SXSW Film Festival 2025: Are We Good?, I’m Carl Lewis!, Strange

Lorsque des documentaires se concentrent sur une personne, la largeur est souvent sacrifiée pour la profondeur. Heureusement, pour la plupart, trois documents du SXSW de cette année sont moins structurés de manière à traverser rapidement les plus grands succès, mais pour créer un espace pour que leurs sujets méditent et réfléchissent à leur guise. Certains ont plus de succès que d'autres, mais il est rafraîchissant de voir des titres qui tentent de ralentir et d'être ruminatifs au milieu de l'éducation exigeante. Je suis reconnaissant d'être entré dans un théâtre pour voir ces films, ne connaissant presque rien des sujets en vedette, et maintenant en tant que nouvel admirateur.

Réalisateur Steven Feinartz «Sommes-nous bons?» est une rétrospective du comédien et podcast de stand-up Marc Maron, et comme on pourrait s'y attendre de l'écoute de Maron sur son podcast, c'est à parts égales humoristique et douloureuse, souvent à la fois. Alors que Maron raconte sa trame de fond sur la façon dont il est entré dans le stand-up et comment il a aidé à pionnier le support de podcasting, il rétrécit sa portée pour se concentrer sur un point d'inflexion particulier dans la vie de Maron.

La perte qui catalyse les réflexions existentielles de Maron est la mort de son partenaire, Lynn Shelton, en 2020. Lynn était une cinéaste talentueuse et, à la suite de son décès, nous voyons des émissions artisanales de Maron pour aider à traiter sa tristesse. Il se demande souvent s'il devrait ou non faire de la comédie et si c'est déshonoré à Shelton de baser ses nouvelles routines autour de l'agonie de son décès. Cette exploration est ce qui fait « sommes-nous bons? » Plus réfléchi que d'autres documentaires qui ont peut-être été tentés de jouer les plus grands succès; À son nœud, c'est une sombre exploration de la façon dont l'humour peut nous aider à faire la paix avec la douleur que nous ressentons dans le monde. « Humour [makes the pain] J'ai l'impression que ce n'est pas gaspillé », dit Maron. Quand cela se délecte de cette réalité, « sommes-nous bons? » est le plus résonnant, montrant comment le rire peut être une façon digne de répondre au chagrin.

Le film essaie de faire un œuvre sur la personnalité de Maron à des résultats mitigés; Maron est lié à la caliance et, si quoi que ce soit, sa séquence unique d'humour sombre n'est plus pertinente que notre monde («terminons sur quelque chose de plus optimiste… Il y a une raison de ne pas avoir d'enfants», dit-il comme conclut un spectacle en direct). Il est également évident que Feinartz et Maron ont une relation confortable comme dans de nombreuses séquences alors que Maron parle directement avec Feinartz et remet en question la validité et l'importance des images qu'ils tirent. Il est destiné à donner au documentaire une ambiance insolent, mais j'ai eu l'impression que même si Maron était vulnérable, il n'est jamais allé dans des endroits qu'il n'était pas déjà à l'aise de divulguer sur son podcast ou dans d'autres médiums. Il y a un sentiment de conservation, comme si ce que nous sommes témoins était d'être considéré comme une découverte exclusive des pensées de Maron, mais tout cela semble trop assemblé pour être organiquement désordonné. De plus, ce n'est pas un spoiler de dire qu'à la suite du décès de Lynn, il a pu retrouver l'amour dans sa relation avec sa petite amie actuelle, Kit. Bien qu'il soit touchant (et parle des thèmes globaux du film sur la paix et le passage), son inclusion dans le documentaire, une révélation qui se déroule à la fin du film, se sent un peu choquante étant donné que nous avons passé la majorité du documentaire en deuil avec Maron et en rappelant comment la perte de Shelton l'a dévasté si holistiquement.

Pourtant, comme le film nous le rappelle, le chagrin est un processus, et je peux voir un documentaire comme celui-ci comme étant juste une étape au début des propres travaux de Maron de ces pensées, un premier projet alors qu'il se met à l'aise pour se détacher. C'est un honneur d'être en voyage avec lui.

