Changemakers 2023 : 25 femmes qui ont fait la différence cette année

Changemakers 2023 : 25 femmes qui ont fait la différence cette année

Les médias ont connu une nouvelle année tumultueuse. En mai, la Writers Guild of America s’est mise en grève, ce qui a entraîné l’arrêt de la plupart des productions télévisées, le report des remises de prix et la mise en veilleuse de nombreux films. Puis, en juillet, le syndicat des acteurs a suivi le mouvement, faisant grève (à l’instar de leurs homologues de la WGA) pour obtenir de meilleurs salaires et des protections contre le remplacement par des IA. Ces deux grèves ont laissé Hollywood dans l’incertitude jusqu’à ce que, le mois dernier, les deux syndicats parviennent à un accord avec l’Alliance des producteurs de cinéma et de télévision.

Pour notre quatrième liste annuelle Changemakers (en conjonction avec le Power Women Summit, qui en est à sa sixième année), nous saluons 25 femmes de tous les horizons de la culture qui se sont distinguées en 2023 par leur créativité, leur courage et leur leadership. Outre une couverture numérique spéciale présentant la star de la nouvelle comédie musicale à grand spectacle « La couleur pourpre », vous y trouverez la fougueuse présidente de SAG-AFTRA, dont la gestion inébranlable a permis aux acteurs de conclure un accord historique d’un milliard de dollars ; la cinéaste visionnaire dont le dernier film aborde le racisme américain à travers le prisme du nazisme et du système de castes indien ; le duo dynamique à l’origine du plus gros succès de l’année au box-office ; l’éblouissante star de Martin Scorsese qui a fait une entrée fracassante dans le drame sur le meurtre des Osages dans les années 1920 ; l’irrépressible nageuse de marathon qui a réalisé l’impossible à 64 ans – et la légende nommée aux Oscars qui l’incarne dans un nouveau biopic. Au-delà de l’industrie du divertissement, nous saluons également un dénonciateur de la Maison-Blanche et deux militants pacifistes intrépides qui ont été enlevés, pour l’un, et assassinés, pour l’autre, par le Hamas en octobre.

Nous levons notre verre à chacun d’entre eux.

ACTEURS

Annette Bening

« Nyad
Photo par Getty Images

Annette Bening triomphe dans « Nyad » de Jimmy Chin et Chai Vasarhelyi en incarnant Diana Nyad, 64 ans, qui, en 2013, est devenue la première personne à parcourir 110 miles à la nage, de Cuba à la Floride, sans utiliser de cage à requins. Bening s’est entraînée intensivement pour ce rôle, travaillant avec un entraîneur olympique et nageant environ six heures par jour pour se rapprocher des compétences de Nyad en tant qu’athlète d’élite. Sa performance est impressionnante, tant sur le plan physique qu’émotionnel : Sa Diana est une figure intransigeante d’ambition et de persévérance, des qualités dont Nyad s’est enorgueillie sur la voie de sa victoire. « J’étais ravie à l’idée d’essayer de donner vie à l’extraordinaire accomplissement de Diana », a déclaré Mme Bening à Jolie Bobine. « En apprenant à la connaître, j’ai été immédiatement attirée par son intensité, son charme, son intelligence et son humour.

Plus elles passaient de temps ensemble, plus elles parvenaient à s’ouvrir l’une à l’autre. Nyad est connue pour sa personnalité plus grande que nature et ses aspérités (que le film ne minimise pas), mais Bening a été particulièrement touchée par la curiosité et la tendresse de Nyad. « Son regard m’a émue », a déclaré la quadruple nominée aux Oscars. « Son amour pour son équipe de nageurs, ses recherches approfondies sur l’histoire de sa propre famille et, bien sûr, les détails de ce que cela lui a fait de recommencer à nager à l’âge de 60 ans après avoir pris 30 ans de congé, alors qu’elle savait qu’elle devait tenter l’Everest des nages ».

Les amitiés féminines ont toujours fait partie des aspects les plus significatifs de la vie de Bening, qui était donc ravie d’explorer l’une de ces relations à travers Nyad et Bonnie Stoll (interprétée par Jodie Foster). « Diana et Bonnie ont une amitié profonde et profonde, compliquée et aimante, drôle et épicée, pleine d’histoire, de nuances et d’affection mutuelle », a déclaré Mme Bening. « C’est le pouls vital du film. Lorsque Jodie a accepté de faire le film, j’étais aux anges. Nous étions fous d’eux deux, et nous avons développé un respect et une confiance mutuels.

Lorsqu’on lui a demandé ce qu’elle ressentait en tant que « Changemaker », Mme Bening a répondu : « Ceux d’entre nous qui sont sous les feux de la rampe ont la chance de pouvoir mettre en lumière des questions et des causes qui leur tiennent à cœur. J’essaie donc d’exprimer ma gratitude dans tout ce que je fais ». Parmi ses contributions aux causes qui lui tiennent à cœur, elle est présidente du conseil d’administration de l’Entertainment Community Fund, une organisation caritative qui soutient financièrement les artistes et les personnes qui travaillent dans les coulisses des arts. « Pendant la grève, nous nous sommes tous attachés à collecter des fonds pour notre fonds d’arrêt de travail, en raison des énormes difficultés financières que traversaient un grand nombre de nos collègues », a-t-elle déclaré. « J’ai soutenu la grève à 100 %. Mais le nombre de personnes derrière et devant la caméra qui perdaient leur maison, qui ne pouvaient pas payer leurs factures médicales ou même acheter des produits alimentaires me brisait le cœur. L’ECF est une organisation de services sociaux éthique et bien gérée dont nous pouvons être fiers dans le show-business ». –Tomris Laffly


Danielle Brooks

« La couleur pourpre
Photo par Jeff Vespa

Danielle Brooks connaît Sofia grâce à « La couleur pourpre » : Elle a été nommée aux Tony Awards pour son interprétation de la jeune femme au franc-parler dans la reprise de la comédie musicale à Broadway. Mais lorsqu’il s’est agi de reprendre le rôle pour la nouvelle adaptation au grand écran (basée sur le roman d’Alice Walker de 1982), elle savait qu’elle devait faire face à un défi différent. Elle s’est donc tournée vers la personne que nous aimerions tous pouvoir rencontrer : Oprah Winfrey, qui a joué Sofia dans le film de 1985 réalisé par Steven Spielberg et qui est productrice (avec Spielberg et Quincy Jones) du nouveau film réalisé par Blitz Bazawule. Winfrey a partagé une citation de Maya Angelou : « Vous venez seul, mais vous êtes 10 000.

« Ce sont des chaussures énormes à remplir, non seulement à cause de l’héritage de Miss O, mais c’est vrai, je représente les 10 000 », a déclaré Brooks, faisant référence à la fois aux nombreuses Sofia réelles et à toutes les actrices qui l’ont incarnée au fil des ans. « Ce qu’elle a fait (dans son interprétation) a changé la vie de tant de personnes en raison de la guérison qui s’est produite. Je sais que j’ai la même responsabilité ».

Aujourd’hui, elle récolte les fruits de sa performance. « Les gens m’écrivent des monologues dans leurs messages instantanés. Je reçois des mémos vocaux de cinq minutes. Je reçois des appels de personnes dont je n’ai jamais entendu parler depuis des années », a déclaré Mme Brooks. « J’essaie d’apprendre à assumer mon pouvoir, et c’est passionnant de commencer à devenir la personne que l’on est à l’intérieur sans avoir de doutes. Pendant des années, j’ai eu des doutes : suis-je assez bien ? Puis-je vraiment réaliser les choses que je ressens au fond de moi comme étant possibles ? J’en suis maintenant au point où je crois que c’est possible. –Kristen Lopez

Pour en savoir plus sur Danielle Brooks et « La couleur pourpre », cliquez ici.


Lily Gladstone

« Les tueurs de la lune fleurie »
Photo par Jeff Vespa

Le film envoûtant de Kelly Reichardt « Certain Women », sorti en 2016, n’était pas la première fois que Lily Gladstone honorait le grand écran de sa maîtrise tranquille. Mais c’est la première fois que le public a remarqué ses qualités de star. L’actrice amérindienne de la nation Blackfeet a attiré notre attention avec une sorte d’aura saisissante dont nous ne pouvions pas nous détacher.

Aujourd’hui, Gladstone se retrouve sous les feux de la rampe avec l’épopée brûlante de Martin Scorsese, « Killers of the Flower Moon », qui raconte l’histoire poignante de la période des années 1920 au cours de laquelle un groupe d’hommes blancs de l’Oklahoma a assassiné systématiquement des Osages pour s’emparer de leurs terres riches en pétrole et de leur argent. Dans le rôle de Mollie Kyle, une femme Osage qui vit un mariage toxique avec le rusé Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio), Gladstone est le cœur du film – et une candidate sérieuse pour une nomination à l’Oscar de la meilleure actrice.

La performance saisissante de Gladstone lui a valu une attention qu’elle n’avait jamais connue auparavant – et avec elle, une influence nouvelle. « Ce qui me donne beaucoup de pouvoir, si c’est le bon mot, c’est que je suis mieux placée pour plaider dans des salles avec des gens qui peuvent changer les choses immédiatement », a-t-elle récemment déclaré à Jolie Bobine. « Je n’aime pas nécessairement le cliché de l’ouverture des portes. Il s’agit de mettre la table. Il y a une chance d’amener la communauté à la table d’une manière que je n’ai pas vraiment eu l’occasion d’influencer auparavant.

