Les meilleurs films LGBTQ+ de 2025

Des films indépendants qui ont repoussé les limites du cinéma lui-même, des comédies qui nous ont fait rire bien mérité, et bien d'autres encore.

Peu importe ce que les politiciens conservateurs ou les autres fanatiques du monde ont à dire à ce sujet, les homosexuels ne vont nulle part et il y a eu une panoplie de grands films en 2025 qui le prouvent. Des films qui s'étendent à travers les genres, les médiums et les multiples communautés pour partager la joie, la peur, l'unité, la solitude, la complexité, la bêtise, le chagrin et le rire.

Nous disons : que 2026 mette au premier plan encore plus de merveilleux films queer, au mépris de tous ceux qui veulent remettre ces personnages, ces histoires et ces thèmes au placard (nous envisageons toiDisney). Pour l’instant, voici notre sélection des meilleurs films LGBTQ+ de 2025.

« Lune bleue »

Richard Linklater a eu une sacrée année à réaliser deux biopics transcendants qui sont sortis à quelques semaines d'intervalle : « Nouvelle Vague », l'histoire de Jean-Luc Godard qui a lancé sa carrière en réalisant « À bout de souffle », et « Blue Moon », l'histoire du célèbre parolier Larenz Hart, quelques mois seulement avant sa mort, la nuit où il réalise que tous ceux qu'il aime s'en vont sans lui.

Ethan Hawke donne l'une de ses meilleures performances – ce qui n'est pas peu dire – en tant qu'artiste bisexuel cherchant l'amour partout où il peut le trouver. Il trouve de l'amitié et des gens qui respectent son travail, mais personne ne se soucie suffisamment de lui pour supporter sa négligence émotionnelle et son désespoir socialement gênant de se connecter. Et pourtant, ironiquement, « Blue Moon » fait valoir que les mêmes qualités qui ont rendu Hart difficile à aimer ont rendu son travail si charmant, puisqu'il comprenait le désir – de tout type de personne, pour tout type de personne – mieux, peut-être, que n'importe lequel de ses pairs.

« Castration Movie Anthology II : Le meilleur des deux mondes »

Le « Castration Movie » de Louise Weard, étonnamment ambitieux, incroyablement nerveux et étrangement perspicace, est ce phénomène cinématographique rare : un film véritablement indépendant, dans tous les sens du terme. Tournée avec un budget restreint, avec l'esthétique d'une expérience de mini-dv du début des années 2000, l'anthologie en cours de Weard aborde des sujets que de nombreux cinéastes et publics considèrent comme tabous, avec une sophistication de pensée qui dément sa présentation presque Troma-esque.

« Le meilleur des deux mondes » est le deuxième volet, un drame de près de cinq heures sur Circle (Alexandria Walton), une femme trans échappant à une secte vivant dans un sous-sol à Bushwick, pour finalement tomber sur Keller (Ivy Volk, de « Anora »), une femme anciennement non binaire qui pourrait être l'amour de sa vie, ou pourrait simplement avoir une autre personnalité écrasante qui menace de dominer le sentiment fragile de Circle. En chemin, Weard remet en question nos notions collectives du genre, la façon de discuter du genre, l'envie de se retirer d'une culture et d'un système politique de plus en plus hostiles aux personnes trans, et juste pour le plaisir, de simples hot-dogs.

Il n'est pas nécessaire de voir le premier « Castration Movie » pour apprécier le génie du second, puisqu'il fonctionne tout seul, mais vous savez quoi ? Tu devrais.

« Tout va être génial »

Jon S. Baird a réalisé quelques films incroyablement doux et émouvants sur la vie au théâtre, et il n'en reçoit pas assez de crédit. Son biopic de Laurel & Hardy « Stan & Ollie » était l'un des meilleurs biopics des années 2010, et son drame de passage à l'âge adulte largement négligé « Everything's Going to Be Great » est tout aussi charmant et sincère.

Le film met en vedette Benjamin Evan Ainsworth dans le rôle de Lester Smart, le fils ouvertement gay de deux futurs impresarios de théâtre, interprétés par Bryan Cranston et Alison Janney. Les parents de Lester ont été sur le point de réussir toute leur vie d'adulte, mais ils ne l'ont jamais fait, donc la famille n'a pas connu un seul moment de stabilité financière ou familiale. Lester romantise cette vie, mais sa mère et son frère aîné hétéro en ont vraiment marre, et finalement c'est à Lester qu'il incombe de trouver comment tirer le meilleur parti d'une vie dans laquelle il ne deviendra peut-être pas un grand artiste et pourrait rester coincé (soupir). Kansas.

«Everything's Going to Be Great» capture avec tendresse, quoique peut-être un peu trop habilement, le sentiment que vous êtes destiné à de grandes choses, mais que les grandes choses n'ont pas encore reçu le mémo, donc vous n'en avez pas eu l'occasion. Cela s'applique à l'art de Lester, à son côté bizarre, et je suppose qu'il s'applique à chacun d'entre nous à un moment ou à plusieurs reprises de notre vie.

