Critique de « Maria » : Angelina Jolie embrasse la folie dans un drame onirique avec Maria Callas
Mostra de Venise : Pablo Larraín poursuit ses films sur Jackie Kennedy et la princesse Diana avec une autre fantaisie sombre sur une femme emblématique
Depuis près de deux décennies, le réalisateur chilien Pablo Larraín réalise des films en langue espagnole qui vont des histoires effrayantes (« Fuga », « Post Mortem ») aux histoires politiques (« No », « Neruda ») en passant par des études de personnages (« Tony Manero », « Ema ») et, eh bien, des études de personnages politiques effrayantes (« El Conde »). Mais depuis huit ans, Larraín mène une carrière parallèle en réalisant trois films en langue anglaise dont les titres en un mot sont tirés des noms des femmes célèbres qui les incarnent : d’abord « Jackie » en 2016, avec Natalie Portman dans le rôle de Jackie Kennedy dans les jours qui ont suivi l’assassinat de son mari, le président américain John F. Kennedy ; puis « Spencer » en 2021, avec Kristen Stewart dans le rôle de Diana Spencer, la future princesse de Galles, lors d’un week-end chargé dans la maison de campagne de la famille royale britannique ; et maintenant « Maria », avec Angelina Jolie dans le rôle de la diva de l’opéra Maria Callas.
Ces trois films forment un triptyque improbable de fantasmes aventureux et sombres sur des femmes emblématiques soumises à une pression extrême. Mais « Maria », acheté par Netflix avant sa première à la Mostra de Venise, est à certains égards une manière contre-intuitive de faire suite à « Jackie » et « Spencer ». Ces deux premiers films étaient fleuris, parfois délicieusement surfaits (« Jackie » plus efficacement que « Spencer ») et flirtaient souvent avec l’hystérie – et étant donné que « Maria » se déroule dans le monde théâtral et sauvage du grand opéra, on s’attendrait à ce qu’il soit le plus fleuri et le plus surfait du lot. Au lieu de cela, à bien des égards, c’est le plus sobre ; la musique de Puccini et de Verdi est là pour fournir les grandes fioritures émotionnelles, mais le film lui-même est onirique et presque studieusement placide.
Comme les deux premiers volets de la série de chroniques de femmes célèbres de Larraín, « Maria » est d'une beauté exquise mais aussi insaisissable ; il explore Callas mais ne cherche pas à la définir, à l'expliquer ou à la cerner. Et là où « Jackie » était un exercice virtuose de tension et où « Spencer » déraillait parfois, le nouveau film semble contrôlé et précis, avec une brillance brillamment polie grâce au directeur de la photographie Ed Lachman (récemment nominé aux Oscars pour son travail sur « El Conde » de Larraín).
C'est en partie parce que Callas elle-même a toujours insisté pour garder le contrôle. Si « Jackie » et « Spencer » parlaient de femmes qui se battaient pour ne pas devenir folles et perdre le contrôle, « Maria » parle d'une femme en paix avec sa folie. Elle peut parfois entrer et sortir d'un monde imaginaire, mais c'est son Un monde fantastique. « Depuis ce matin », dit-elle à sa fidèle femme de ménage (Alba Rohrwacher) à un moment donné, « ce qui est réel et ce qui ne l’est pas, c’est mon affaire. »
Tout opéra digne de ce nom a besoin d'une grande scène de mort, et c'est là que « Maria » commence, avec Callas allongée sur le sol de son somptueux appartement parisien, entourée de meubles ornementés et morte d'une crise cardiaque à l'âge de 53 ans. Mais la scène ne reste pas là longtemps, et passe plutôt à un gros plan en noir et blanc de la diva chantant « Ave Maria (Desdemona) » d'« Otello » de Verdi. La voix appartient clairement à Callas, car on ne peut pas faire un film sur elle et faire interpréter les airs par une star de cinéma, mais Angelina Jolie parvient à ne pas paraître déplacée – et à certains moments du film, le mix vocal de Larraín combine l'actrice et la diva.
