Sous la surface: comment «la substance», «méchante» et d'autres films aux Oscars, sont aux prises avec la femme

Thewrap Magazine: le gagnant du prix Pulitzer Salamishah Tillet explore ce qui se passe lorsque les héroïnes hollywoodiennes renversent les attentes sociétales des normes de genre

Dans l'une des premières scènes du dernier film de Coralie Fargeat, «The Substance», le patron du gourmandise Harvey (Dennis Quaid) prévient Elisabeth Sparkle (Demi Moore), un instructeur d'aérobic de télévision, «Il s'arrête à 50 ans».

Et parce que je le regardais pendant que j'étais sur le point d'entrer dans ma 50e année, ma réponse était aussi impassible que la sienne.

«Qu'est-ce qui s'arrête à 50 ans?» Elle dit avec incrédulité en sourdine.

Au cours des deux heures suivantes, le film révèle les diverses extrémités précipitées par sa quarantaine: son attrait. Son public. Sa proximité avec le pouvoir. Son corps. Son âme.

Tout cela est possible parce que «la substance» est un film sur la transformation hebdomadaire d'Elisabeth de son moi plus âgé et plus conscient en une Sue plus jeune et complètement axée sur l'identification (Margaret Qualley), il s'agit vraiment de la préciosité et de la précarité de certains types de beauté féminine. C'est une méditation sur les longueurs violentes que les institutions médiatiques, l'industrie de la beauté et les individus qui les représentent iront pour punir les femmes pour vieillissement et, avec cela, les faire pression contre les délecteurs de leur agence et la gamme complète de l'humanité.

Encore plus tragiquement, retrouver le pouvoir et s'affirmer, Elisabeth recoure l'injection d'une substance néon et d'une douleur insupportable durable pour échanger des endroits avec son moi plus jeune. Grâce à elle et à l'échange constant par Sue, nous voyons son caractère transformer physiquement sans évoluer psychologiquement. Plutôt que de rejeter extérieurement ces normes de perfection féminine, Elisabeth finit par être une héroïne tragique, libérée uniquement lorsque son corps est détruit plutôt que de décider de trouver un moyen de vivre devant la date d'expiration cruelle de Harvey.

Au cours d'une année au cours de laquelle Hollywood a produit une multitude de personnages féminins riches à l'écran, l'issue d'Elisabeth m'a également fait repenser le sort des autres femmes de premier plan qui ont également subi des transformations importantes: dans «Wicked», Elphaba (Cynthia Erivo) des mouvements de réticence à la réticence à révolution; Après l'arrestation de son mari et que la dictature militaire au Brésil l'a détenue, Eunice Paiva (Fernanda Torres) de « Je suis toujours là » passent de la mère au foyer à un avocat des droits de l'homme; Ani (Mikey Madison) de « Anora » s'efforce d'une vie au-delà de la danse érotique en s'élevant avec le fils d'un oligarque russe; Le protagoniste titulaire de «Emilia Pérez» (Karla Sofía Gascón) se réinvente d'un seigneur de la drogue sociopathique à une femme de la société SOIGNÉ. À la grande exception d'Eunice, ces femmes ne réussissent que partiellement à changer les circonstances dans lesquelles elles sont nés.

En d'autres termes, ces films posent une question plus grande: les femmes peuvent-elles renverser les attentes sociétales des normes de genre et survivre entières et intactes?

Avec sa structure de film en deux parties, « Wicked: Part One » Se termine avec Elphaba trouvant sa voix, embrassant son «altérité» comme verte et étant ostracisée par l'assistant. Nous devrons attendre en novembre pour voir la quantité de puissance qu'elle peut exercer en exil en tant que méchante sorcière de l'Occident. De même, Ani semble être pris dans un échange de relations sexuelles sans fin; Son plan pour fuir le club de strip-tease la met en danger plus physique, sans fin de conte de fées en vue. Enfin, en tant que personnage trans, Emilia Pérez se métamorphose le plus physiquement, et à la suite de sa chirurgie affirmée par le sexe (le film implique controversé), le plus psychologique. Mais même avec ce grand arc, la finalité d'Emilia se sent toujours prédéterminée par les péchés de sa vie passée ou la tragédie stéréotypée qui arrive souvent aux femmes transgressives, en particulier les femmes trans, dans la fiction et la vie réelle.