Son objectif est de multiplier les occasions pour le public autochtone de se voir représenté dans tous les types de rôles, reflétant ainsi la riche diversité des 574 nations reconnues. « Je pense que les gens, lorsqu’ils veulent inclure des histoires amérindiennes, ont souvent l’impression qu’ils doivent les intégrer ou créer un espace où il serait possible d’avoir une personne amérindienne », a-t-elle déclaré. « Nous sommes partout. C’est donc l’une de mes autres aspirations : contribuer à élargir un peu notre objectif pour nous placer dans ces moments où nous aurions toujours dû être.

Quelle que soit la destination du film de Scorsese, Gladstone reste fidèle à ses racines indépendantes. Elle a remporté un Gotham Award pour sa performance principale dans « The Unknown Country », le road movie discret et partiellement improvisé de Morrisa Maltz qui traite du deuil (et pour lequel Gladstone a reçu un crédit d’écriture). Elle joue également dans « Fancy Dance » d’Erica Tremblay, une histoire contemporaine (actuellement non distribuée) qui aborde l’épidémie de disparitions et de meurtres de femmes autochtones, un sujet en dialogue avec « Killers » et la mission de l’organisation à but non lucratif « National Indigenous Women’s Resource Center » (NIWRC), avec laquelle Gladstone travaille en étroite collaboration. « Fancy Dance » est « l’un de mes films préférés », a déclaré M. Gladstone. –TL


Aria Mia Loberti

Actrice, « All the Light We Cannot See » (Toute la lumière que nous ne pouvons pas voir)
Photo de Victoria Stevens

Aria Mia Loberti est actrice pour la première fois, mais on ne le dirait pas en regardant « All The Light We Cannot See » de Shawn Levy, une mini-série Netflix en quatre parties que Loberti élève avec la finesse d’une interprète chevronnée. C’est peut-être parce qu’elle a toujours voulu être actrice. « Mais j’ai écrasé ce rêve quand j’avais six ou sept ans », a récemment déclaré Mme Loberti, qui est malvoyante, à Jolie Bobine. « Dans toute communauté marginalisée, le monde vous dit ce qu’il attend de vous et vous confine dans un espace particulier. Je n’ai jamais pensé que c’était une possibilité, pas plus que d’être un spécialiste des fusées ou d’aller sur la lune.

Mme Loberti a donc poursuivi d’autres ambitions et s’est constitué un CV universitaire impressionnant en étudiant les sciences politiques, la philosophie et l’histoire de la communication. Elle a obtenu une maîtrise à l’université Royal Holloway de Londres en tant que boursière Fulbright. Puis elle a été acceptée dans un programme de doctorat en rhétorique ancienne à Penn State. Mais quelque chose ne tournait pas rond. Elle était malheureuse et ne savait pas comment changer de carrière pour s’orienter vers des activités plus créatives.

C’est alors qu’elle a reçu un SMS d’un ancien professeur l’informant des auditions à venir pour le projet de Levy. Et la voilà en compétition – et battue – avec d’innombrables candidats du monde entier pour le rôle principal d’une adaptation du roman d’Anthony Doerr, lauréat du prix Pulitzer, qui a toujours eu de l’importance pour elle. « Chaque fois que j’ai déménagé, ce livre était sur mon chevet », a déclaré Mme Loberti en riant. « Shawn a fait un travail fantastique en distillant cette histoire de manière à ce qu’elle soit accessible à tous.

Le film raconte l’histoire de Marie-Laure LeBlanc, une Française aveugle qui croise la route d’un soldat allemand pendant la Seconde Guerre mondiale. Le réalisateur et la star ont établi une relation de confiance pendant le tournage, Loberti apprenant le langage de l’acteur, tandis que Levy désapprenait les idées fausses sur la cécité. « Les médias ont renforcé les stéréotypes, et même dans de belles œuvres d’art, certains stigmates inappropriés ont été renforcés sans qu’on le sache », a déclaré Loberti. « Nous avons vu la cécité représentée par des expressions vides. Lorsque je suis arrivée sur le plateau, les gens s’attendaient à travailler avec quelqu’un de très différent d’eux. Ce n’était pas le cas. C’est pourquoi (Shawn et moi) nous apprenions l’un à l’autre chaque jour ».

Loberti a réalisé presque toutes ses propres cascades, mettant à profit son passé athlétique d’ancienne ballerine. « Je me suis noyée dans une grotte. J’ai appris à tirer avec un revolver Colt de 1917. J’ai été soufflée par une grenade », a-t-elle déclaré. « J’étais entourée d’une équipe extraordinaire qui s’assurait que tout se passait bien.

Loberti croit au pouvoir de changer le monde qu’a la narration – et même si elle sait que la porte est toujours ouverte pour retourner à son doctorat, elle veut continuer sur sa nouvelle voie. « J’ai définitivement brisé un plafond de verre en tant qu’artiste aveugle dans un rôle important dans une production de ce calibre. Mais je ne veux pas me couper de ces éclats », a-t-elle déclaré. Je pense beaucoup aux artistes qui viendront après moi ». –TL

MUSICIENS

Beyoncé

Chanteuse, compositrice, réalisatrice
Photo par Getty Images

Taylor Swift

Chanteuse, auteur-compositeur
Photo par Getty Images

Demandez à n’importe qui, n’importe où dans le monde, de citer les plus grandes stars de la musique, et il y a de fortes chances que la réponse soit : Beyoncé et Taylor Swift.

Et pour cause. Avec leurs styles musicaux distincts couvrant plusieurs genres, leurs charismes étourdissants et la dévotion sans bornes de leurs fans du monde entier, Beyoncé et Swift ont redéfini la célébrité de la musique pop pour le XXIe siècle. Et quelle année 2023 pour ces deux femmes, qui figurent désormais officiellement parmi les artistes musicaux ayant vendu le plus de disques de tous les temps. En novembre 2023, l’Association américaine de l’industrie du disque (Recording Industry Association of America) a estimé à plus de 174 millions le total des ventes de Beyoncé en tant qu’artiste solo. En juillet, Swift a classé son douzième album numéro un au Billboard, battant ainsi le record de Barbara Streisand. Elle est devenue non seulement la première artiste vivante en 60 ans à avoir quatre albums simultanés dans le Top 10 du Billboard, mais aussi la première femme (et la seule artiste solo vivante) à avoir 11 albums simultanés dans le Billboard 200 depuis que la liste a pris sa forme actuelle en 1963.

Il n’est donc pas étonnant que le « Renaissance Tour » de Beyoncé et le « Eras Tour » de Swift aient tous deux été les billets les plus prisés de l’été dernier, battant des records de vente et contribuant à hauteur de 5,4 milliards de dollars à l’économie américaine. Selon les estimations, Beyoncé devrait gagner 579 millions de dollars grâce à ses concerts, qui se sont déroulés dans 39 villes sur 56 dates ; Swift pourrait rapporter jusqu’à 4,1 milliards de dollars grâce à sa tournée en cours.

Bien sûr, leur succès ne se résume pas à des chiffres. Il y a aussi cet ineffable ingrédient émotionnel qui maintient leurs fans – le monde entier, en fait – captivés. Les Swifties se sont échangé des bracelets d’amitié lors des concerts. Et les 2,7 millions de membres de la ruche Bey qui se sont procuré des billets pour la tournée Renaissance ont répondu à l’appel de la reine et se sont habillés de paillettes argentées. Comme l’a fait remarquer Fri Forjindam, expert en stratégie de divertissement, à TheGrill en octobre, « il ne s’agit pas seulement de voir les artistes ; il doit y avoir quelque chose de plus profond, et il doit s’agir d’une expérience partagée qui vous permet de vous sentir authentique et d’avoir un rôle à jouer ». Beyoncé et Taylor Swift ont montré que c’était possible et que les femmes pouvaient être à la tête de ce mouvement.

L’énergie palpitante de ces deux expériences en direct se retrouve aujourd’hui dans les salles de cinéma. Après avoir contourné les studios, Swift a sorti « Taylor Swift : The Eras Tour » directement par l’intermédiaire de la chaîne de cinémas AMC en octobre, qui a pulvérisé les records des films de concert en atteignant 249 millions de dollars de recettes mondiales. (Ce succès lui a même valu les éloges de Christopher Nolan, un fervent défenseur de l’expérience en salle). En décembre, Beyoncé a sorti le documentaire de sa tournée « Renaissance : A Film by Beyoncé » par l’intermédiaire d’AMC. Il a été accueilli par des critiques élogieuses (le mot « auteur » a été prononcé plus d’une fois) et a dominé son week-end d’ouverture.

À l’heure des tendances éphémères et de la méchanceté sur Internet, il est réconfortant de voir à quel point Beyoncé et Swift se soutiennent mutuellement. Beyoncé a assisté à la première de « The Eras Tour » à Los Angeles le mois dernier, et Swift n’a pas caché ce que cela signifiait pour elle : « Je suis tellement contente de ne jamais savoir ce qu’aurait été ma vie sans l’influence de Beyoncé », a-t-elle écrit sur Instagram. « La façon dont elle m’a appris, ainsi qu’à tous les artistes, à briser les règles et à défier les normes de l’industrie. Sa générosité d’esprit. Sa résilience et sa polyvalence. » Ce mois-ci, Swift lui a rendu la pareille en rejoignant Beyoncé à la première londonienne de « Renaissance ».