La musique de Callas est constamment entendue dans le film et sert souvent de portail vers d'autres époques et d'autres mondes – dans le cas d'« Ave Maria », résumant toute une carrière dans l'espace d'une aria.
L'essentiel du film se déroule durant la dernière semaine de la vie de son personnage, malgré les nombreux flashbacks. Il se déroule à une époque où Callas ne peut plus être la grande diva à la voix incomparable, mais où chaque geste peut encore être impérieux et royal. Elle marche dans la maison lentement et délibérément, mesure ses mots et les déploie de manière dramatique ; sa réputation de diva redoutable la précède, et elle le sait et l'utilise.
Elle est également accro aux médicaments et a des visions de son petit ami décédé, Aristote Onassis, presque toutes les nuits. Mais elle n'a aucune envie de changer de traitement pour contrôler ses visions, c'est pourquoi la femme et le film jouent tous deux avec la notion de réalité.
C'est un terrain idéal pour Larraín, qui a depuis longtemps montré un intérêt pour l'utilisation de la fantaisie astucieuse pour atteindre le cœur des vraies personnes. Callas dit à ses deux employés (le second étant un majordome joué par Pierfrancesco Favino) qu'une équipe de télévision viendra l'interviewer ce matin-là, et ignore la question de savoir si cette équipe est réelle ou non. Bien sûr, un caméraman et un intervieweur (joué par Kodi Smit-McPhee) se présentent et elle s'entraîne avec eux de temps en temps tout au long du film – mais cela ne veut pas dire qu'ils ne sont pas le fruit de son imagination.
Ou peut-être est-ce un moyen pour elle d'être elle-même. « Peut-être pourrions-nous parler un peu de votre vie en dehors de la scène », dit l'intervieweur à un moment donné, et la réponse de Callas est rapide : « Il n'y a pas de vie en dehors de la scène. La scène est dans mon esprit. »
La scène se trouve aussi dans la loge de sa maison, bordée de bustes en marbre, comme si elle fournissait son propre public. Et c'est dans les rues de Paris, où une foule marchant devant la Tour Eiffel peut se transformer en chœur d'opéra et où un théâtre nu dans lequel elle et un pianiste solitaire s'entraînent peut être rempli de fans adorateurs au moment où elle arrive à la moitié de son aria.
La Callas de Larraín est amoureuse de ses fans, et sa femme de chambre et son majordome (Pierfrancesco Favino), qui souffrent depuis longtemps, sont habitués à ses besoins. « Réservez-moi une table dans un café où les serveurs savent qui je suis », dit-elle à son majordome à un moment donné. « J'ai envie d'être adulé. »
Le film raconte une histoire triste qui s’achemine inexorablement vers la fin que nous savons venir, mais il suggère également qu’il y avait une très bonne raison à cette adulation, et une raison pour laquelle elle avait un prix. Lorsque sa sœur lui dit de fermer la porte aux souvenirs dommageables d’une enfance brutale, Callas secoue la tête. « Je ne peux pas », dit-elle. « C’est la seule façon pour la musique d’entrer. »
La musique est-elle un élément moteur de « Maria » ? Bien sûr, et pourquoi pas ? Il serait difficile d’imaginer une meilleure façon de résumer le chagrin causé par les tensions familiales qu’avec « O mio babbino caro » de Puccini, ou une manière plus dramatique d’explorer une psyché en train de se fracturer qu’avec la scène de folie de « La Bohème », qui dans le film oscille entre les époques et est tour à tour palpitante et déchirante.
Dans un film à la fois majestueux en surface et orageux en profondeur, les traits dessinés, presque architecturaux, et l’air de retenue imposée de Jolie sont idéaux pour la vision de Callas de Larraín. C’est une épave glorieuse et lumineuse, en quête de paix mais inexorablement attirée par un monde de grands artifices. « Ma vie est un opéra », dit-elle. « Il n’y a pas de raison dans l’opéra. »
« Maria » abandonne elle aussi la raison. Et c'est tant mieux.
« Maria » sortira sur Netflix plus tard cette année.
