Black Harvest Film Festival 2024: Black Table, Rising Up at Night, The

Assister au Black Harvest Film Festival ressemble à un rite de passage : une célébration de la narration noire qui capture l’esprit et la résilience de notre communauté. Mais en tant qu’homme noir, cela offre quelque chose d’encore plus profond : une opportunité de s’échapper, de réfléchir et de trouver du réconfort dans des expériences partagées. La programmation de cette année ne fait pas exception, présentant une gamme puissante de films qui explorent l’identité, la résilience et la joie face à l’adversité. Parmi eux, « Tableau noir » s’est démarqué comme une expérience visuelle transformatrice que je n’oublierai pas de sitôt.

À la suite des troubles politiques et du sentiment de désespoir qui règnent aux États-Unis, le documentaire « Black Table » de John Antonio James et Bill Mack est exactement le film dont j’avais besoin. Il raconte le parcours de plusieurs anciens élèves de Black Yale alors qu’ils se réunissent pour leur 25e réunion universitaire, réfléchissant à leur séjour dans la prestigieuse université et trouvant du réconfort les uns dans les autres, un repas à la fois, autour d’une table à manger commune.

Pour moi, en tant qu’homme noir et queer, « Black Table » est plus qu’un instantané des expériences de ces étudiants : il résonne comme un récit universel pour les Noirs de toute la diaspora. Il capture la lutte commune pour exister dans des espaces à prédominance blanche, où être « altéré » et exclu en raison de son apparence est une réalité profondément douloureuse et isolante. Pourtant, le documentaire illustre également que la communauté est la clé de la résilience. Grâce à la solidarité, les Noirs non seulement survivent mais prospèrent dans des environnements qui semblent souvent inhospitaliers.

Malheureusement, les défis auxquels sont confrontées les communautés noires restent les mêmes d’une génération à l’autre. Pourtant, c’est aussi une histoire profondément pleine d’espoir. Malgré les difficultés rencontrées par ces anciens élèves sur le campus, ils ont créé entre eux de la joie et de la parenté, symbolisées par la table qu’ils ont choisie dans la salle à manger. Leurs rires et leur camaraderie étaient des actes de rébellion silencieuse, et ce film témoigne de la puissance de cette résistance.

À une époque où la discrimination positive a été abolie en 2023 et où les initiatives DEI (Diversité, Équité et Inclusion) sont annulées, « Black Table » semble particulièrement évocatrice. Cela nous rappelle, comme l’a si bien dit Kendrick Lamar, que « tout ira bien ».

« Se lever la nuit », Le premier long métrage documentaire de Nelson Makengo est une expérience fascinante. Le film explore les conséquences d’élections mouvementées et le projet de construction de la plus grande centrale électrique d’Afrique au Congo, un projet qui a plongé 17 millions de personnes dans l’obscurité. Dès la première image, le public est enveloppé d’ombre – non pas un vide vide et vide, mais une obscurité globale remplie de texture. C’est le genre d’obscurité que vous ressentez lorsque vous fermez les yeux, avec un grain indiscernable vacillant comme une caméra sous-exposée capturant des réalités cachées.

Makengo trouve magistralement la beauté dans l’obscurité, en utilisant des sources de lumière minimales (un téléphone, une lampe de poche, une lampe frontale) pour éclairer ses sujets. Pourtant, le véritable rayonnement de « Rising Up At Night » réside dans son portrait de la population de Kinshasa, la capitale de la République démocratique du Congo. Makengo invite les spectateurs dans la communauté, offrant une perspective d’observation intime et calme qui donne l’impression d’être une mouche sur le mur. La chaleur et la résilience des habitants de Kinshasa transparaissent, avec leurs sourires et leurs liens profonds les uns avec les autres touchant une corde sensible. Leur foi inébranlable et leur persévérance face à des obstacles insurmontables inspirent à la fois l’admiration et le désir d’un changement transformateur en leur faveur.

Le film est un récit complet, mêlant les perspectives de citoyens ordinaires, comme Davido, qui cherche un abri après que sa maison a été inondée, avec celles de dirigeants communautaires clés comme le pasteur Gédéon et Kudi. Ces deux hommes ancrent l’histoire, dégageant une force et un charisme qui captivent le public et élèvent chaque scène qu’ils habitent.