'Hedda'

Henrik Ibsen était un dramaturge renommé de la fin du XIXe siècle dont les œuvres controversées mettaient l'accent sur l'intériorité de ses protagonistes féminines et mettaient en lumière les inégalités auxquelles elles sont confrontées chaque jour, même lorsqu'elles font tout ce que la société leur demande. Parce que la seule récompense que les hommes vous donnent pour les laisser vous maltraiter est de vous traiter encore pire. Sa pièce de 1891 « Hedda Gabler » est une étape importante dans le théâtre, mais comme toutes les étapes vieilles de plusieurs siècles, elle a besoin d'un peu de nettoyage et de polissage pour rester pertinente.

Puis, bien sûr, est arrivée Nia DaCosta, qui n'a pas seulement effacé « Hedda Gabler », elle l'a parcouru jusqu'au cœur, révélant de nouvelles profondeurs et des significations plus profondes. Sa nouvelle adaptation « Hedda » met en vedette Tessa Thompson, au talent surhumain, dans le rôle d'une femme indépendante qui s'est mariée pour des raisons financières. Lorsque cette commodité est menacée, elle fera tout pour sécuriser son sac ou, à défaut, s'enfuira dans la nuit avec son ancien amant, joué par une superbe Nina Hoss, qui se trouve être la rivale du mari de Hedda sur le lieu de travail.

La version de DaCosta de « Hedda » transpose l'action dans les années 1950, et les couches nouvellement exposées de tensions queer et raciales non seulement revitalisent la pièce d'Ibsen, mais elles la rendent sans doute meilleure que jamais.

«Hommes lavande»

N'appelez pas ça un biopic. « Lavender Men » de Lovell Holder et Roger Q. Mason – sur une prétendue histoire d'amour gay entre Abraham Lincoln et son juriste, Elmer E. Ellsworth – est officiellement une « fantaisie ». Ce n'est pas la vérité, mais ce n'est pas tout à fait un mensonge, « Lavender Men » est une version fabulée de la vie de Lincoln dans laquelle les personnages historiques sont encouragés à explorer une interprétation plus fascinante de leur relation historique, grâce à un régisseur solitaire et introspectif non binaire nommé Taffeta (Mason).

Se déroulant entièrement sur scène, après les heures d'ouverture, « Lavender Men » prend la notion de « théâtre vivant » au pied de la lettre, car Lincoln (Pete Ploszek) et Ellsworth (Alex Esola) refusent dans un premier temps de participer à la vision de Taffeta, car chaque fois qu'ils racontent l'histoire de leur vie, ils doivent revivre leur mort. Taffeta est plus intéressant pour revivre leur amour et le racisme souvent passé sous silence de Lincoln, alors qu'ils explorent eux-mêmes leur propre identité, leur sexualité et leurs conflits intérieurs. Abraham Lincoln peut tout avoir, même une romance queer légendaire (peut-être apocryphe), et qu'est-ce que Taffeta obtient ? Quelle importance le conteur a-t-il lorsque son sujet monopolise toute la fascination ?

C'est un travail stimulant et magnifique. Et oui, c'est très mis en scène parce que devinez quoi ? Cela se déroule sur une scène. C'est là que vit le théâtre. C'est là aussi que vivent les gens du théâtre.

«Princesse de l'espace lesbienne»

Au cours d'une année où Pixar a supprimé toute bizarrerie de son histoire de science-fiction manifestement et profondément queer « Elio », Emma Hough Hobbs et Leela Varghese sont venues à la rescousse. Leur premier long métrage « Lesbian Space Princess » met en vedette Shabana Azeez (« The Pitt ») dans le rôle de Saira, la princesse réprimée de Clitopolis, dont la petite amie mercenaire intergalactique badass Kiki (Bernie Van Tiel) vient de la quitter. Lorsque Kiki est kidnappée par des Maliens hétérosexuels blancs, qui ont besoin des labrys magiques de Saira pour alimenter leur « aimant à poussins » 100 % littéral, la princesse se lance dans une quête épique pour trouver sa force intérieure et, bien sûr, se retrouver.

Comme vous l’avez peut-être remarqué, beaucoup de blagues sont extrêmement évidentes. Mais l'hilarant film indépendant australien de Hobbs et Varghese constitue un contraste cathartique bienvenu avec l'industrie de l'animation américaine, qui est souvent trop lâche pour faire référence à l'homosexualité. « Lesbian Space Princess » est une aventure impétueuse et merveilleuse, imprégnée des meilleures qualités des émissions pour enfants du 21e siècle et de la contre-culture risquée, qui mérite un public beaucoup plus large.

« Méricordie »

La comédie sèche et sombre « Misericordia » d'Alain Guiraudie raconte l'histoire de Jérémie (Félix Kysyl), qui rentre chez lui pour les funérailles de son ancien employeur et se retrouve entraîné dans une intrigue sexuelle. La veuve le désire sexuellement, son fils pense qu'ils couchent déjà ensemble, et lorsqu'une confrontation fatidique conduit à une mystérieuse disparition, Jérémie se retrouve obligé de répondre à de nombreuses avances amoureuses juste pour éviter la prison.

