TIFF 2024: Daniela Forever, Can I Get a Witness?, Ick | Festivals &
L’un de mes sous-genres de films préférés à voir dans les festivals est la science-fiction spéculative, en particulier celle des cinéastes BIPOC. Rien n’est plus efficace pour mettre le spectateur dans l’esprit d’un réalisateur que de regarder un film dans lequel il essaie de prototyper le futur à l’écran. Les réalités alternatives abondent au TIFF, mais les trois films présentés ici mettent en scène des créateurs asiatiques derrière et/ou devant la caméra. Bien que différents dans leur niveau de folie, ces mondes offrent un modèle pour surmonter le deuil relationnel, écologique ou sociétal.
Le plus intéressant visuellement des trois est « Daniela pour toujours » Avec l'aimable autorisation du réalisateur espagnol Nacho Vigalondo. Son premier long-métrage depuis « Colossal » de 2014, « Daniela Forever » voit Vigalonodo explorer comment nos désirs d'être connus et vus sont ironiquement la source même de notre aliénation. Henry Golding joue un homme en deuil à Madrid, Nick, qui se remet de la perte de sa petite amie, Daniela (Beatrice Grannò). Pour y faire face, il s'inscrit à un programme expérimental de drogue qui lui permet de rencontrer Daniela à travers des rêves lucides. Alors que Daniela commence dans ses rêves comme une simple compilation de souvenirs désordonnés, Nick utilise progressivement le pouvoir de la drogue pour créer de nouveaux souvenirs avec elle dans le monde des rêves, ce qui rend difficile de discerner ce qui s'est passé dans la vraie vie et ce que Nick lui-même a concocté.
Le désespoir de Nick de reconstruire une vie avec Daniela, même si elle n'existe que dans ses rêves, témoigne de la manière dont nous pouvons mythifier et greffer une signification à des souvenirs auxquels nous n'aurions normalement pas prêté attention. Cela souligne l'exploration par Vigalondo de la manière dont nos expériences présentes ont un impact direct sur nos souvenirs. Il est frappant de constater que lorsque Nick est éveillé, le rapport hauteur/largeur du film est granuleux, au format 4:3, terne et sans vie, tandis que ses rêves sont représentés en plein écran et dans des couleurs plus riches. C'est une subversion intelligente, qui montre à quel point il est tentant d'investir dans l'élaboration d'un fantasme plutôt que de passer du temps dans le monde réel. Vigalondo nous met au défi de nous réveiller un jour, quelle que soit la profondeur de notre chagrin.
« Puis-je avoir un témoin ? » Le film de la réalisatrice Anne Marie Fleming se déroule dans un monde très différent du nôtre, mais qui n'est pas si éloigné que ça du nôtre. Dans le film, bien que la guerre, la pauvreté et la faim soient inexistantes, ces avantages ont un prix : ceux qui atteignent l'âge de 50 ans sont sommés de mettre fin à leurs jours par le gouvernement afin de minimiser la quantité de ressources consommées. Des jeunes sont recrutés pour documenter artistiquement les derniers moments de ce passé. Nous suivons Kiah (Keira Jang) et son collègue, Daniel (Joel Oulette) alors qu'ils accomplissent les derniers sacrements. Sandra Oh joue également un rôle secondaire fort dans le rôle de la mère de Kiah, Ellie, qui est sur le point d'avoir 50 ans. Oh capture parfaitement cette tension entre le fait d'avoir une fille rayonnante et le désir de faire preuve d'empathie pour la vocation pénible qui lui a été assignée.