Même la mère de Beyoncé, Tina Knowles, a été impressionnée par leurs réalisations. « Fière d’eux deux », a-t-elle déclaré sur Instagram en septembre. « Être capable de stimuler l’économie n’est pas une mince affaire ! Le simple fait d’être des jeunes femmes et de pouvoir dire cela, c’est tellement génial !!! » –TL

ECRIVAINS, RÉALISATEURS & PRODUCTEURS

Kaouther Ben Hania

Auteur-réalisateur, « Quatre filles »
Photo par Getty Images

La cinéaste tunisienne Kaouther Ben Hania signe depuis un certain temps déjà des réalisations révolutionnaires. Son film « L’homme qui a vendu sa peau », sorti en 2020, a été le premier film tunisien à être nommé aux Oscars dans la catégorie « Meilleur film international ». Son dernier film, « Four Daughters », un mélange provocateur de documentaire et de fiction, est le troisième film de Ben Hania que la Tunisie a sélectionné pour les Oscars. Au début de l’année, « Four Daughters » a également été présenté en compétition principale à Cannes, une place convoitée qu’aucun film tunisien n’avait occupée depuis les années 1970.

« Je suis fier », a déclaré M. Ben Hania à Jolie Bobine. « Notre nomination aux Oscars (en 2020) a été historique pour la Tunisie. Nous sommes à nouveau dans la course, non seulement dans la catégorie des longs métrages internationaux, mais aussi dans celle des documentaires. »

Film brûlant sur la féminité, « Four Daughters » fouille et reconstruit les souvenirs d’Olfa Hamrouni et de ses quatre filles. Deux d’entre elles, Eya et Tayssir, sont toujours avec Olfa, et les deux autres, Ghofrane et Rahma, ses filles aînées, ont été entraînées dans la toile de l’islam radical et ont rejoint l’État islamique en Libye. Elles sont aujourd’hui emprisonnées dans ce pays. Dans le film, les filles aînées sont jouées par des acteurs, tout comme Olfa elle-même à certains moments. (La star égypto-tunisienne Hend Sabri joue son rôle.) Souvent, les six femmes interagissent en tant qu’elles-mêmes lorsqu’elles discutent des moments douloureux de la vie de la famille.

Contextualisant son intérêt pour le croisement du documentaire et de la fiction, Ben Hania déclare : « Lorsque j’ai vu pour la première fois Close-Up d’Abbas Kiarostami, cela a été un moment important dans ma cinéphilie ». Dans son propre mélange des genres, elle a voulu renverser la formule des reconstitutions. Je me suis dit : « Je vais détourner ce cliché ». Je l’ai utilisé pour accéder au passé de cette famille, pour interroger la mémoire. Cela m’a donné la possibilité de rendre la complexité et d’aborder quelque chose d’universel (sur) les relations mère-fille, l’adolescence, les traumatismes générationnels et le patriarcat ».

Éplucher les couches du patriarcat était particulièrement fascinant pour Ben Hania, qui a découvert en Olfa une femme forte, à la fois peu effrayée par les hommes et, contradictoirement, gardienne du patriarcat. « Il y a partout des femmes qui ont des idées archaïques comme celles-là. Elles pensent qu’elles peuvent survivre en étant plus royalistes que le roi ». Ben Hania a également été touchée par l’effet thérapeutique de son film sur la famille. Les filles n’arrêtaient pas de répéter : « Merci de nous donner une voix ». Quand j’ai commencé à tourner, elles se disputaient tout le temps. Et puis on les voit s’embrasser, se dire « je t’aime ». Le fait de se dire des vérités profondes les a rapprochées. »

Ben Hania est déjà sur la bonne voie pour élargir son champ d’action cinématographique. « J’ai un long métrage que je tournerai l’année prochaine en Tunisie. Il s’agit d’un film sur les croyances et les images, intitulé « Tu ne feras pas d’image », qui est le deuxième commandement », a-t-elle déclaré. J’ai également un projet de science-fiction en anglais, « Hapax ». Il s’agit d’un futur lointain où le monde est comme un paradis créé par l’intelligence artificielle, mais où il n’y a pas de libre arbitre.

« Dans chaque film, poursuit-elle, j’explore de nouveaux territoires. J’expérimente. En tant que cinéaste et artiste, avec mon parcours, j’ai une sensibilité (différente) et quelque chose à dire sur ce que signifie être humain ». –TL


Ava Duvernay

Scénariste, réalisatrice, productrice, « Origin »
Photo par Getty Images

L’exquis « Middle of Nowhere » a fait connaître Ava DuVernay en 2012. Depuis, elle s’est lancée dans la fiction et la non-fiction sur le grand et le petit écran, avec « 13th », « Queen Sugar », « When They See Us », « A Wrinkle in Time » et « Selma », qui lui a valu un Oscar.

Aujourd’hui, avec « Origin », DuVernay livre une adaptation parfaite du livre de non-fiction apparemment inadaptable d’Isabel Wilkerson, « Caste : Les origines de notre mécontentement ». Le film suit Wilkerson (interprétée par Aunjanue Ellis-Taylor) alors qu’elle traverse une période de deuil personnel tout en écrivant son best-seller sur les systèmes d’inégalité dans le monde. Mettant à nu les similitudes entre certaines des plus grandes injustices historiques du monde, le film s’intéresse à l’Allemagne de la Seconde Guerre mondiale, au Sud de Jim Crow et au système des castes en Inde. C’est une toile immense que DuVernay distille dans le genre de film qui pourrait changer le monde.

En ce qui concerne les disparités temporelles et géographiques, DuVernay a déclaré à Jolie Bobine : « Je voulais les unifier visuellement par l’utilisation du 16 millimètres, par mes transitions dans le scénario, par l’utilisation du personnage d’Isabel Wilkerson. Je voulais qu’ils aient tous l’impression d’être la même chose parce que c’est le principe – il y a une similitude dans ces oppressions que nous devons reconnaître ».

Changemaker depuis son émergence il y a plus de dix ans, DuVernay montre l’exemple en créant de l’espace pour les femmes et les personnes de couleur. Elle s’est même engagée à ne travailler qu’avec des femmes réalisatrices pour sa série OWN « Queen Sugar ». (Au cours de ses sept saisons, la série a fait appel à 42 réalisatrices).

« Si je ne fais que parler et que je ne marche pas, je n’ai pas d’endroit où aller », a-t-elle déclaré. « Oui, une grande partie du travail que j’ai effectué a profité à d’autres personnes. Mais cela m’a aussi permis de créer un espace sûr, de pouvoir créer des équipes qui ressemblent au monde réel. Lorsque je suis entrée dans l’industrie en 2010, je ne pouvais pas m’adresser à une réalisatrice noire qui créait constamment sans douleur. Et il s’écoulait de très nombreuses années entre chacun de ses projets. Il était difficile d’envisager une carrière viable dans ce domaine. Ce n’est plus le cas pour les femmes cinéastes de couleur. Nous sommes plus nombreuses. Je suis fière d’avoir contribué à ce changement ». –TL


Greta Gerwig

Scénariste et réalisatrice, « Barbie »
Photo de Jeff Vespa

Margot Robbie

Producteur-Star, « Barbie »
Photo par Getty Images

Les films brillent rarement plus que « Barbie » de Greta Gerwig, chouchou de la critique et champion du box-office de 2023. En dépassant le milliard de dollars, il est devenu à la fois le premier film réalisé uniquement par une femme à franchir ce seuil et le plus gros succès mondial en 100 ans d’histoire de Warner Bros.

Dirigé par LuckyChap Entertainment, la société de production que la star et productrice de « Barbie » Margot Robbie a cofondée en 2014 pour raconter des histoires centrées sur les femmes et racontées par des femmes, « Barbie », farouchement féministe, a brisé bien des plafonds de verre. Et c’est en grande partie grâce au partenariat unique de Robbie et Gerwig devant et derrière la caméra.

Les deux multihyphénates se sont rencontrés pour la première fois en 2017 et se sont bien entendus. Après avoir obtenu la bénédiction de Mattel pour un film « Barbie » qui embrasserait la relation amour-haine de notre culture avec la poupée qui représente à la fois l’indépendance féminine et des normes corporelles dangereusement irréalistes, Robbie s’est tournée vers Gerwig.

« La première chose qui m’a intéressée, c’est Margot », a déclaré Gerwig à Jolie Bobine. « Je l’admire beaucoup en tant qu’actrice, mais avec ‘I, Tonya’, je savais qu’elle était une vraie force en tant que productrice. Alors quand elle est venue me voir et m’a dit : « Voudrais-tu écrire « Barbie » pour que je le produise ? J’ai immédiatement réagi à l’idée d’écrire pour quelqu’un comme elle. Je me suis dit que je pouvais faire tout ce que je voulais, parce que vous pouvez faire tout ce que vous voulez.

Robbie a déclaré qu’elle pensait que Gerwig et elle « pouvaient déclencher quelque chose » avec « Barbie », ce que le scénario très subversif de Gerwig (coécrit avec Noah Baumbach) n’a pas manqué de faire. Sous les décors rose vif et les numéros de danse hilarants et exagérés, le film se penche sur le patriarcat et l’identité personnelle et rumine l’impossibilité d’être une femme grâce à un monologue cinglant d’America Ferrera. « Barbie » est également la seule superproduction estivale à utiliser la phrase « Je suis ici pour voir mon gynécologue » comme une déclaration triomphante de liberté. « La qualité anarchique du film était si agréable », a déclaré Gerwig. « C’était le sentiment qu’il y avait une sorte de chaos contrôlé à l’intérieur du film que nous avons laissé devenir une force motrice.

