derniers instants de la Seconde Guerre mondiale, les personnages principaux du film sont trois sœurs : Lucia (Martina Scrinzi), Ada (Rachele Potrich et Flavia (Anna Thaler). Lorsque Pietro (Giuseppe De Domenico), un soldat sicilien qui a fui la guerre, arrive en ville, lui et Lucia entament une relation amoureuse. Ce changement de rythme permet de se libérer et d'imaginer une nouvelle réalité pour chacun à des degrés divers. En même temps, le père des sœurs (Tommaso Ragno) essaie. de son mieux pour garder son emprise sévère et de fer sur sa famille.
Alors que « Vermiglio » avance dans sa conclusion, il fonde ses nombreuses idées, depuis la façon dont l'endoctrinement religieux peut limiter la capacité des gens à rêver jusqu'au fait que ceux dont les pays sont en guerre ne peuvent jamais vraiment échapper à son influence, aussi isolés soient-ils, en passant par le retour fréquent à la démonstration de la routine familiale. Cela évite au film de se perdre dans les herbes folles de tout ce qu'il tente de transmettre ; Le film de Delpero décrit discrètement le changement, mais s'intéresse aux perturbations progressives qui peuvent changer et perturber le statu quo du pouvoir. Ceci est particulièrement évoqué dans la façon dont elle présente cette communauté comme un peuple à la fois renforcé par la beauté qui l’entoure et contraint. En voyant Lucia, Ada et Flavia travailler la terre, nous constatons à quel point elles sont petites par rapport à l'immensité de la nature qui les entoure. Il y a un contentement enraciné dans le confort de la famille, mais ils veulent aussi se libérer.
Moins un portrait de dysfonctionnement familial qu'une dépêche depuis les premières lignes d'un foyer en guerre contre lui-même, le livre de Ramon Zürcher « Le moineau dans la cheminée » est un film trempé de venin, souvent drôle et profondément troublant dans la façon dont il dépeint des familles qui ne ressentent pas le besoin de cacher leur vitriol derrière des plaisanteries. Se déroulant pendant un week-end, deux sœurs, Karen (Maren Eggert) et Jule (Britta Hammelstein) se réunissent pour célébrer l'anniversaire du mari de Karen, Markus (Andreas Döhler). Entre les différents repas, soirées dansantes et piscine, la relation tumultueuse entre Karen et ses trois enfants, l'aînée, Christina (Paula Schindler), la lycéenne Johanna (Lea Zoë Voss) et le plus jeune, Leon (Ilja Bultmann) menace pour défaire la paix fragile. Bien que ce soit à des degrés divers, Christina, Johanna et Leon ne peuvent cacher leur mépris pour leur mère et Zürcher ratisse le public à travers les fragments de leur relation fracturée, repoussant les limites du nombre de scènes de comportement grincheux et de maladresse sociale que nous pouvons prendre.
Karen n'est pas du tout irréprochable car elle ordonne fréquemment à ses enfants, les rabaisse et les traite davantage comme des serviteurs que ses propres enfants. Au début du film, ses enfants, en particulier la fougueuse Johanna, s'affrontent avec leur mère et se faufilent entre les plaisanteries pour ne pas rendre le temps difficile à Jule, son mari Jurek (Milian Zerzawy) et leur fille Edda (Luana). Greco), leurs combats deviennent vite plus intenses. Dans le même temps, Jule et Karen ont leurs griefs l'un contre l'autre tandis que Markus tente en vain de garder cachée sa liaison avec la promeneuse de chiens de la famille, Liv (Luise Heyer). Alors que nous sommes témoins de toutes ces inquiétudes et de tous ces secrets qui se heurtent d’abord dans des murmures feutrés, puis dans des querelles verbales et physiques, Döhler élabore une histoire impitoyable sur ce qui se passe lorsque les vices dansent avec abandon.
Une grande partie de l'humour noir vient du caractère neutre (et violent) du dialogue, en particulier entre les parents et leurs enfants. « Ne pense pas que je t'aime simplement parce que tu es ma mère », dit Johanna à Karen à un moment donné ; c'est probablement l'interaction la plus docile qu'ils ont entre eux, celle qui est beaucoup plus profonde lorsqu'elle est dite nonchalamment que si elle était criée. Zürcher crée également un sentiment palpable de claustrophobie dans la belle maison où la famille est réunie, perturbant cette illusion de sécurité et d'intimité. Il existe de nombreux moments où les personnages se révèlent en privé leurs émotions ou leurs sentiments à l'égard d'un autre membre de la famille, pour ensuite révéler la personne dont ils parlent debout et les regardant en dehors du cadre.
Alors qu'environ la première moitié du film se délecte de la manière dont les membres de la famille se blessent (ou les animaux et les voisins qui osent les croiser), la seconde moitié se transforme en une exploration plus fantastique et lucide de l'angoisse, un choix qui souligne encore davantage la façon dont la rage et les frustrations que les membres de la famille se provoquent est à la fois métaphysique et incarnée ; les sentiments évoqués sont presque surnaturels. C'est dans ces séquences, où les personnages cèdent à leurs hallucinations, visions et désirs, que Zürcher compose certaines de ses images les plus troublantes (désolé, « Tenet » et « Evil Dead Rise », mais il y a une séquence impliquant une râpe à fromage qui est loin d'être la même). plus sanglants et plus courbés que ceux de ces films).
Ensuite, il y a « Super heureux pour toujours » sans doute le plus léger des trois mais celui dont la lueur rayonne depuis un centre douloureux. Le réalisateur Kohei Igarashi partage son récit entre deux chronologies, 2023 et 2018, et le film évolue de manière transparente entre elles. De nos jours, Sano (Hiroki Sano) voyage avec son ami Miyata (Yoshinori Miyata) dans la ville côtière japonaise d'Izu, où en 2018, Sano a rencontré et est tombé amoureux de sa défunte épouse, Nagi (Nairu Yamamoto). Au cours de ces années intermédiaires, la pandémie a fait des ravages dans un hôtel qui revêtait une grande importance à la fois pour Sano et Nagi, et Sano décide de s'enregistrer à l'hôtel en souvenir du bon vieux temps, en espérant que cet acte ramènera des souvenirs et un sentiment renouvelé. de détermination même s'il lutte contre son chagrin. Entre les moments de souvenir de Sano, Igarashi raconte comment Sano et Nagi sont tombés amoureux, leurs développements relationnels et relationnels toujours teintés d'une aura de tragédie, étant donné que les téléspectateurs connaissent la destination de leur voyage romantique.
La structure d'Igarashi met en valeur et sature les moments avec un éventail complexe d'émotions au-delà de ce qui se trouve en surface. Il privilégie un cadrage qui rend les personnages petits et mineurs par rapport à l'immensité de la beauté qui les entoure ; alors que Sano fait des allers-retours sur le même littoral, les clichés évoquent un sentiment de détermination et d'agonie ; il est seul dans son chagrin, et pourtant il y a beaucoup de beauté autour de lui qui lui manque par la suite s'il reste uniquement défini par sa tragédie.
« Super Happy Forever » montre de manière fantaisiste comment les souvenirs sont autant dans notre corps que dans notre esprit et comment visiter à nouveau certains endroits agit comme des portails vers une compréhension plus riche que de réfléchir sur des choses dans nos têtes. Cela nous incite à ne pas avoir peur de perdre nos expériences avec le temps. Nos souvenirs sont comme les vagues qui s'écrasent sur la côte : disparues un instant, puis présentes l'instant d'après.