Le récit de Makengo est une révélation, prouvant que le cinéma peut être un puissant moyen de faire entendre la voix. Avec « Rising Up At Night », Makengo lance un cri retentissant pour la justice et l’humanité, ne laissant aucun doute sur le fait que son parcours créatif est voué à la grandeur.

Le cinéaste nigérian Daniel Oriahi « Le week-end » est une aventure passionnante du début à la fin. L’histoire est centrée sur Nikiya (Uzoamaka Aniunoh), une orpheline qui passe le week-end avec les ex-parents de son fiancé pour leur anniversaire de mariage. Cependant, cet événement apparemment joyeux est entouré d’une sombre tradition familiale qui transforme le film en horreur. Oriahi crée magistralement de la tension dans les premiers instants, créant un malaise palpable qui persiste jusqu’au premier kill. Il tient les spectateurs en haleine, chaque rebondissement augmentant le suspense.

Bucci Franklin, dans le rôle de Luc, se démarque, apportant au personnage un désespoir qui s’intensifie à chaque scène, amenant le public à se demander à quoi pourrait ressembler « faire la bonne chose » dans une telle famille. Le portrait de Nikiya par Aniunoh est également remarquable ; elle sert d’yeux et d’oreilles au public, révélant les secrets troublants de la famille de Luc. Comme Nikiya, nous ignorons la vérité cachée de la famille jusqu’à ce qu’elle se révèle progressivement – ​​et de manière terrifiante.

Si « The Weekend » est enraciné dans l’horreur, c’est aussi une histoire d’amour tragique. Luc et Nikiya semblent être aux antipodes, Nikiya aspirant à des liens familiaux tandis que Luc cherche désespérément à échapper aux siens. La tragédie et le traumatisme convergent vers une fin inattendue, soulignant que l’amour échoue parfois. Si Hollywood ne réclame pas encore Oriahi, il devrait le faire.

Réalisateur Yashaddai Owens « Jimmy » est, sur le papier, une réinvention des premières années de l’écrivain et militant des droits civiques James Baldwin à Paris après son départ de New York. En réalité, cependant, c’est un film qui abandonne l’intrigue traditionnelle au profit de l’énergie et de l’ambiance. « Jimmy » est une « tranche de vie » narrative qui célèbre Black Boy Joy à travers les moments du quotidien. Tourné sur film 16 mm, Owens transporte les spectateurs dans le monde de Baldwin, nous offrant des images et des sons que l’écrivain a pu expérimenter. Grâce à la scénographie, aux costumes et au casting de Benny O. Arthur, dont la ressemblance avec Baldwin est frappante, Owens crée un fantasme fascinant. La représentation de Baldwin par Arthur est remarquablement réaliste, comme si Baldwin lui-même était sorti de ses propres pages. Il se déplace sur l’écran avec une liberté sans effort, reflétant le sentiment de libération que Baldwin a probablement ressenti en tant qu’expatrié désillusionné par le racisme américain. Nous sommes témoins de la paix intérieure de Jimmy alors que ce nouveau monde s’ouvre à lui.

Owens, à la fois réalisateur et directeur de la photographie, adopte un style Nouvelle Vague française, s’appuyant exclusivement sur la lumière naturelle et tournant sur place pour immerger le public. Il abandonne fréquemment la narration basée sur le scénario au profit de la spontanéité, son objectif capturant des moments bruts et non filtrés – au diable l’exposition. De nombreux clichés tombent dans l’ombre, avec des silhouettes indistinctes et un grain persistant, contribuant à une atmosphère évocatrice.

Les choix artistiques d’Owens peuvent ne pas trouver un écho auprès du grand public. Comme l’a dit Alfred Hitchcock : « Le drame, c’est la vie avec les parties ennuyeuses supprimées », et malheureusement, ce film ressemble principalement à des « parties ennuyeuses ». Le charme visuel du Paris du milieu du siècle s’estompe à mesure que la technologie moderne (téléphones portables, voitures) apparaît à l’écran, ancrant le décor davantage dans le présent que dans l’époque de Baldwin.

Alors que la cinématographie d’Owens produit parfois des résultats époustouflants, son recours à l’improvisation entraîne des incohérences, laissant le produit final peiner à remplir sa durée d’exécution avec seulement une poignée de plans cohérents. Bien que « Jimmy » offre un portrait rare et joyeux de Baldwin au-delà du racisme américain, ce n’est finalement pas un film que je revisiterais.