À Toronto, des films qui cherchent la joie, la fureur féministe et donnent un sens à un monde tumultueux

D'après ce que je peux voir, les cinéastes sont en émoi et leurs cœurs se brisent.

Un festival comme celui de Toronto est l'endroit idéal pour prendre le pouls de l'état du cinéma, où les artistes du cinéma expriment leur cœur et partagent ce qu'ils ont en tête. D'après ce que je peux voir, leurs esprits sont en ébullition et leurs cœurs se brisent.

Quant aux femmes, dont les voix et les performances sont parfois remises en question, elles sont en colère et n'ont pas peur de le montrer, que ce soit dans « Nightbitch » de Marielle Heller, avec une Amy Adams sauvage qui lutte contre son propre ressentiment à l'idée de s'occuper de son adorable bambin, ou dans « The Assessment » avec Elizabeth Olson et Alicia Vikander de la réalisatrice Fleur Fortune, dont la vision sombre de la maternité dans un avenir autoritaire reflète les craintes concernant la continuité de la race humaine.

Mais d'abord, la joie.

Le film « Casse-Noisette » de David Gordon Green chante littéralement la joie familiale, fraternelle et agricole. Le réalisateur récemment connu pour ses films d'horreur (la série « L'Exorciste : Believer » et « Halloween ») en a assez de l'obscurité. Au lieu de cela, il s'amuse avec quatre jeunes frères bien réels – Homer, Ulysse, Atlas et Arlo Janson – dans une ferme de l'Ohio. Orphelins mais plus concentrés sur la planification de méfaits avec leurs cochons, la boue et la Porsche d'un visiteur, ils torturent puis embrassent leur oncle (Ben Stiller) dans un film qui, selon les critiques, a touché les cordes sensibles.

Lors de la première, Green a avoué qu'il avait besoin d'un moment de joie.

« Je cherchais de la légèreté », a-t-il déclaré lors de la séance de questions-réponses. « Nous sommes en pleine sécheresse comique… et j’essayais de trouver mon propre instinct créatif. »

Stiller a également déclaré que le scénario l'avait ramené au métier d'acteur, après avoir réalisé la série dystopique « Severance ». « C'était une intuition », a-t-il déclaré après la projection. « Je voulais faire ce film, je voulais rencontrer ces enfants. » Il a ajouté : « Nous avons besoin de plus de films comme celui-ci. »

De même, « Saturday Night » de Jason Reitman, bien que préparé depuis de nombreuses années, a fait irruption dans le festival avec l’énergie cinétique et joyeuse de jeunes comédiens revivant le début de l’histoire de la comédie lors de la première saison de « Saturday Night Live ».

Le film met en vedette un casting impressionnant, avec notamment le grand John Belushi, Dan Aykroyd, Gilda Radner et, bien sûr, le patron de « SNL » Lorne Michaels. Reitman a qualifié cet effort extraordinaire de « chaos contrôlé ».

« Rendez-vous », était son conseil alors que nous essayions de réunir le groupe d'acteurs – Dylan O'Brien, Rachel Sennott, Cory Michael Smith, Ella Hunt, Gabriel Labelle, Lamorne Morris – pour une interview au studio Jolie Bobine.

Steve Pond, de Jolie Bobine, a noté quelque chose de similaire dans son analyse des récompenses du festival : « Peut-être qu'il y a quelque chose dans l'air en cette période sombre et conflictuelle ; peut-être que les cinéastes gravitent vers des sujets plus légers issus de la pandémie, des grèves à Hollywood, des troubles mondiaux et d'une industrie cinématographique en déclin. »

D'un autre côté, de nombreux films ont adopté ces peurs. Nous nous sommes habitués à voir des visions dystopiques, mais elles deviennent plus sombres, plus urgentes et plus… normalisées.