Pour les deux artistes, il s’agissait d’un partenariat de rêve. Robbie a évoqué l' »ambiance délicieuse » que Gerwig a instaurée sur le plateau, où régnait un esprit de sororité pratiquement inédit dans un projet hollywoodien de cette envergure. On peut le voir dans chaque image du film et dans chaque choix fait par Gerwig, y compris l’apparition d’Emerald Fennell dans le rôle de « Midge », la meilleure amie enceinte de Barbie (l’une des poupées que Mattel a jugées « trop bizarres » pour continuer à les vendre, comme l’explique le film). Gerwig avait été émue par des photos d’Emerald Fennell en train de réaliser puis d’accepter l’Oscar du meilleur scénario original pour « Promising Young Woman » (2020) alors qu’elle était enceinte, et elle voulait que « Barbie » reconnaisse les femmes à tous les stades de leur existence.

Bien que fière de ses racines dans le cinéma indépendant, Gerwig s’est toujours sentie attirée par les grands films hollywoodiens. Avec « Barbie », elle a pu créer une œuvre cinématographique novatrice tout en s’adressant à sa propre jeunesse. « Ce film est très lié à mes rêves d’enfant », a-t-elle déclaré. « J’ai grandi à Sacramento, où il fait très chaud en été. On se rendait donc dans une salle de cinéma sombre et froide au milieu de l’été et on se laissait envahir par un film. Je me souviens très bien d’avoir été dans une grande salle de cinéma avec beaucoup de monde en été. Non seulement je peux faire un film sur une poupée qui est si intimement liée à l’enfance, mais voir les spectateurs habillés en rose, c’est comme si je pouvais reproduire l’excitation que je ressentais lorsque j’allais au cinéma dans mon enfance. –TL (rapport complémentaire de Steve Pond)


Zakiya Dalila Harris

Auteur, productrice exécutive, « The Other Black Girl » (L’autre fille noire)
Photo de Mark Elzey

Lorsque l’auteure et productrice exécutive Zakiya Dalila Harris a commencé à écrire son best-seller « The Other Black Girl » (2021), elle pensait aux acteurs du changement culturel – en particulier à ceux qui ont le pouvoir de changer les choses – dans le monde de l’édition où elle a travaillé et où se déroule l’histoire du roman. « Ils ont tellement d’influence sur ce dont les gens parlent et qu’ils jugent important », a-t-elle déclaré à Jolie Bobine. « En tant que femme noire, j’ai vu ce que c’était que d’être la seule. Je n’étais pas aussi bien vue que j’aurais aimé l’être ».

Cette expérience de la solitude n’est pas étrangère à Mme Harris, qui a grandi dans une banlieue blanche du Connecticut, où elle était la seule fille noire de la classe. « Le fait d’occuper ces deux mondes en tant que jeune personne est quelque chose que je n’ai pas vraiment assimilé avant d’arriver à l’université. C’est là que j’ai enfin trouvé mon groupe de petites amies noires : elles étaient maladroites comme moi et parlaient comme moi.

Harris a donc intégré la dualité de toutes ces expériences dans son thriller qui navigue entre les microagressions et les signaux de vertu dont les femmes noires font régulièrement l’objet. Aujourd’hui, une comédie dramatique d’horreur à succès sur Hulu que Harris a développée en tant que productrice exécutive aux côtés de Rashida Jones, « The Other Black Girl » suit Nella, une jeune employée d’une maison d’édition (jouée par Sinclair Daniel), et la nouvelle recrue de l’entreprise, Hazel, une alliée noire bienvenue aux intentions douteuses (Ashleigh Murray). « C’est l’histoire que j’aurais voulu voir quand j’avais 12 ans », a déclaré M. Harris.

Dans le roman comme dans la série, les cheveux des femmes noires jouent un rôle central, servant de porte d’entrée à une conspiration insidieuse d’assimilation qui n’est pas sans rappeler celle que le personnage de Daniel Kaluuya découvre dans le film « Get Out » de Jordan Peele, une influence clé qui est évoquée vers la fin de la saison. Harris a toujours embrassé l’horreur. J’ai beaucoup aimé « Are You Afraid Of the Dark » et « Twilight Zone », dit-elle. « Je suis une personne très anxieuse. Je réfléchis beaucoup : Et si… ? Ce qui a vraiment influencé la fin du livre, c’est La nuit des morts-vivants.

Avec la bénédiction de Harris, cette fin a été actualisée dans la série pour devenir un peu plus ouverte et optimiste. « Nous avons vu tellement de fins tragiques pour les Noirs et les Noirs bruns à la télévision et dans les journaux télévisés. Je voulais donc faire de Nella une personne plus active », a-t-elle déclaré. « Si nous avons une deuxième saison, nous la verrons se battre.

Hulu n’a pas encore donné son feu vert à une deuxième saison, alors en attendant, Harris continuera à travailler sur son prochain roman – une histoire d’horreur intitulée « Kinfolk Island », qui raconte l’histoire d’un couple noir qui part en voyage sur une île de vacances historiquement noire. « Il y est question d’ascendance, de famille et d’un grand nombre d’événements bizarres qui, je l’espère, horrifieront les lecteurs », dit-elle en riant. « Mais j’ai bien l’intention de rester dans l’espace multigenre. C’est là que je m’amuse le plus ». –TL


Maryam Keshavarz

Auteur-réalisateur, « The Persian Version » (La version persane)
Photo par Gareth Cattermole/Getty

Née à New York dans une famille d’immigrés iraniens libéraux, Maryam Keshavarz n’a pas tardé à froisser quelques plumes avec son art. En 2011, son premier long métrage, « Circumstance », un film sensuel sur l’attirance entre deux jeunes femmes iraniennes, a remporté le prix du public à Sundance – et lui a valu d’être interdite de retour en Iran en 2011. Il lui a également valu une réaction succincte de sa mère : « Tu fais ça pour me faire du mal ».

Mais « Circumstance » a eu du succès auprès des jeunes Iraniens qui ont vu le film sur des copies du marché noir. Plus de dix ans plus tard, ce souvenir difficile entre mère et fille est devenu une scène du dernier film de Mme Keshavarz, « The Persian Version », une comédie dramatique exubérante et semi-autobiographique sur les expériences d’une Américaine homosexuelle d’origine iranienne. Avec « The Persian Version », Keshavarz a remporté un autre prix à Sundance (le prix du public pour la fiction américaine), mais la critique la plus importante est venue de sa mère. « Elle m’a attrapé le visage (lors de l’afterparty) », a déclaré Keshavarz à Jolie Bobine. « J’ai cru qu’elle allait me gifler. Mais elle m’a dit : « Tu nous as rendu justice ».

Les films ont toujours été importants pour Keshavarz. Se souvenant de son adolescence passée dans un cinéplex local, elle raconte : « Je payais le premier billet et je me faufilais dans tous les films jusqu’à 21 h. J’ai appris à être américaine en regardant des films et des sitcoms ». Elle a également appris que son expérience d’immigrée était rarement reflétée à l’écran. Après le 11 septembre et la diffamation généralisée des musulmans dans les médias, elle a abandonné le doctorat en études moyen-orientales qu’elle préparait à l’université du Michigan et s’est lancée dans la réalisation de films afin de démonter les stéréotypes xénophobes.

Aujourd’hui, à la suite du mouvement de libération « Femme, vie, liberté » qui a débuté en Iran l’année dernière, Keshavarz réfléchit à ses instincts de conteuse sous un jour nouveau. « Tous les films que j’ai réalisés ont toujours porté sur des femmes qui brisent le statu quo », dit-elle. « Je suis issue d’une longue lignée de femmes fortes. On m’a toujours appris à me battre. Dans le film, ma mère représente vraiment l’essence d’une femme qui se bat contre la société et crée son propre avenir. C’est ainsi que je vois le monde ».

Mme Keshavarz souhaite un jour refaire « Le Patient anglais » d’un point de vue moyen-oriental. Mais surtout, elle souhaite continuer à interpeller les téléspectateurs en leur racontant des histoires d’empathie. Avec « The Persian Version », je voulais montrer ma culture d’une manière que les gens n’ont jamais vue, où les gens ne vous considèrent pas comme si différent. Pour moi, c’est le cinéma dans ce qu’il a de meilleur ». –TL


Céline Song

Auteur-réalisateur, « Past Lives ».
Photo par Getty Images

Celine Song, célèbre dramaturge canadienne d’origine coréenne, auteur de « Endlings » et de « The Seagull on the Sims 4 », a reçu une éducation unique en tant que fille de deux artistes. « Le fait d’avoir des parents qui vous comprennent a été un avantage extraordinaire », a déclaré Mme Song à Jolie Bobine. « C’est un soutien différent lorsqu’ils savent ce que c’est que d’être un artiste indépendant.

C’est grâce à cet environnement stimulant que Song a pu s’exprimer avec assurance en tant qu’artiste, ce qu’elle a fait dans son premier long métrage envoûtant, « Past Lives ». L’un des meilleurs films de l’année, « Past Lives » est l’histoire semi-autobiographique de Nora (Greta Lee), une écrivaine qui vit heureuse à New York avec son mari Arthur (John Magaro). Mais la visite de son amour de jeunesse, Hae Sung (Teo Yoo), de sa Corée du Sud natale (elle a émigré au Canada avec sa famille à l’âge de 12 ans), lui fait ressentir la nostalgie du passé.

Le film est à la fois spécifique – il explore les questions d’identité du point de vue d’une immigrée – et universel, puisant dans le sentiment de nostalgie que ressent tout être humain. « Les vies antérieures » a trouvé un écho favorable auprès des cinéphiles, qui ont fait grimper la moyenne par salle du film au cours de son deuxième week-end à un niveau impressionnant de 20 000 dollars, dépassant ainsi « Transformers : Rise of the Beasts » et « Spider-Man : Across the Universe ».

