Comment « Le Créateur » a élaboré une vision audacieuse de l’avenir avec une fraction du budget normal d’un blockbuster
Les cinéastes ont utilisé des appareils photo grand public et des objectifs ultra-larges et ont conçu des effets visuels après le tournage principal.
« The Creator » de Gareth Edwards, actuellement en salles, est un type unique de blockbuster de science-fiction issu d’un grand studio en ce sens que, même s’il semble que cela coûte beaucoup Pour réaliser, le réalisateur de « Rogue One » et l’esprit indépendant et l’approche de la production de son équipe ont en fait maintenu le budget du film des studios du 20e siècle à moins de 100 millions de dollars. Voici comment ils ont procédé.
Le film est une histoire qui se déroule dans un futur lointain de science-fiction, où une guerre contre l’intelligence artificielle fait rage. Les États-Unis sont presque totalement opposés à l’IA, alors que la Nouvelle Asie, une région de l’Asie du Sud-Est, l’autorise toujours. Un ancien agent spécial (interprété par John David Washington) est chargé de retrouver l’arme secrète de l’IA : un petit enfant (Madeleine Yuna Voyles) qui a le pouvoir de contrôler la technologie.
Bien que l’intrigue vous rappelle un certain nombre de films et de séries télévisées qui ont précédé, la façon dont « The Creator » a été réalisé est tout à fait unique. En utilisant des appareils photo grand public, un style de prise de vue « spontané » et en appliquant des effets visuels après le tournage principal, ils ont fait en sorte qu’un film qui, selon la rumeur, n’aurait coûté que 80 millions de dollars soit plus beau que certains des films aux plus gros budgets de cette année, comme « Indiana Jones et le Dial of Destiny », qui a coûté environ 300 millions de dollars.
« Presque tout ce que nous avons fait était très peu conventionnel », a déclaré à Jolie Bobine Greig Fraser, l’un des directeurs de la photographie du film et lauréat de l’Oscar de la meilleure photographie pour son travail sur « Dune ».
Duo dynamique
La production a fait appel à deux directeurs de la photographie, Oren Soffer rejoignant Fraser. Edwards utilisait la caméra la plupart du temps, a déclaré Soffer à Jolie Bobine. « L’ensemble du processus de découverte des visuels du film, de décision de ce qui est dans le cadre, de ce qui ne l’est pas, tout cela a été conçu et planifié en profondeur lors de la préparation pour être spontané et réactif sur le plateau, et pour créer un environnement pour Gareth et les acteurs à explorer », a déclaré Soffer. Afin de « créer ces opportunités », selon Soffer, toute l’équipe a dû « briser un peu les conventions du cinéma ».
L’idée d’une extravagance de science-fiction à gros budget embrassant une sensation de décontraction et d’improvisation est totalement peu orthodoxe. La plupart des films de cette taille et de cette envergure nécessitent un storyboard sans fin et ce que l’on appelle la pré-visualisation (ou pré-visualisation), où les principaux décors du film sont tracés à l’avance dans un ordinateur. Soffer a déclaré qu’Edwards était guidé par deux principes : faire un film qui semble grand « et ne pas dépenser 300 millions de dollars » et « créer un film qui semble réel, authentique et immersif pour le public ».
Pour y parvenir, l’équipe a adopté une approche différente : elle concevrait tous les effets visuels dans la fenêtre de post-production. Alors qu’un film traditionnel utiliserait des concepts artistiques et des storyboards, les cinéastes « ont tourné le film comme si tout se déroulait sur place avec de vraies personnes et de vrais acteurs ». Ensuite, ils ont monté l’intégralité du film avant de prendre des décisions de post-production concernant les effets visuels. « Beaucoup de décisions concernant qui deviendra un robot, où va le navire et à quoi ressemble le paysage urbain ont toutes été conçues en post-production, a déclaré Soffer.
« Nous savions quelle était l’histoire, nous savions quels étaient les rythmes, nous savions quel élément était clair dès le premier jour », a déclaré Jay Cooper, qui était superviseur des effets visuels pour Industrial Light & Magic. « Ce n’est pas comme si Gareth était sorti et avait improvisé et que nous sommes revenus et avons fait un film. Mais en ce qui concerne le niveau de conception et de réflexion apporté aux choses, le travail avec la photographie une fois qu’elle est revenue et la recherche d’endroits où nous pourrions l’ajouter de manière à maximiser ce qui était là, ces décisions ont été définitivement prises. après la photographie initiale.
Dans une séquence poignante où les forces militaires américaines déploient un robot bombardier pour détruire le pont menant à un village IA, les cinéastes ont décidé en post-production quelles parties du village seraient démolies, ainsi que la conception d’un « immense et oppressant Char américain », a déclaré Cooper.
Il y avait également, selon Andrew Roberts, superviseur des effets visuels pour ILM, une autre différence clé dans le tournage : l’utilisation minimale de l’écran vert. « Nous avons vraiment essayé de garder une empreinte aussi petite que possible afin que cela ne distrait pas les acteurs », a déclaré Roberts.