Il faut noter que « La vie de Chuck » de Mike Flanagan, inspirée d’un roman de Stephen King, nous emmène à la fin du monde, puis en arrière, jusqu’à l’époque actuelle et avant cela. Le visage au sourire fade de Tom Hiddleston dans le rôle de « Chuck », qui apparaît de manière inquiétante partout comme un signe de la fin, est tout simplement effrayant. Mais le personnage de Chuck Krantz – que Hiddleston embrasse avec joie et pathos – nous rappelle la normalité à laquelle nous aspirons.

Le film « Eden » de Ron Howard évoque des thèmes similaires, dans ce cas après la Première Guerre mondiale, alors que l'Europe fait face à la montée du fascisme, et sur une île isolée des Galapagos où quelques individus cherchent à s'échapper. Ce film semble également sous-tendu par une conscience omniprésente de la fin potentielle de tout ce que nous connaissons : la démocratie mise à mal par des forces menaçantes qui pourraient mettre fin à quelques siècles de société libre et semer la destruction.

Ces inquiétudes sont clairement présentes à l’esprit de nos cinéastes à un moment où beaucoup sont préoccupés par les craintes pour notre démocratie et les conséquences de la technologie, qui a un impact visible sur la communauté traditionnelle et souligne notre division politique.

Enfin, les films mettant en vedette des femmes au festival proposent une série de dialogues intérieurs et de luttes de femmes pour faire face à leur frustration personnelle. Ces films bénéficient de performances particulièrement intenses de Marianne Jean-Baptiste, Amy Adams et Demi Moore.

Dans « Hard Truths » de Mike Leigh, Jean-Baptiste est une femme en colère contre le monde. Dans « Nightbitch », Amy Adams est en colère contre ce qu’une femme renonce à faire en choisissant d’être mère. Dans « The Substance », Demi Moore se transforme en véritable ogre alors qu’elle cherche paradoxalement à conserver sa beauté juvénile. Dans « The Room Next Door », le personnage mortellement malade joué par Tilda Swinton se débat pour choisir la manière et le moment de sa mort. Dans le magistral « Emilia Perez », le personnage principal passe du statut de baron de la drogue mexicain à celui de femme soigneuse en Suisse et est toujours en colère contre la perte de ses enfants.

Depuis les désirs profonds de maternité (« The Assessment »), jusqu’à la colère face aux exigences de la maternité dont personne ne vous met en garde (« Nightbitch »), depuis les exigences intransigeantes de la société sur la beauté féminine (« The Substance »), jusqu’aux indignités punitives de la vie qui conduisent à un état constant de colère, de ressentiment et de dégoût de soi (« Hard Truth »), les thèmes se croisent.

Il s’agit dans de nombreux cas d’études de personnages, mais aussi de déclarations plus vastes sur la situation difficile des femmes à travers le monde, dans tous les domaines.

Lors de la projection d'ouverture de « Nightbitch », Amy Adams semblait être l'image même de la femme calme et sereine, mais elle, l'auteure Rachel Yoder et la scénariste/réalisatrice Marielle Heller ont convenu, lors de la séance de questions-réponses après la projection, que les expériences communes des femmes se résument à ce que l'on ne dit souvent pas à propos de la maternité. Dans le film, le personnage d'Adams – simplement « Mother » – se transforme en chien qui court dans le quartier dans une tentative désespérée d'échapper au monde de la maternité qu'elle a choisi.

Mais en parlant de férocité, Mikey Madison a pratiquement volé la vedette dans « Anora » de Sean Baker (qui avait déjà remporté la Palme d'Or à Cannes), jouant une danseuse érotique qui affronte un milliardaire russe et sa bande de voyous, après avoir épousé son fils lors d'un week-end à Vegas.

Anora – « je m’appelle Ani », insiste-t-elle – est une petite travailleuse du sexe avec laquelle il ne faut pas plaisanter. Elle donne des coups de pied, crie, mord et se débat pour exiger respect et reconnaissance dans un monde d’hommes corpulents et riches.

Oh, et est-ce que je l'ai mentionné ? C'est une comédie.