Song a basé son film sur un souvenir de sa propre vie. « Je me suis retrouvée assise dans un bar d’East Village entre mon amour de jeunesse coréen et mon mari », a-t-elle déclaré en décrivant une scène qui apparaît également dans le film. « Je ne traduisais pas seulement entre ces deux personnes, mais aussi entre deux parties de ma propre histoire. Mme Song raconte l’histoire avec délicatesse, même lorsqu’elle est confrontée à des émotions fortes comme le deuil, lorsque Nora choisit finalement de tourner la page sur son passé. « Il y a plusieurs types de chagrin. Dire au revoir à une partie de soi est un deuil, mais cela peut aussi être une célébration. Les spectateurs, en fonction de l’endroit où ils se trouvent dans leur propre présent, réagissent différemment au chagrin que ressent Nora ».

Song a choisi de ne pas tourner « Past Lives » en numérique, comme le font tant de cinéastes débutants de nos jours, pour une raison bien précise. « Le film parle d’expériences analogiques, du fait de voir son ami pour la première fois en personne », explique-t-elle. « C’est pourquoi j’ai pensé qu’il était important de tourner sur pellicule, parce qu’il s’agit de la partie de vous qui se souvient de l’analogique, de l’ancien, de votre enfance. –TL

CRAFTSPEOPLE

Julie O’Keefe

Conseillère en habillement, « Killers of the Flower Moon » (Tueurs de la lune fleurie)
Photo par Brandon Miller

Lorsque Julie O’Keefe a reçu un appel pour devenir la conseillère en habillement des Osages pour le film « Killers of the Flower Moon » de Martin Scorsese, sa première réaction a été de dire : « Je ne connais rien au cinéma ! ». Peu importe. Sa brillante carrière dans le domaine de la conservation de l’art amérindien et de la mode lui a permis de devenir l’épine dorsale du département des costumes dirigé par Jacqueline West, qui avait déjà travaillé avec Scorsese sur « The Revenant ». La preuve en est que les costumes présentés dans le film sont époustouflants : châles et couvertures aux motifs traditionnels, manteaux de mariée d’inspiration militaire, fourrures et bijoux somptueux, etc.

L’intérêt de Mme O’Keefe pour les arts vestimentaires est né lors d’une journée d’orientation au lycée de Pawhuska, dans l’Oklahoma, qui l’a amenée à étudier le marchandisage de la mode à l’université d’Oklahoma. En 2011, Mme O’Keefe, membre de la nation Osage, a ouvert sa propre boutique dans la région, spécialisée dans les tenues amérindiennes. Elle n’a cessé d’étoffer son CV, travaillant avec des artistes locaux pour fabriquer des articles pour la boutique de souvenirs du First Americans Museum en Oklahoma, restaurant et conservant des collections pour diverses institutions, travaillant pour un magasin d’ameublement haut de gamme à Washington D.C. et développant et fournissant des cadeaux pour des clients tels que la Maison-Blanche pendant l’administration Clinton.

Lorsqu’elle est entrée dans le film « Killers of the Flower Moon », Mme O’Keefe a compris que Scorsese avait placé la barre de l’authenticité très haut. « Cela n’a jamais été fait. Jamais comme ça, jamais », a-t-elle déclaré à Jolie Bobine. Il était important pour l’équipe d’honorer avec précision les différentes nuances de l’expérience Osage.

Se référant à la période des années 1920 décrite dans le film, elle a déclaré : « L’argent ne faisait pas partie de notre système de valeurs. Mais il y avait des gens (Osage) qui essayaient de s’acclimater à un monde qui leur était imposé. Il existe en fait six façons différentes pour une femme de porter un châle ou une couverture. Et il y en a au moins quatre pour les hommes. Cela indique votre statut. Lorsque je suis entrée dans le studio (de Jacqueline), j’ai pu voir des milliers de photographies de recherche. Elle avait des femmes et des hommes traditionnels et des femmes Osage qui étaient devenues complètement modernes. Je me suis assise et j’ai commencé à tout expliquer.

Mme O’Keefe a tenu compte du mouvement lorsqu’elle a enveloppé Lily Gladstone et d’autres membres de la distribution dans leurs vêtements. L’une de ses plus grandes contributions a été de faire appel à des artisans autochtones pour confectionner des costumes avec des perles authentiques, des rubans et des détails tissés au doigt. « La joie est de savoir que chaque fois que Lily sortait de sa caravane, elle avait la confiance dont elle avait besoin.

Outre l’ouverture d’une nouvelle boutique pop-up à Tulsa qui présente des artisans des 39 nations de l’Oklahoma, Mme O’Keefe a récemment travaillé sur la prochaine série Netflix « American Primeval » en tant que chef du département culturel autochtone. Killers of the Flower Moon » m’a ouvert les portes d’une nouvelle carrière », a-t-elle déclaré. « Les gens ne se contentent plus de deviner. Il est possible de faire fabriquer des pièces (exactes) par des artisans autochtones qui savent comment procéder. Les histoires autochtones doivent être présentées de manière authentique. Les 567 nations le méritent. –TL


Thelma Schoonmaker

Rédactrice en chef, « Killers of the Flower Moon » (Les tueurs de la lune fleurie)
Photo par Tim Whitby

Il y a quatorze ans, la célèbre monteuse et collaboratrice de longue date de Martin Scorsese, Thelma Schoonmaker, donnait une conférence dans une université britannique lorsqu’un étudiant lui a demandé comment une « gentille dame » comme elle pouvait monter les films de gangsters violents de Scorsese. Sa réponse, prononcée avec un sourire, fut la suivante : « Ah, mais ce ne sont pas des films de gangsters : « Ah, mais ils ne sont pas violents tant que je ne les ai pas montés ».

C’est la magie que Schoonmaker apporte au cinéma de Scorsese. En tant que monteuse depuis près de six décennies, depuis « Raging Bull » en 1980 jusqu’à son dernier film, « Killers of the Flower Moon », Schoonmaker est une force vitale, responsable en grande partie de la façon dont les épopées de Scorsese s’installent dans leurs rythmes immersifs et hypnotisants. Grâce à leur vision commune, aucune durée ne semble trop longue, pas même les 206 minutes de « Killers », qui pourrait valoir à Schoonmaker sa neuvième nomination aux Oscars et faire d’elle la monteuse de films la plus nommée de tous les temps. Si elle remporte son quatrième Oscar (après « Raging Bull », « The Aviator » et « The Departed »), elle deviendra la monteuse la plus récompensée de l’histoire des Oscars.

Le dernier film de Scorsese, qui raconte l’histoire poignante des meurtres d’Osage dans les années 1920, telle qu’elle est relatée dans le livre non fictionnel de David Grann (2017) sur lequel est basé « Killers », a représenté un nouveau défi pour Mme Schoonmaker. Comme elle l’a récemment déclaré au podcast « The Rough Cut », « (Marty) voulait utiliser un style plus simple que certains de ses autres films, où (les spectateurs) passent du temps avec les personnages et commencent vraiment à ressentir ce qu’ils sont ». Le développement des relations à l’écran – en particulier entre Ernest (Leonardo DiCaprio) et Mollie (Lily Gladstone) qui s’acheminent vers le mariage – était important, tout comme l’établissement de ce mariage en tant que noyau émotionnel du film.

Pourtant, leur méthode de travail est restée la même, à l’exception des séances de Zoom qu’ils ont adoptées conformément aux protocoles Covid de la production. Comme pour la plupart de leurs projets, Schoonmaker et Scorsese ont procédé à une douzaine de coupes du film avant d’aboutir à la version finale. « Marty et moi regardons les rushes ensemble, c’est ce que nous faisons toujours », dit-elle. « Il me dit ce qu’il pense, je lui dis ce que je pense. Il donne également d’excellentes notes au superviseur du scénario, que j’utilise. Je fais le premier montage, puis lui et moi coupons tout ensemble ». L’étape suivante ? La projection à un petit groupe de personnes de confiance. « Et nous recoupons et projetons encore (et encore). Nous avons beaucoup de chance d’avoir ce temps pour développer le film correctement.

Bien qu’elle soit l’une des plus grandes monteuses que le cinéma ait jamais connues, Mme Schoonmaker n’a pas toujours rêvé de travailler dans le cinéma. Après avoir obtenu son diplôme à l’université Cornell en 1961, où elle a étudié les sciences politiques et le russe, elle voulait devenir diplomate. Aujourd’hui, elle ne peut imaginer une vie différente. « Une fois que l’on devient accro au cinéma, on ne veut plus jamais l’abandonner. C’est le plus beau métier du monde. Et je travaille avec l’un des plus grands réalisateurs de tous les temps », a-t-elle déclaré au podcast. Il se trouve que Scorsese lui a présenté le regretté cinéaste Michael Powell, qu’elle a épousé en 1984 : « Il m’a aussi donné le meilleur mari que l’on puisse souhaiter. Que voulez-vous de plus ? J’ai tout eu.
TL

EXECUTIVES

Pamela Abdy

Coprésidente et PDG, Warner Bros. Motion Picture Group
Avec l’aimable autorisation de Découverte Warner Bros.