Le monde de Fleming est magnifiquement rendu grâce à l’objectif fluide du directeur de la photographie C. Kim Miles ; on a toujours l’impression que le soleil brille et Miles pose souvent sa caméra sur le feuillage abondant (signe d’une planète prospère et en voie de guérison) et sur la façon dont il reflète la lumière naturelle. Une touche intéressante, mais qui sert rarement à autre chose qu’un épanouissement visuel, est l’utilisation de séquences animées chaque fois que Kiah documente un moment. Dans plusieurs séquences, les dessins qu’elle écrit s’envolent littéralement de la page et prennent vie ; ce sont de beaux moments teintés d’une profonde tristesse, un rappel troublant que la prospérité que nous voyons à l’écran n’est possible que grâce à une mort massive et sanctionnée par l’État. Le film de Fleming aurait été plus serré s’il avait permis à ses personnages de se débattre avec cette réalité plutôt que de ressentir le besoin de fournir une histoire d’origine pour le monde que nous voyons. En fin de compte, « Can I Get a Witness ? » est défait par son besoin de s'expliquer, donnant à ses personnages le genre de dialogue qui est censé toujours fournir une histoire de fond sur la façon dont le monde est devenu ce qu'il est ; en conséquence, on n'a jamais l'impression que les personnages ont une conversation normale.
De loin, la plus grande déception des trois est « Beurk » réalisé par Joseph Kahn, qui a toute la subtilité thématique d'un coup de massue en plein visage et est à peu près aussi agréable. Jouant dans le cadre de Midnight Madness, il se concentre sur les habitants de la ville rurale d'Eastwood qui ont été envahis par une entité extraterrestre envahissante, appelée « le ick ». Le ick tel que nous le rencontrons de nos jours est pour la plupart inoffensif, se manifestant sous la forme de grappes ressemblant à des vignes qui poussent au hasard le long des rues de la ville. Brandon Routh joue le rôle de Hank Wallace, un professeur de sciences ; lui et une autre étudiante Grace (Malina Weissman) sont les seuls à Eastown à se méfier de la latence inoffensive du ick. Leur méfiance est justifiée lorsque le ick commence à posséder violemment ou à assassiner les habitants de leur ville.
L’entité tentaculaire et informe au centre de « Ick » devient une métaphore appropriée pour le problème du film dans son ensemble, dans la mesure où ses nombreux problèmes sont si étroitement liés qu’il est difficile de désigner un problème clé précis. Le film se déplace à un rythme effréné, ce qui fait qu’il est difficile de se sentir investi dans l’un des arcs de ses personnages. Lorsque le film ralentit pour essayer de gagner des moments dramatiques, il semble discordant et incohérent sur le plan du ton, et ces moments sont immédiatement sapés par une phrase d’accroche ou une blague juvénile. Sans donner à ses personnages (ou à l’intrigue) une chance de se développer à un rythme plus raisonnable, Kahn compense fréquemment les enjeux narratifs perdus en incorporant des chutes d’aiguilles du début des années 2000 à un degré agressif, comme si la simple présence de telles pistes rendait une scène épique.
Il y a ici un potentiel de commentaire abondant, notamment dans la façon dont Kahn essaie d'établir un parallèle entre l'apathie des gens envers le Covid et l'apathie des gens envers le dégoût, mais le simple fait de nommer un parallèle ne suffit pas à être profond, et, trop souvent, il semble se contenter de faire une simple allégorie plutôt que d'en faire quelque chose d'intéressant. Même les brefs moments de joie sanglante que l'on attendrait d'un titre Midnighter sont annulés par des images de synthèse inachevées et médiocres. Cela est particulièrement évident dans une séquence quelque peu remarquable où le dégoût attaque en premier. Il y a une certaine joie primitive à voir des corps déchiquetés avec un abandon gratuit (et le directeur de la photographie David Weldon Jr. capture un plan particulièrement brutal du point de vue d'une « vigne » de dégoût alors qu'elle bulldozer à travers plusieurs corps) mais parce que les images de synthèse sont sous-développées, elles ne parviennent pas à rendre la menace du dégoût tangible ou vécue. Kahn a partagé qu'il avait terminé le travail sur le film quelques jours avant la première du film au TIFF ; Espérons qu'entre cette date et la sortie du film, il retravaillera le grand concept de « Ick » en quelque chose de plus acceptable.