L'évolution la plus subtile et, à bien des égards, la plus inspirée, cependant, appartient au personnage principal de «Je suis toujours ici», Eunice Paiva, qui dans la vraie vie et dans le film trouve sa voix de résistance politique après la disparition forcée and murder of her husband, Rubens Paiva (Selton Mello), in January 1971. Not only does Eunice survive a nearly two-week interrogation at a secret military facility, but that trauma also awakens so many instincts in her — as a mother, a L'épouse et une cible de persécution politique – qu'elle se consacre finalement à élever ses cinq enfants seuls tout en gardant l'héritage de dissidence de son mari en vie. Le film retrace la progression d'Eunice en la montrant comme avocat et défenseur qui témoigne du gouvernement démocratiquement élu admettre les péchés de l'ancienne dictature et qui finit par lutter contre la démence à la fin de sa vie.

Une manière politique d'une manière différente sont les personnages de «substance» Elisabeth et Sue, dont la liaison mortelle a conduit certains critiques à applaudir le féminisme du film, tandis que d'autres ont fait valoir que sa progressivité tombe à plat. À certains égards, ce débat est en partie un sous-produit du genre d'horreur, dans lequel le grotesque devrait être exagéré; Dans ce cas, il se manifeste comme un produit de la dysmorphie corporelle sévère d'Elisabeth. Mais une lecture plus généreuse est qu'il s'agit d'un cas de thème imitant de forme. Dans un film sur les lectures de surface, il n'est pas surprenant que ses personnages principaux se voient refuser une profondeur réelle. Leur planéité est le point.

En ce sens, la fin de «la substance» pourrait mieux ressembler à un autre film qui se concentre sur la toxicité mortelle de l'industrie de la beauté américaine: «Skincare» de l'été dernier, avec Elizabeth Banks en tant que célèbre esthéticienne d'âge moyen qui est si paranoïaque à la perte de son statut et de sa pertinence qu'elle attaque un rival sans méfiance qui Elle blâme pour avoir saboté son entreprise.

Même si les personnages principaux de Fargeat peuvent manquer de substance, je me suis retrouvé à suivre la trajectoire de ses films et son obsession de montrer la différence entre les normes de beauté impossibles qui nous sont imposées et les conséquences fatales de l'embrasser ce regard comme le nôtre.

«Reality +», son court métrage de 2014, suit Vincent comme son moi moyen (Vincent Colombe) et dans son état altéré (Aurélien Muller), par lequel une puce de cerveau lui permet de se voir dans son corps physique idéal. La capture: Il y a un délai de 12 heures, le forçant à rentrer chez lui, comme Cendrillon, à éviter la détection par une femme qu'il veut sortir avec. En fin de compte, Vincent peut rejeter la technologie qui le transforme en Vincent + et choisir un chemin encore meilleur.

En 2017, Fargeat a suivi de «Revenge», son premier long métrage qui a affronté les effets de la violence patriarcale en gros sur le corps d'une femme. Situé dans une maison de vacances isolée dans le désert, le film parle de Jen (Matilda Lutz), une jeune actrice en herbe qui est agressée sexuellement et laissée pour un groupe d'hommes, dont l'un a une liaison. L'intrigue qui a suivi est une question de moi de soi de Jen et de la façon dont elle ramène son récit, son corps et sa vie de ces hommes en qui elle a confiance.

« En tant qu'êtres humains en général, mais surtout en tant que femmes, notre corps est un tel objet de discours, de contemplation, de jugement, de transformation », a déclaré Fargeat dans une interview en septembre, « qu'elle joue un rôle majeur dans nos vies, que ce soit Nous le détestons, que nous prenions soin de cela, ou que nous voulions le détruire. » Elle a ajouté que « la substance » lui a permis d'explorer «de manière viscérale comment notre corps peut être détruit, mais aussi comment ils peuvent combattre et survivre à cette destruction».

Ainsi, alors qu'Elisabeth pourrait rester limitée, Fargeat, le réalisateur, rejette complètement le regard masculin cinématographique et montre comment un tel récit limite nos héroïnes à l'écran et nous comme le public consommant leurs images.

Son auteurisme est la meilleure justification qu'elle pourrait nous donner. À l'âge de 48 ans, elle semble juste commencer.

Salamishah Tillet est le professeur Henry Rutgers d'études Africana et d'écriture créative et directrice exécutive d'Express Newark, un centre d'art, de design, de narration numérique et de justice sociale au Rutgers University-Newark. Tillet a remporté le prix Pulitzer pour critique pour son travail en tant que critique contribuant dans son ensemble pour le New York Times. Elle est l'auteur de «In Search of the Color Purple: The Story of An American Masterpiece» et la prochaine «All the Rage: Nina Simone et le monde qu'elle a fait.« 

Cette histoire est apparue pour la première fois dans le numéro Down To The Wire du magazine Awards de Jolie Bobine. En savoir plus sur le problème ici.