Dans l’histoire d’Hollywood, un seul film réalisé uniquement par une femme a dépassé le seuil du milliard de dollars au box-office mondial : Barbie » de Greta Gerwig, sorti sous la direction de Pamela Abdy, coprésidente et PDG de Warner Bros. Motion Picture Group, aux côtés de Michael De Luca. « Mike et moi croyons toujours aux cinéastes qui ont une véritable paternité », a déclaré Pamela Abdy à Jolie Bobine. « Greta est une superstar. Elle était déjà en train de réaliser le film lorsque nous sommes devenus coprésidents du studio. Et nous l’avons guidée tout au long du processus. Ce fut l’une des expériences de collaboration les plus uniques, les plus exaltantes et les plus inspirantes de ma carrière ».

C’est un bel éloge pour un cadre responsable de « Birdman », « Babel », « Dune », « Licorice Pizza », « Shutter Island », « Mean Girls » et « The Big Short » – des films remarquables qui ont vu le jour sous la direction d’Abdy à la MGM, Paramount, New Regency, Makeready et ailleurs.

« En tant que productrice et dirigeante, j’ai commencé au début des années 90. Il y avait peu de femmes à des postes de direction et de production ; ce n’était pas la norme. Aujourd’hui, j’ai une enfant de 11 ans qui a vu le film cinq fois », a ajouté Mme Abdy avec joie. C’est sa « Guerre des étoiles ». Et il y a tellement de réalisatrices formidables qui travaillent aujourd’hui. Personne ne pourra jamais dire que les gens ne veulent pas aller voir des histoires racontées par des femmes ou sur des femmes.

Mme Abdy a été émue aux larmes lorsqu’elle a vu « Barbie » avec sa famille lors du week-end d’ouverture et qu’elle a ressenti l’énergie qui s’en dégageait, surtout après la pandémie, lorsque tout le monde s’interrogeait sur l’avenir de l’expérience cinématographique. « Il n’y a rien de tel que ce sentiment dans une salle de cinéma. C’est tout simplement magique », a-t-elle déclaré. « J’aime aussi le streaming. Je pense qu’ils peuvent coexister. Mais il n’y a pas d’activité cinématographique sans salles de cinéma ». Soulignant l’importance d’accueillir de nouvelles voix et des œuvres originales avec des budgets variés, elle a ajouté : « Il y a de la place pour les grands films à grand déploiement et pour les histoires originales avec des budgets modérés, racontées de manière authentique à travers les yeux d’un cinéaste. Je crois sincèrement que nous sommes à une époque où l’on privilégie la conservation, et non la quantité. Parier sur les cinéastes est une bonne affaire ».

M. Abdy est optimiste quant à l’évolution de la situation. « Je pense que c’est du côté de la production et de la direction qu’il faut faire des progrès », a-t-elle déclaré. « Nous pouvons aider à créer une voie pour que les femmes et les personnes de couleur puissent s’asseoir à la table dans ce domaine. J’ai eu la chance d’avoir des mentors extraordinaires dans ce secteur, hommes et femmes confondus. Sans eux, je ne serais pas là où je suis aujourd’hui. J’essaie donc de trouver de jeunes cadres qui montent dans l’entreprise et de les encadrer autant que possible ». –TL


Fran Drescher

Présidente, SAG-AFTRA
Photo par Getty Images

Fran Drescher est du bon côté de l’histoire. Et lorsque la présidente de SAG-AFTRA a conduit le plus grand syndicat d’Hollywood, qui compte plus de 160 000 membres, dans une grève qui a changé la donne en juillet, elle a prouvé qu’elle était faite de feu, en prononçant un discours cinglant qui est devenu viral et qui critiquait sans crainte un modèle commercial qui laissait les acteurs qui travaillaient dur vulnérables aux changements apportés par la diffusion en continu et l’IA.

Mme Drescher a guidé le syndicat pendant 118 longues journées avant que la grève ne prenne fin en novembre, lorsque le comité de négociation du syndicat a remporté des victoires significatives. La star et créatrice de « The Nanny » est fière de l’accord de plus d’un milliard de dollars conclu avec l’AMPTP. « Cela n’était jamais arrivé auparavant », a-t-elle déclaré à Jolie Bobine avec une joie perceptible. « Il était très important pour moi que les compagnons, la classe ouvrière, ne soient pas seulement protégés, mais qu’ils obtiennent un accord bien meilleur que ce qu’ils ont jamais eu. Cela va changer leur vie de manière exponentielle. Ils pourront dire avec fierté : « Je gagne ma vie dans ce secteur ».

Mme Drescher est devenue l’une des pionnières les plus remarquables de 2023 tout en restant elle-même à 100 % : Tout au long des négociations, elle a porté avec défi une peluche en forme de cœur, offerte par un enfant spécial de sa vie. « (Le jouet) est devenu une icône improbable de l’amour et de l’empathie dans la salle de négociation », a-t-elle déclaré. « Tout ce que j’ai fait, c’est d’être authentique. Parce que je suis bouddhiste, j’essaie de considérer chaque chose comme une opportunité de croissance et d’amélioration de soi. Cette opportunité consistait à dire à d’autres femmes et jeunes filles de ne jamais s’excuser d’être ce qu’elles sont. « J’espère les avoir inspirées (parce que) j’avais une responsabilité envers elles, envers les travailleurs à l’échelle mondiale, envers le fait de parler honnêtement avec intégrité et empathie. Et j’avais la responsabilité de recadrer ce que signifie réussir en affaires. J’ai donc envisagé la question à différents niveaux de responsabilité, mais toujours à travers le prisme du bouddhisme.

Faut-il s’étonner que Meryl Streep ait récemment suggéré que Mme Drescher se présente à l’élection présidentielle ? En tant que défenseur de longue date des communautés marginalisées et lobbyiste de premier plan à Washington, qui a fait adopter à l’unanimité la loi sur la sensibilisation au cancer gynécologique en 2007, Mme Drescher reconnaît son aptitude à identifier les systèmes défaillants. Pourtant, elle n’est pas certaine que c’est en politique qu’elle pourra tirer le meilleur parti de ses compétences. « Peut-être que ce dont j’ai besoin, c’est d’être à l’extérieur, d’offrir d’autres points de vue et de laisser les autres se jeter dans la gueule du loup avec une nouvelle perspective ». –TL


Donna Langley

Président et directeur du contenu, NBCUniversal Studio Group
Avec l’aimable autorisation de NBCUniversal

Donna Langley, présidente et directrice du contenu de NBCUniversal Studio Group, a réalisé de nombreuses premières tout au long de sa carrière. Elle est, par exemple, la première femme britannique à diriger un grand studio hollywoodien, où elle a fait preuve d’un leadership et d’une stratégie commerciale avisés, en particulier pendant la pandémie.

Mais l’année 2023 n’a pas été une année comme les autres. Cette année, Mme Langley a été promue à son poste actuel, qui consiste à superviser toutes les divisions de divertissement de NBCUniversal, qu’il s’agisse de films ou de programmes télévisés. Parmi les quatre directeurs de studio qui ont négocié directement avec les guildes de scénaristes et d’acteurs pendant les mois de grève, elle était la seule femme (Bob Iger de Disney, David Zaslav de Discovery et Ted Sarandos de Netflix étaient les autres).

Ensuite, il y a le box-office : Oppenheimer » de Christopher Nolan a atteint un chiffre d’affaires mondial explosif de près d’un milliard de dollars. Si l’on ajoute à cela les 1,36 milliard de dollars de « The Super Mario Bros. Movie » et les 700 millions de dollars de « Fast X », le tableau d’ensemble est un triomphe éclatant pour Langley.

En ce qui concerne sa vision globale, elle a déclaré : « Avec cette nouvelle structure, mon objectif reste de faire de NBCUniversal le foyer des meilleurs conteurs sur tous les supports », a déclaré Mme Langley à Jolie Bobine. « Nous voulons optimiser les avantages d’avoir la création sous un même toit, en nous donnant des moyens plus dynamiques de collaborer, d’étendre la propriété intellectuelle et de développer un contenu audacieux et pertinent ».

C’est en grande partie grâce à Langley que Nolan a quitté Warner Bros, sa maison d’origine, pour amener « Oppenheimer » chez Universal. « Il comprend toutes les facettes de notre activité, au-delà du processus de réalisation. On peut sentir l’amour qu’il a pour le cinéma et il fait tout cela à travers le prisme de son public », a-t-elle déclaré. « L’étendue du public que (‘Oppenheimer’) a amené dans les salles de cinéma… la démographie était très large. C’était incroyable à voir.

Langley a toujours accordé une importance particulière à la diversité et à l’inclusion dans le secteur du divertissement, en dirigeant la création du département Global Talent Development &amp ; Inclusion du groupe Universal Filmed Entertainment en 2017. « GTDI a cultivé plus de 200 talents incroyables qui ont pris part aux expériences d’Universal », a-t-elle déclaré. « Mettre un pied dans la porte est l’une des choses les plus difficiles à faire dans notre secteur. Et il est impératif d’instaurer l’équité dans la manière dont on y parvient. »

Comment maintient-elle la singularité de son studio dans le paysage volatile d’aujourd’hui ? En renforçant ce qu’elle appelle « le jeu du volume », en veillant à ce qu’il y ait quelque chose pour tout le monde. « Qu’il s’agisse de films originaux, de films à grand spectacle, de films d’horreur ou de sorties événementielles, notre liste stratégique est équilibrée. C’est ce qui nous a permis de conserver notre avantage concurrentiel. –TL


Francesca Orsi

Vice-présidente exécutive de la programmation de HBO et des séries et films dramatiques de HBO
Avec l’aimable autorisation de HBO

2023 marque le 20e anniversaire de Francesca Orsi au sein de la famille HBO, une étape qu’elle n’a cessé de franchir depuis qu’elle a rejoint la société en tant qu’assistante de direction. Aujourd’hui, elle est vice-présidente exécutive de HBO Programming et responsable de HBO Drama Series and Films, avec une empreinte sur certaines des séries les plus populaires et les plus marquantes de ce siècle, notamment « Game of Thrones », « Boardwalk Empire », « The Last of Us », « The White Lotus » et, bien sûr, « Succession ». Cette année, la chaîne a une fois de plus devancé ses concurrents en obtenant le plus grand nombre de nominations aux Emmy Awards. Sur les 127 nominations totales obtenues par HBO et Max, 74 ont été attribuées aux trois joyaux de la marque : « The Last of Us », « The White Lotus » et « Succession ». La série dramatique de Jesse Armstrong sur une famille de milliardaires dysfonctionnelle s’est achevée sur une note positive, attirant 2,9 millions de téléspectateurs pour son final.