Je souhaite que tous les documentaires qui se concentraient sur les figures sportives étaient comme Julie Anderson et Chris Hay «Je suis Carl Lewis!» qui trouvent des moyens de centrer la voix de son sujet, mais le font avec une posture d'invitation et de sensibilité. Alors que tant de documentaires se contenteront de vous prêcher, convaincant à travers des modifications intelligentes et des interviews à tête parlante grandiloquentes qu'une figure donnée est intéressante et vaut votre temps, Anderson et Hay comprennent intrinsèquement à quel point Carl Lewis est spécial et fascinant et de la structure du documentaire d'une manière qui permet aux paroles de Lewis de parler d'elles-mêmes, plutôt que de ressentir le besoin de surmonter.

Lewis est un médaillé d'or olympique de neuf fois et bien que ses compétences et son talent sur la piste et le terrain soient indéniables, il a été crucifié aux yeux du public pour son refus de s'adapter aux notions préconçues et à la moisissure de la façon dont un athlète noir devrait agir. Le point d'exclamation du titre du film est également un ajout approprié; Lewis était quelqu'un qui était lui-même sans vergogne et a refusé de jouer au jeu de fausse humilité qui était attendu des athlètes à l'époque dans les années 1980. Sa volonté d'opérer dans un espace d'ambiguïté autour de son orientation et de son identité était une autre source de discorde; S'inspirant de quelqu'un comme Prince, Lewis a opéré avec une fluidité et un esprit fluide qui allait à l'encontre d'une société qui voulait des catégorisations de coupe propres pour leurs athlètes masculins. Il a payé le prix pour être fidèle à lui-même, étant souvent typique comme arrogant, arrogant et difficile à travailler dans les yeux du public lorsque la réalité était beaucoup plus nuancée.

«Je suis Carl Lewis!» représente un moyen pour lui de reprendre son pouvoir et de raconter son histoire dans son récit. Il est particulièrement justificatif étant donné que les outils des médias et de l'écran autrefois utilisés pour supprimer sa sensibilité, sa réflexion et son caractère sont désormais les façons même où les gens peuvent apprendre à connaître le vrai lui. Le film n'est pas seulement une réintroduction, mais une chaîne pour la renaissance juste pour Lewis de raconter enfin son histoire selon ses termes. Le film de Hay et Anderson se déplace tout au long des points hauts et bas de la vie de Lewis, montrant comment malgré la presse négative qu'il aurait pu prélever contre lui, Lewis n'a jamais cessé d'être lui-même et par extension, a aidé à inspirer les autres à le faire également.

Je ne suis pas encore allé dans une émission en direct de « The Rocky Horror Picture Show » (Cue the « Virgin » Clapbacks dans la section des commentaires), alors je suis entré « Strange Journey: The Story of Rocky Horror » avec un mélange égal d'excitation et de curiosité. Comme le spectacle ses profils, il bourdonne avec une faim et une gratitude énergiques et vives à vie, bien que étant donné la subversive et la transgressive de son film, j'aurais aimé qu'il ait pu incarner une partie de cet iconoclasme dans sa structure. Le film retrace les gens qui ont été touchés par le film depuis sa première en 1975 et tout le monde du créateur de spectacles Richard O'Brien, le directeur musical Richard Hartley, et des stars comme Tim Curry et Susan Sarandon reviennent pour donner des interviews de la tête parlante sur le travail sur la production. Pour les têtes d'horreur inconditionnelles, les informations présentées ici sont probablement une quantité connue, mais pour un néophyte comme moi, j'ai trouvé le voyage en train de s'amuser, de comprendre comment la relation d'O'Brien avec son père a influencé la production à des façons particulières le film a eu un impact sur la communauté queer (et comment elle continue de rester un incontournable).

Comment «Strange Journey: l'histoire de l'horreur rocheuse» évite d'être auto-félicitante, c'est quand il faut des pauses en racontant la tradition et l'histoire de l'émission pour se concentrer sur l'impact de l'émission. Il convient de noter en particulier une anecdote de la drag queen Trixie Mattel, qui partage comment la visualisation du spectacle lui a donné la liberté d'explorer la traînée même si elle a grandi dans une ville rurale. Il y a beaucoup d'anecdotes dispersées tout au long du film, et cela explique pourquoi le spectacle a été si durable et populaire. Ce n'est pas seulement que c'est un sacré bon moment, mais à la base, c'est une invitation pour les gens à danser, à être libre et à trouver la sécurité avec un groupe d'étrangers qui veulent tous la même chose. Les espaces de transgression et de sécurité n'ont jamais été aussi importants (ou dans un approvisionnement rares) que maintenant, et à son meilleur, «Strange Journey: The Story of Rocky Horror» offre le même terrain de jeu à ses téléspectateurs.