Soffer a décrit le style de tournage comme « spontané », où les décors et les lieux sont éclairés pour donner l’impression qu’ils ne sont pas éclairés du tout, et pour permettre un peu plus de répit que dans une production traditionnelle à gros budget.
Les deux cinéastes se chevauchaient constamment et ont travaillé ensemble sur le film jusqu’au processus final d’étalonnage des couleurs, a déclaré Fraser. La préparation de « Dune: Part Two » a empiété de manière inattendue sur la production de « The Creator », ce qui a nécessité un certain « chevauchement » entre eux, a-t-il expliqué à propos de la décision inhabituelle d’avoir deux directeurs de la photographie sur le projet.
Fraser a été l’une des figures clés responsables de la conception de « le volume », une scène sonore virtuelle qui projette des effets visuels finis sur un écran capté par la caméra. Fraser a d’abord développé la technologie pour « The Mandalorian », mais elle est maintenant utilisée sur un certain nombre de superproductions, des films Marvel à « The Batman » (que Fraser a tourné). Cooper l’a même qualifié de « grand maître du volume ».
Alors que le film donnait la priorité à la réalité et concoctait ses effets visuels longtemps après la fin du tournage, Cooper a déclaré que les cinéastes avaient utilisé le volume pour deux séquences – une dans un sas et une autre dans une biosphère. (Les deux sont sur le NOMAD – une station spatiale géante en vol stationnaire régulièrement déployée pour éliminer la menace de l’IA.)
Format d’image ultra-large et appareils photo Sony prosumer
Un autre élément de la production qui rend le film différent est son rapport hauteur/largeur ultra-large de 2,76:1, qui donne au film une large portée et le distingue de l’approche plus carrée de certains films récents. (D’autres films qui ont utilisé le format d’image incluent « The Hateful Eight » de 2015 et le classique « Ben-Hur » de 1959.)
« Lorsque nous examinions les caméras, de nombreuses caméras ont souvent une taille de capteur qui, si vous les desserrez avec un anamorphosage deux fois traditionnel, ce que nous utilisions, finit par faire quelque chose de très large. Et très peu de films sont présentés dans ce format d’image », a déclaré Fraser.
Même si les images n’ont jamais été conçues pour être vues aussi largement, Edwards « répondait à la nature organique de ce que font les objectifs ». Rapidement, Edwards a décidé qu’il voulait tourner l’intégralité du film de cette façon, en utilisant des objectifs ultra-larges sur des caméras grand public (ils ont finalement choisi la Sony FX3, la caméra 4K Cinema Line d’entrée de gamme de Sony, qui peut être achetée pour moins de 4 000 $ chez votre détaillant). meilleur achat local). «Nous nous sommes dit: ‘Ouais, vas-y, ma fille’», a déclaré Fraser. Auparavant, il y avait des restrictions liées à la distribution, restrictions qui n’existent plus. « Est-ce que ça ressemblera à ça dans un avion ? Je ne sais pas. J’en doute. Mais au moins, nous avons une version théâtrale qui correspond à la vision de Gareth », a déclaré Fraser.
Les films ultra-larges impliquant d’énormes effets visuels sont rarement réalisés car, historiquement, l’anamorphose est beaucoup plus difficile à gérer. A l’époque de « Jurassic Park » Steven Spielberg avait tourné anamorphique (sur « Hook ») avec le même directeur photo (Dean Cundey). Mais il n’a pas pu le faire sur « Jurassic Park » parce que l’équipe des effets visuels, utilisant des images générées par ordinateur alors à la pointe de la technologie, lui a dit que le filmer à plat serait plus facile.
« ILM est vraiment venu à la fête et a adopté la façon dont Gareth voulait le tourner dans le format sur lequel il voulait le tourner, et respectait de tout cœur sa vision de réalisateur », a déclaré Fraser. « Ils ont pris des pratiques de travail peu orthodoxes, des séquences peu orthodoxes et une histoire peu orthodoxe, et ils ont couru avec et ont créé certains des meilleurs effets visuels que j’ai jamais vus. »
« Je veux dire que 75 à 80 % du film est tourné avec le même objectif », a déclaré Cooper. Le problème lorsque vous photographiez en anamorphique est que la distorsion du barillet de l’objectif est assez importante et qu’il est difficile de la transformer en une image plate pour ajouter votre CG. En réduisant le nombre de lentilles, il a simplifié ce processus pour nous », a déclaré Cooper.
Puisque tout a été conçu après coup, l’image large a influencé l’apparence des vaisseaux spatiaux et des stations spatiales. « Nous avons fait des choix en termes de forme de différentes choses en fonction de ce rapport hauteur/largeur », a déclaré Cooper. Le NOMAD, la terrifiante station spatiale du destin, par exemple, est « plus long et plus trapu » qu’il ne l’aurait été si le film avait été tourné plus haut ou plus plat.
Alors que « Rogue One » voyait Edwards entrer dans le bac à sable de George Lucas, « The Creator » retrouve le cinéaste revenant aux racines de Lucas – retravaillant ce qui est possible dans le domaine du cinéma. La question est maintenant de savoir qui suivra les traces d’Edwards et s’il a simplement lancé sournoisement une nouvelle ère de cinéma à succès.