« Cette année en particulier a été unique, uniquement parce que nous avons mis fin à l’une de nos séries les plus emblématiques avec ‘Succession' », a déclaré Orsi à Jolie Bobine. « Nous avons été incroyablement fiers de ce que Jesse a livré d’épisode en épisode et de la manière dont il l’a conclu d’une manière émotionnellement astucieuse. Et ‘The Last Of Us’ a été un travail d’amour. Ces deux séries en particulier ont rendu 2023 incroyablement gratifiant ».

Le paysage des médias et du divertissement a radicalement changé au cours des deux décennies qu’Orsi a passées à HBO, notamment avec l’essor du streaming. Elle souligne un facteur qui est toujours resté constant. « Dans chacune de nos émissions, nous recherchons l’esprit d’audace, l’ADN de l’audace. Ce qui n’a pas changé, c’est notre processus, c’est-à-dire que nous nous demandons toujours pourquoi une émission doit vraiment exister », a-t-elle déclaré. « Ce spectacle va-t-il nous divertir ? Et vraiment, va-t-elle nous parler ? Et s’il parle vraiment à nos cadres de tous horizons, il peut aussi s’adresser à un collectif plus large ».

Pour Mme Orsi, les émissions de HBO reflètent la diversité de l’équipe avec laquelle elle travaille chaque jour. « Cela commence dès la phase d’embauche », a-t-elle déclaré. « Si les personnes que nous recrutons ont un point de vue différent en fonction du monde et de la culture d’où elles viennent, cela se reflétera toujours dans notre développement. Parmi ses projets à venir, Mme Orsi est particulièrement enthousiaste à l’idée de présenter la quatrième saison de True Detective en janvier 2024. « Issa López est une superstar, et Jodie Foster est incroyablement sélective dans ce qu’elle entreprend. Le fait qu’elle nous ait gratifiés de son essence sera un cadeau pour le monde, tout comme (sa partenaire) Kali Reis. Le fait qu’elles jouent toutes les deux les détectives est vraiment un spectacle à voir ».

Pour ce qui est d’être un « faiseur de changement », Orsi a déclaré : « Je trouve que beaucoup de gens dans ce secteur aiment s’entendre parler. Ce que j’ai appris, c’est que lorsque j’écoute, je trouve toujours la vérité. J’écoute aussi le public et la façon dont il interprète nos spectacles. Je ne cherche pas seulement dans mon propre cœur, mais dans le cœur de tous ceux avec qui je travaille et de notre public. –TL

ATHLETES

Simone Biles

Gymnaste
Photo par Getty Images

Simone Biles redéfinit la gymnastique depuis plus d’une décennie. Elle est devenue tellement synonyme de grandeur qu’il est facile de perdre de vue à quel point elle est spectaculaire. Après une interruption de près de deux ans, elle est revenue triomphalement sur le tapis en 2023, battant des records pour devenir la gymnaste la plus décorée de tous les temps, avec 37 médailles mondiales et olympiques à son actif, et pour apporter une nouvelle preuve qu’elle est peut-être la plus grande gymnaste de tous les temps.

L’impact de Biles en dehors du tapis a été tout aussi puissant, notamment pour avoir dénoncé Larry Nassar, le médecin de USA Gymnastics qui l’a agressée sexuellement ainsi que des centaines d’autres filles et jeunes femmes, et pour avoir plaidé en faveur de la santé mentale. En 2020, elle a courageusement privilégié son bien-être personnel à sa réussite professionnelle en se retirant des Jeux olympiques de Tokyo. À la suite du traumatisme qui était désormais connu de tous, Mme Biles s’est retrouvée dans un état second, lorsque l’esprit et le corps d’une gymnaste ne sont plus synchronisés. Elle ne pouvait pas risquer de se blesser ou de compromettre la réussite de ses coéquipières. « Je ne voulais pas risquer que l’équipe obtienne une médaille à cause de mes erreurs, car elle a travaillé beaucoup trop dur pour cela », a-t-elle déclaré lors d’une conférence de presse.

Biles est finalement revenue à la compétition le dernier jour et a remporté une médaille de bronze. Mais ce qui compte le plus pour elle, c’est la prise de conscience mondiale qu’elle a apportée à la conversation sur la santé mentale. « C’est quelque chose que les gens traversent souvent et qui est en quelque sorte mis sous le tapis », a-t-elle déclaré. « J’ai l’impression que nous ne sommes pas seulement des artistes, mais aussi des êtres humains. Nous avons des sentiments. Et en fin de compte, les gens ne comprennent pas ce que nous vivons.

C’est en reconnaissance du courage de Biles que Joe Biden lui a décerné la médaille présidentielle de la liberté l’année dernière, faisant d’elle la plus jeune récipiendaire de tous les temps. Puis, en octobre de cette année, elle a surmonté ses doutes lors des championnats du monde de gymnastique à Anvers, en Belgique, où son parcours d’athlète de haut niveau a commencé en 2013. Elle a remporté quatre médailles d’or au total. « Je devais me prouver que je pouvais encore venir ici, faire du twist. Je pouvais prouver à tous les détracteurs que je n’étais pas une lâcheuse », a-t-elle déclaré. Mais ce n’est plus ce qui compte le plus pour elle. « Il est vraiment important que je prenne soin de mon esprit autant que de mon corps », a-t-elle déclaré lors d’un entretien avec Olympics.com. « Je pense que ce que le succès signifie pour moi est un peu différent de ce qu’il était avant, parce qu’avant tout le monde définissait le succès pour moi, même si j’avais mon propre récit que je voulais. Maintenant, il s’agit simplement de se présenter, d’être dans un bon état d’esprit, de s’amuser sur le terrain, et quoi qu’il arrive, ça arrive, vous savez ? –TL


Diana Nyad

Athlète, écrivain, sujet de « Nyad ».
Photo par Andrea Mead Cross

Il y a dix ans, la marathonienne Diana Nyad a accompli un exploit apparemment impossible. À l’âge de 64 ans, elle a parcouru plus de 160 km à la nage, de Cuba à la Floride, sans cage à requin. Son triomphe est au cœur du biopic Netflix « Nyad », réalisé par les cinéastes oscarisés Chai Vasarhelyi et Jimmy Chin (Free Solo) et mettant en scène Annette Bening dans le rôle de l’indomptable athlète. En revivant sa nage à travers le film, Nyad a revu son exploit d’un point de vue plus complet.

Même au moment du triomphe, je ne me disais pas « Oh, je l’ai fait » », a-t-elle déclaré à Jolie Bobine. « Ce n’était pas de l’égo. C’était une profonde compréhension de ce qu’il fallait faire pour y arriver ». Elle se souvient de toutes les fois où elle et sa meilleure amie et entraîneuse Bonnie Stoll (interprétée par Jodie Foster dans le film) auraient pu se ménager pendant leur entraînement, mais ne l’ont pas fait. « Une fois que vous commencez à faire une petite concession, très vite les concessions deviennent plus grandes et plus fréquentes. La résilience est ce qui nous permet de réussir dans la vie ».

Dans leur premier récit, Vasarhelyi et Chin mettent l’accent sur la ténacité du corps et de l’esprit de Nyad, un fait que Nyad (dont les mémoires de 2016, « Find a Way », ont servi de base au scénario) reconnaît avec gratitude. « Au fil des ans, j’ai raconté l’histoire de ma natation à Cuba sous de multiples formes. Mais le grand écran et la majesté de la cinématographie océanique l’amènent à un crescendo que je n’aurais jamais imaginé », a-t-elle déclaré. « Les documentaires primés de Chai et Jimmy explosent de cœur. Ils avaient une vision pour ce film et ont travaillé habilement pour l’appliquer à leur forme d’art ».

Nyad a déclaré que le fait d’être représentée par Bening est son plus grand honneur dans la vie, comparable à celui du président Obama qui l’a invitée dans le bureau ovale en 2013 pour la féliciter de son record de natation. « J’ai trouvé qu’Annette avait les pieds sur terre, qu’elle était très intelligente, très empathique et très amusante », a-t-elle déclaré. « Elle a écouté et compris l’essence d’une personne qui était poussée à poursuivre ce rêve historique et dangereux. Et elle a capturé cette essence à la perfection.

En tant qu’athlète de 74 ans, Nyad refuse de se laisser enfermer. Je dis aux gens de tous âges et de tous sexes : « Faites ce que vous voulez dans la vie : Faites ce que vous voulez dans la vie. Et n’écoutez pas ceux qui vous imposent des limites. Bonnie et moi avons entendu des gens du monde entier nous dire qu’ils avaient besoin de trouver cette même résilience pour les aider à relever leurs défis personnels. Rien ne peut être plus important pour moi que des gens qui quittent notre film motivés pour vivre avec plus d’ardeur.

