SXSW Film Festival 2025: The Rivals of Amziah King, Hallow Road, The
Un film a finalement frappé le SXSW relativement bas de cette année comme un éclair, produisant plusieurs applaudissements dans le film et une ovation debout à la fin. Andrew Patterson « Les rivaux du roi d'Amziah » est une merveille qui varie la foule, un nouveau classique du Sud américain qui bourdonne avec une adoration sérieuse pour les habitants de cette région, ce qu'ils font et comment ils célèbrent la vie. «The Vast Of Night» de Patterson a été un début qui semblait difficile à dépasser, un film qui pourrait être une passerelle vers un éternité de sophomore, mais il prouve avec cette entreprise qu'il est un talent passionné avec une langue cinématographique unique. « Amziah King » n'est pas ce que vous attendez, un film qui flotte dans et hors de la musique et de la narration comme un grand album country. La star Matthew McConaughey, faisant son premier travail de film non animé en six ans, a présenté le film en disant que c'était «pour les amateurs de cinéma et les agriculteurs», et ce n'est pas seulement une ligne. C'est quelque chose qui pourrait vraiment éclater pour le bon studio. Ils joueront avant chaque match de Longhorns.
«Les rivaux d'Amziah King» s'ouvre en définissant un modèle joyeux. Amziah (un fantastique McConaughey, se penchant dans son charme du Sud d'une manière qui le rend impossible à ne pas aimer) a rassemblé ses amis pour une performance dans un parking d'un hamburger au volant et secouer. Ils commandent leur nourriture, puis ils ont éclaté en chant au fur et à mesure que les crédits roulent, Patterson gelant des cadres, ralentissant les autres et transformant la caméra en joueur du Hoedown. Il est électrique comme McConaughey et ses amis Hoot et Holler l'une des nombreuses chansons originales produites par T-Bone Burnett. « Les rivaux d'Amziah King » concerne les communautés dans lesquelles les gens vont répondre à l'appel lorsque vous leur demandez de passer avec un banjo et de jouer une chanson sur laquelle vous avez travaillé aussi facilement qu'ils répondront lorsque vous aurez besoin d'une véritable aide dans une situation de vie ou de mort. La musique reflète ici la culture et l'ambiance avec des airs originaux par les Brothers Avett et Ben Hardesty, qui est également dans le film comme l'un des King Clan. La musique gouverne absolument d'une manière que la plupart des comédies musicales originales n'ont pas ces dernières années.
King est un apiculteur, une industrie plus rentable et dangereuse que vous ne l'avez peut-être imaginé. Le script de James Montague est très délibérément épisodique, comme un album folklorique passant de la chanson en chanson mais en maintenant un ton, jusqu'à la seconde moitié quand il gagne plus de concentration narrative.
Malgré la performance stellaire qui transporte cette face B à cet enregistrement, j'ai préféré le rythme lâche du premier, celui qui relie des histoires comme King raconte dans une scène incroyable autour d'un potluck, un incontournable de la culture sud. Une jeune femme qu'il a accueillie autrefois nommée Kateri (la phénoménale Angelina Looking Glass, qui va être une star) a soudainement remonté dans sa vie, et il raconte ses histoires sur les familles derrière les plats sur la table. C'est une scène drôle et intelligente qui se penche sur les thèmes du film sur la narration et la communauté.
L'empire de King est menacé par des apiculteurs rivaux qui menacent de voler l'urticaire qu'il refuse de vendre. Travailler avec Kateri et un groupe d'acteurs de grands personnages qui incluent Rob Morgan et Cole Sprouse, King essaie de maintenir un terrain élevé, mais «Rivals» va des endroits auxquels vous ne vous attendez pas. Il devient en quelque sorte un Western, une histoire de vengeance sous un nouveau shérif en ville.
Certains trouveront des éléments comme le matériel qui compare directement les soldats de l'équipage de King à Bees Hokey, mais nous acceptons tout le temps Hokey dans la musique folk et country. Ce sont des fables racontées autour d'un feu de camp avec un pot de lune dans la main et de la musique dans les airs, des histoires qui ne nous concernent peut-être pas, mais que nous pouvons nous voir, des contes qui nous font reconsidérer les personnes que nous apprécions dans nos vies et jusqu'où nous allions.
Ils ne pourraient pas être plus différents de tons, mais il y a des aspects de la péniche de Babak Anvari «Hallow Road» qui relient les films. Ils sont tous les deux culturellement spécifiques, présentés pour de grandes performances et les affirmations des talents copieux de leur réalisateur. Anvari a eu un peu de mal depuis son excellent «sous l'ombre», mais celui-ci est presque aussi bon, un deux-vannes d'un cauchemar parental qui ne souligne pas ou ne met pas en évidence ses thèmes autant que de permettre aux téléspectateurs de lui retirer ce qu'ils choisissent. C'est un voyage terrifiant dans la nuit, un peu d'horreur folklorique à propos des parents qui perdent leur emprise sur leur fille, et c'est facilement l'un des meilleurs de SXSW 2025.
Cela pourrait être à cause de mon expérience sur scène, mais je suis une sorte de ventouse pour les deux mains à deux main, et «Hallow Road» se déroule presque entièrement dans une voiture sur une route solitaire au milieu de la nuit. C'est là que nous trouvons Maggie (Rosamund Pike) et Frank (Matthew Rhys) après un appel téléphonique paniqué de leur fille Alice (Megan McDonnell). Nous ne savons pas grand-chose, mais les signes d'une explosion autour de l'appartement et des extraits de dialogue montrent clairement qu'Alice est parti au milieu de la nuit après un combat avec un ou les deux de ses parents. Et elle appelle parce qu'elle est profondément dans une forêt au bord de la ville et, bien, quelqu'un a couru sur la route. Elle les a frappés et elle ne savait pas quoi faire.
