Revue Anémone – Le retour de Daniel Day-Lewis dans le…
L'interprète sacré et auteur du théâtre, Daniel Day-Lewis, est un homme qui est perpétuellement absent du bureau, même s'il parcourt probablement sa boîte de réception en arrière-plan et daigne parfois répondre par pure politesse. Pourtant, sa première sortie à l'écran depuis Phantom Thread en 2017 est strictement une affaire de famille, avec son fils Ronan à la réalisation et un film basé sur un scénario que le couple a écrit en tandem.
C'est fascinant et peut-être un peu révélateur qu'un père et son fils collaborent sur une histoire comme Anémone, une étude implacablement austère de l'absence patriarcale, du ressentiment générationnel et une sombre célébration de ce désir inné que nous devons parfois lever le bâton et quitter à la recherche d'une solitude cloîtrée. Il est difficile de lire le film comme une explosion d'acrimonie purulente entre père et fils, car les deux hommes semblent assez bien adaptés, bien qu'il s'agisse d'une œuvre tout à fait dans la tradition des drames britanniques « Angry Young Man » des années 1960, dans lesquels des types terre-à-terre luttent pour trouver leur place dans le monde.
Obtenez plus de petits mensonges blancs
Ici, Day-Lewis Snr incarne l'ancien soldat Ray, arborant une moustache en forme de guidon intimidante et le regard de mille mètres caractéristique de l'acteur. Il vit dans la solitude dans une cabane en ruine et reçoit un jour la visite de son frère aîné religieux Jem (Sean Bean) qui était également dans les forces armées et qui a reçu la localisation de Ray en cas d'urgence. Il faut attendre 45 bonnes minutes avant que les deux hommes puissent engager la conversation, et on attend de découvrir ce qui a cultivé une telle tension. Finalement, une bouteille de scotch est ouverte, les mots coulent enfin et le contexte de l'isolement auto-imposé de Ray est lentement révélé.
Ronan Day-Lewis opte pour une approche visuelle très stylisée qui s'oppose à l'immédiateté émotionnelle du matériau, et si les jolies scènes de champs chatoyants ou de lumière dansant sur un pétale de fleur sont toutes très belles, elles n'ajoutent pas vraiment grand-chose à l'atmosphère générale de malaise et de tourment. Certaines de ces fioritures stylistiques finissent par jouer comme un rembourrage surmené, déplaçant le spectateur de l'intimité essentielle de l'histoire à la recherche d'une toile de fond plus grandiose et plus universelle.
À l'inverse, là où le film brille le plus, ce sont deux passages simplement filmés où Day-Lewis Snr est mis à l'honneur pour livrer deux monologues complexes où il est presque impossible de ne pas s'accrocher à chacune de ses syllabes grondantes. Ce sont vraiment les moments Maestro At Work du film, mettant non seulement en valeur la capacité du père à transformer le dialogue en quelque chose de totalement expressif et dramatique, mais du point de vue d'un écrivain, la manière du couple avec une anecdote et une voix authentique.
Il est dommage que tant d'autres choses dans le film semblent erronées ou plates, notamment un acte final qui tombe dans un réalisme magique pesant qui nous éloigne complètement du naturalisme de silex que le film a exploité jusqu'à présent. Bean et Samantha Morton (qui joue l'amante rejetée de Ray et la mère de son ex-enfant, Nessa) se battent à contre-courant dans des rôles de soutien. Alors que Ray obtient tous les dialogues juteux et la part du lion de l'accent dramatique, Jem et Nessa n'ont que peu d'histoire ou de développement réel de leur propre personnage ; tout ce qu'ils disent ou font sert à étoffer l'histoire de Ray.
Bean fait de son mieux dans un rôle qui revient en grande partie à regarder Day-Lewis jouer, tandis que Morton a juste l'air constamment tourmenté et sombre, comme si nous devions croire que sa vie était dans une stase depuis 20 ans depuis le départ soudain de son beau. Après une forte traction d'ouverture, on a le sentiment que le film n'a vraiment plus rien à dire, ses révélations semblant assez dérisoires dans l'ordre des choses.