« Misericordia » est, en apparence, un thriller à l'ancienne sur le meurtre et la honte, mais le scénariste/réalisateur Guiraudie n'est qu'à moitié intéressé par la construction d'une tension hitchcockienne conventionnelle. Le vrai problème de Jérémie n'est pas de commettre un crime, c'est cette petite ville où garder un secret a des conditions, dans laquelle un antihéros queer comme Jérémie est obligé de faire de terribles compromis et de renoncer à son libre arbitre. L'étau ne se resserre pas parce que la police se rapproche – même si c'est le cas –, c'est parce que certaines personnes s'en prennent à la communauté queer et prendront n'importe quel prétexte pour s'enfoncer sous les dents.

« Le regard mystérieux du flamant rose »

Ce drame charmant, tragique et, encore une fois, charmant, du scénariste et réalisateur Diego Céspedes se déroule en 1982, dans une ville minière chilienne. Lidia (Tamara Cortés) vit à la périphérie d'un drag bar, abandonné depuis longtemps par ses parents biologiques, élevée par un groupe de reines qui iront se battre pour elle. Littéralement. Lorsque Lidia est victime d'intimidation par des garçons du coin, sa mère adoptive et ses tantes abandonnent tout ce qu'elles font parce qu'il est officiellement temps de botter les fesses.

C'est très gentil, mais le SIDA est arrivé dans le village de Lidia, et sa famille retrouvée est la cible de la colère locale, conduisant à une rencontre bizarre où leurs oppresseurs – qui pensent inexplicablement que le virus se transmet par contact visuel – les forcent à porter un bandeau sur les yeux et à se promener avec un maître. Il y a un film d'horreur dans ce concept, mais « Le regard mystérieux du flamant rose » a d'autres projets et finit par retrouver le chemin de la douceur mélancolique. Le rire d'un foyer aimant, taché de larmes.

« Le jour de Pierre Hujar »

Ben Whishaw est hypnotique, et parfois hypnotiquement ennuyeux (c'est une bonne chose), dans le film parlant fascinant d'Ira Sachs. Et par « talkie », je veux dire que ce sont juste deux personnes qui parlent, dans la veine de « My Dinner with Andre » et « Southside With You ». Whishaw incarne le célèbre photographe Peter Hujar, interviewé par l'écrivain Linda Rosenkrantz, interprétée par Rebecca Hall, à propos de ce qu'il a fait hier. Tout ce qu'il a fait hier. Jusque dans les moindres détails.

L'audio original de l'interview a été perdu, donc le film d'Ira Sachs est une récréation, et il n'a pas d'ambition plus élevée que de vous donner l'impression d'être vraiment là, écoutant deux personnes fascinantes parler de leur récente interaction avec Allen Ginsberg de la même manière que nous parlons de ce type ennuyeux du travail (nous en avons tous un et vous le savez). En cours de route, ils estiment à quel point il est difficile de gagner sa vie en tant qu'artiste et à quel point tous les équipements de base coûtent cher. S'ils savaient à quel point que allait obtenir.

Il y a une qualité transcendante dans la « Journée de Peter Hujar », non pas en dépit de sa monotonie mais à cause d'elle, car ce sont des détails dont nous sommes rarement au courant dans la vie de quelqu'un d'autre, certainement pas des célébrités, mais dont nous sommes hyper conscients dans notre propre existence quotidienne. La vie trouve le moyen d'être banale, aussi remarquable soit-elle. Ajoutez à cela la tristesse inhérente à Peter Hujar, qui n'a pas tardé à quitter ce monde, et vous obtenez un film dont la focalisation étroite révèle des merveilles.

« Reines des morts »

Tina Romero, la fille du visionnaire zombie George A. Romero, rejoint l'entreprise familiale avec le film « Queens of the Dead », mettant en vedette Katy O'Brien (« Love Lies Bleeding ») dans le rôle de la propriétaire d'un club de dragsters qui, comme vous pouvez probablement l'imaginer, est attaqué par des morts-vivants.

C'est un concept aussi bon que n'importe quel autre pour une zom-com, mais Romero et son merveilleux casting en font plus qu'une alouette. Des films comme « La Nuit des morts-vivants » – et il y en a un parcelle des films comme « La Nuit des morts-vivants » – utilisent le concept d’apocalypse zombie pour révéler les liens humains effilochés qui maintiennent à peine une société pleinement fonctionnelle. Supprimez les contrats sociaux, supprimez l'État de droit et mettez chaque personnage en mode panique et vous constaterez toujours que les gens sont les plus grands monstres de tous.

Sauf, bien sûr, dans « Queens of the Dead », qui affirme que lorsque les jeux sont joués, la communauté queer colle les coudes, bon sang. Même les zombies drag ne sont pas si loin et sont tout aussi intéressés à suivre leurs flux de médias sociaux qu'à manger de la chair humaine.

« Queens of the Dead » est un délice mortel, un film kitsch de minuit en devenir et une réinvention vitale de toute l'allégorie des morts-vivants. Zomb-ay… tu restes.