Alors que Frank et Maggie se précipitent sur les lieux pour aider, Maggie, paramédicale, essaie d'abord de parcourir Alice à travers la RCR au téléphone. Ça ne va pas bien. Et puis les choses deviennent Vraiment bizarre. Pourquoi cela prend-il si longtemps pour y arriver? Et devraient-ils appeler les autorités? Frank veut y arriver et concevoir une histoire qu'il conduisait à la place. Maggie ne le fait pas. Alors que Rhys et Pike débattent de la bonne ligne de conduite, une terreur rampante se faufile dans le film, un sentiment qu'aucune de ces personnes bien intentionnées ne peut sauver leur fille de ce qui arrive. En tant que parent, je peux affirmer que l'idée que vous ne pourrez pas protéger votre enfant du danger du monde vous tient debout la nuit. Ce film s'appuie sur cette peur de manière vraiment mémorable.
L'effroi parental dans l'espace confiné d'une voiture serait un défi d'acteur pour quiconque, mais Pike et Rhys clouent les rythmes de ces personnages sans les tics et sur les autres artistes se seraient appuyés comme une béquille. Ces deux-là sont clairement en désaccord sur la façon de gérer ce passage difficile de la vie dans laquelle vous voulez soutenir votre enfant à mesure qu'ils deviennent un adulte et lui donnant la liberté de prendre ses propres décisions. Pike a une immédiateté surprenante – nous croyons sa préoccupation, mais elle imprègne également le personnage avec l'instinct d'un ambulancier paramédical, quelqu'un s'est formé pour répondre avec urgence. Rhys obtient une température protectrice plus paniquée, essayant de réparer une situation que maman connaît devient de plus en plus imprévue.
Sans se gâter, «Hallow Road» va des endroits surréalistes et atterrit sur une torsion qui n'est révélée que dans les crédits (ne sautez pas à la fin) qui permet des interprétations encore plus importantes. Certains peuvent trouver ce genre de fin frustrant, mais j'aime des films comme celui-ci qui ne font pas de la cuillère à la cuillère de réponses à leurs réponses. Les cauchemars ont souvent de vagues terminaisons qui nous obligent à repenser ce qu'ils étaient réellement à la lumière du jour.
Il y a aussi un aspect surréaliste à une grande partie de l'André Gaines ' «Le Néerlandais», » Une adaptation métatextuelle de la pièce d'Amiri Baraka en 1964 du même nom, mais une qui perd une grande partie de la poussée de l'original en étant si conscient de ses nombreux messages sans jamais trouver un moyen de les cohérer en une seule vision. C'est un raté ambitieux, une grande balançoire avec beaucoup d'idées, mais c'est tellement sans air et étouffant que ces idées n'ont jamais de place pour respirer.
Le jeu primé par le Baraka a été une révélation choquante en 1964. Le seul acte est seulement une demi-heure, et il est venu comme la réponse de Baraka à la fois à la montée du mouvement Black Power et à son divorce d'Hettie Jones. C'est le cas d'un dramaturge interrogeant non seulement le monde qui l'entoure, mais sa place en tant qu'homme noir. Ce n'est pas une coïncidence que ce soit la dernière pièce que Baraka a publiée sous le nom de Leroi Jones.
Plutôt que de simplement s'adapter Le Néerlandais Encore une fois, qui s'est déjà produit en 1967, Gaines, utilise le texte comme point de saut pour un examen moderne de la masculinité noire. La toujours bonne Andre Holland joue Clay, qui se débat dans son mariage avec Kaya (Zazie Beetz). Leur thérapeute (le merveilleux Stephen McKinley Henderson, qui était en fait ami avec Baraka) donne à Clay une copie physique de Le NéerlandaisEt le film du même nom tourne dans un long voyage au cours de la soirée, un peu comme comment voir sa femme comme un être sexuel a envoyé Tom Cruise en spirale à travers «les yeux écarquillés».
Clay rencontre une séductrice nommée Lula (Kate Mara) dans le train (qui est l'endroit où tout le jeu a eu lieu). Elle est légèrement habillée, fortement maquillée et porte littéralement une pomme rouge avec elle comme si elle était prête à tenter Clay du jardin d'Eden. La première rencontre dans le train utilise une partie du dialogue de Baraka, et il s'engage dans sa théâtralité, presque onirique.
«The Hollandais» vacille lorsque Clay et Lula quittent le train, et Gaines prend le contrôle du récit. Donner à un personnage qui est en grande partie un symbole comme Lula tant de temps d'écran dans des paramètres plus réalistes comme la fête vers laquelle Clay se dirigeait en premier lieu crée un conflit de tons qui traîne la section médiane. Et puis tout vole dans l'acte final lorsque Gaines cherche à souligner ses messages, évitant toute subtilité potentielle de répétition. L'effort pour amener un texte fondateur des années 60 dans une époque où la masculinité noire est toujours menacée et marchandieuse est noble, mais les gaines ne comprennent jamais tout à fait comment modeler cette argile en quelque chose d'aussi efficace que de simplement lire ou regarder l'original.