Et elle regarde toujours vers l’avenir. Nyad est en train de lancer « Safe Harbor », une plateforme en ligne permettant aux survivants d’abus sexuels de partager leurs histoires et leurs ressources. (Nyad est une survivante d’abus sexuels, que le film aborde par le biais de flashbacks). Elle et Stoll ont également fondé une initiative nationale de marche, EverWalk. « Nous voulons que les gens tombent amoureux de notre planète bleue, comme nous l’avons fait sur l’océan », a-t-elle déclaré. « Venez marcher avec nous ! –TL

ACTIVISTES

Cassidy Hutchinson

Ancien collaborateur de la Maison Blanche ; auteur de « Enough » (Assez)
Photo de Stephen Voss

Il faut tout un village pour commettre des actes criminels inqualifiables tels que l’attentat du 6 janvier 2021 contre le Capitole des États-Unis. Et parfois, il suffit d’une femme courageuse pour s’opposer aux structures de pouvoir qui permettent une telle anarchie.

C’est ce qu’a fait Cassidy Hutchinson, ancienne collaboratrice de la Maison Blanche, lorsqu’elle a témoigné lors des auditions du 6 janvier 2022 de la Chambre des représentants. Hutchinson, qui était l’assistante de Mark Meadows, alors chef de cabinet du président Trump, a fourni un témoignage qui a marqué un tournant dans les procédures fortement médiatisées. Parmi ses révélations fracassantes : Trump savait que la foule était armée et voulait quand même la laisser entrer dans le Capitole.

« J’ai témoigné honnêtement parce qu’il est impératif que les Américains comprennent la vérité sur les menaces auxquelles notre nation a été confrontée le 6 janvier 2021 », a déclaré Mme Hutchinson à Jolie Bobine. « Depuis ce jour, mon engagement à sauvegarder notre république constitutionnelle et ses institutions démocratiques n’a fait que s’approfondir – une responsabilité partagée par tous les Américains.

Pour Hutchinson, rompre avec l’équipe Trump était une simple question de compréhension de l’ampleur du danger auquel le pays était confronté et de dire : « Assez, c’est assez. » C’est l’idée qui est au cœur de ses mémoires, « Enough », qui a été publié en septembre et est devenu immédiatement un best-seller du New York Times. « Mon livre résume mon parcours personnel », a-t-elle déclaré, le qualifiant de « récit de lutte morale, de choix difficiles, de leadership et de responsabilité, et de mise en lumière du véritable coût de notre liberté ».

Mme Hutchison n’hésite pas à rendre hommage aux autres personnes qui ont joué un rôle dans la protection de la démocratie le 6 janvier, notamment Ruby Freeman, Shaye Moss, Rusty Bowers et Brad Raffensberger. Elle reste déterminée à servir le public de manière responsable et à faire passer la Constitution avant les intérêts partisans. L’élection présidentielle de l’année prochaine, a-t-elle déclaré, « concerne la survie de notre nation et des principes qui nous sont chers ». En ce moment critique, où la violence politique est acceptée et où la désinformation prévaut, nous devons élire des personnes responsables et dignes de confiance qui se consacrent à la défense de nos institutions. L’esprit de l’Amérique est vivant, mais la force de nos institutions dépend de ceux que nous élisons pour les défendre ». –TL


Dylan Mulvaney

Comédienne, militante ; créatrice de « 365 jours de féminité ».
Photo par Getty Images

Il y a deux ans, Dylan Mulvaney a décidé de partager son parcours de transition dans une série TikTok intitulée « 365 jours d’enfance ». Les vidéos – de délicieux éclats de félicité et d’esprit – l’ont rendue célèbre (elle compte 10,6 millions de followers sur la plateforme) et lui ont permis de saisir une foule d’opportunités, notamment celle d’interviewer le président Biden sur les droits des personnes transgenres à la Maison Blanche en 2022. « J’ai fait mon coming-out à ma mère à l’âge de quatre ans en tant que fille, mais j’ai vécu ma vie pendant de nombreuses années en tant qu’homosexuelle. Mais même la représentation des homosexuels était si limitée », a déclaré M. Mulvaney à Jolie Bobine. « Lorsque j’ai commencé à m’affirmer en tant que femme, j’ai réalisé que la visibilité était encore très limitée. J’étais également très intimidée par l’idée de la transition et par la façon d’aller du point A au point B – il n’y a pas vraiment de feuille de route ou de manuel de règles. J’ai donc pris sur moi de montrer au monde comment j’avais appris ces choses. Dans l’ensemble, je voulais vraiment trouver l’humour et la joie, car les médias présentent souvent la transidentité sous un jour très sombre et très dur. Les réalités de la vie des personnes transgenres sont incroyablement dures ».

La popularité de Mme Mulvaney a conduit à un partenariat avec Bud Light en mars de cette année – mais sa visibilité accrue, notamment grâce à une collaboration avec la marque de bière la plus populaire du pays, a fait d’elle une cible de la bigoterie et de l’intimidation anti-trans. Elle a reçu des menaces de mort et est devenue la cible de personnalités d’extrême droite, dont Kid Rock, qui a posté une vidéo de lui en train de dévaster des caisses de Bud Light avec une mitraillette. Selon Mme Mulvaney, Anheuser-Busch n’a jamais pris contact avec elle.

C’était une période terrifiante, mais Mme Mulvaney, qui a fait ses débuts dans le théâtre musical, a refusé de battre en retraite. « Honnêtement, si je pouvais faire autre chose dans ce monde, je le ferais, mais je pense que je suis censée être visible », a-t-elle déclaré. « Toute ma vie a consisté à faire rire et sourire les gens. Et si je devais faire quelque chose de moins visible, je ne pourrais pas le faire avec autant d’ampleur. Traverser cette haine et montrer (à ceux qui me suivent) que je peux m’élever au-dessus d’elle a en fait plus d’impact que de ne pas subir la haine du tout. »

La plupart des gens se sentent encore plus proches de Mme Mulvaney. En août, elle a remporté le Streamy Breakout Creator Award pour sa série TikTok, et en octobre, le magazine britannique LGBTQ+ Attitude l’a nommée femme de l’année. Lorsqu’on lui demande ce que cela signifie d’être un « Changemaker », Mme Mulvaney éclate de rire. « Oh, mon Dieu, je suis intimidée par ce mot ! », a-t-elle déclaré. Il serait plus facile pour moi, peut-être dans dix ans, de regarder en arrière et de dire : « Je vois le changement qui s’opère ». Mais je suis tout simplement extrêmement reconnaissante. Même s’il n’y a qu’une seule personne que j’ai fait changer d’avis sur la transidentité ou sur la féminité, tout cela en valait la peine. –Missy Schwartz


Yocheved Lifshitz

Militante pour la paix
Photo par Getty Images

Vivian Silver

Militante pour la paix
Crédit photo IG @luigicaputo_

Yocheved Lifshitz, 85 ans, a été enlevée à son domicile du kibboutz Nir Oz, près de Gaza, le 7 octobre. Militante pacifiste de longue date, Yocheved Lifshitz et son mari Oded transportaient bénévolement des patients de Gaza pour qu’ils reçoivent un traitement médical dans les hôpitaux d’Israël. Elle a été détenue dans des tunnels sous Gaza pendant plusieurs semaines, au cours desquelles elle a rencontré Yahya Sinwar, le chef du Hamas qui est venu examiner les otages pendant sa captivité.

« Sinwar était avec nous trois ou quatre jours après notre arrivée », a-t-elle déclaré au média Davar. « Je lui ai demandé s’il n’avait pas honte de faire une telle chose à des gens qui, pendant des années, ont soutenu la paix. Il n’a pas répondu. Il est resté silencieux. M. Lifshitz a été libéré le 23 octobre, en même temps que Nurit Cooper. Elle continue de plaider pour la libération de son mari, qui est toujours aux mains du Hamas.

Vivian Silver, 74 ans, a milité toute sa vie pour les droits des femmes et la paix entre Israéliens et Arabes. Née au Canada, elle s’est installée en Israël en 1974 et a été l’un des membres fondateurs du kibboutz Gezer. En 1990, elle s’est installée avec son mari et ses deux fils dans le sud, au kibboutz Be’eri, près de la frontière avec Gaza, où elle s’est efforcée d’organiser des programmes d’aide aux habitants de Gaza, tels que des formations professionnelles, et a veillé à ce que les ouvriers gazaouis du kibboutz soient rémunérés de manière équitable. Mme Silver a cofondé plusieurs organisations vouées à la promotion de la paix, dont le Centre judéo-arabe pour l’égalité, l’autonomisation et la coopération, en 1999, et Women Wage Peace, une organisation interconfessionnelle de base, en 2014, après la guerre de Gaza.

Le 4 octobre 2023, Mme Silver a participé à l’organisation d’un rassemblement pour la paix, qui a attiré 1 500 femmes israéliennes et palestiniennes pour une marche de Jérusalem à la mer Morte. Le 7 octobre 2023, elle est assassinée au kibboutz Be’eri par des terroristes du Hamas.

« Elle croyait vraiment de tout son cœur que deux peuples avaient un lien avec le même morceau de terre et que l’objectif était de trouver comment y vivre en paix et en sécurité », a déclaré son ami proche Kenneth Bob, un autre militant, à Jolie Bobine. « Son féminisme était vraiment novateur, mais il était vécu », a-t-il ajouté. « Elle vivait vraiment ses idéaux. –Sharon Waxman

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