Perdu dans la revue de traduction | Le chef-d’œuvre de Sofia Coppola contient toujours un

Résumé

• Le chef-d’œuvre de Sofia Coppola, Lost in Translation, est toujours aussi génial 20 ans plus tard, avec des interprétations parfaites et une ambiance onirique.
• Le film explore les thèmes profonds de l’absurdité et de l’aliénation, mettant en valeur le vide au cœur de tout et comment l’accepter.
• La fin, avec Bob chuchotant à l’oreille de Charlotte, reste l’une des meilleures finales de film de tous les temps, et nous tenterons de l’expliquer.

Il n’y a rien de tel que de voir Lost in Translation aux côtés d’autres fans inconditionnels, même si c’est pour la deuxième (ou la troisième) fois. Cela vaut également la peine de retrouver en ligne le scénario oscarisé de Sofia Coppola et de le lire pendant que vous y êtes. Son dernier film, Priscilla, était un autre joyau de sa couronne cinématographique dans une filmographie centrée sur les femmes isolées, mais Lost in Translation pourrait bien remporter la palme du meilleur film de Sofia Coppola. Une fois que vous l’avez vu suffisamment de fois, votre esprit commence à le prendre dans une toute nouvelle direction. Vous vous enfoncez plus profondément au-delà de la surface et ressentez de nouvelles choses. Par exemple, Lost in Translation est-il une méditation sur la place de l’humanité dans l’univers – comment nous voyageons dans différentes parties du monde et essayons de nous installer, souvent avec des résultats mitigés ?

Pensez-y : nos ancêtres ont voyagé dans de nouvelles régions du globe, colonisé, trouvé le véritable amour, et puis c’est tout. Y a-t-il quelque chose de plus que cela ? Comment pouvons-nous nous comporter les uns avec les autres, avec la culture, avec la romance, quand nous reconnaissons le vide en toute chose et ne pouvons pas profiter de la poursuite insensée du plaisir ? Grâce à une récente projection à l’occasion du 20e anniversaire à Los Angeles, une petite partie de la génération Y a pu ruminer au cinéma les thèmes de ce film indépendant du début des années 2000, ce qui nous donne la raison parfaite pour revisiter et revoir Lost in Translation. Prenons du recul et regardons les rouages ​​de cette histoire apparemment anodine sur des étrangers trouvant une sorte de connexion dans un endroit auquel ils n’ont pas vraiment leur place.

Perdu dans la traduction et en avance sur son temps

Perdu dans la traduction

Date de sortie 18 septembre 2003

Runtime 102 Avantages

• Le chef-d’œuvre de Sofia Coppola est tout aussi génial 20 ans plus tard.
• Les performances parfaites de Bill Murray et Johansson créent une excellente alchimie.
• La musique et la cinématographie magnifiques créent une ambiance rêveuse et mélancolique.
• Les thèmes profonds du film explorent de manière significative l’absurdité et l’aliénation.
• Lost in Translation est encore plus drôle que vous vous en souvenez.

Il est difficile de croire que cela fait 20 ans que la fille de Francis Ford Coppola s’est levée sur la scène des Oscars pour accepter son trophée bien mérité pour le scénario impeccable qui est devenu Lost in Translation, un effort qui, selon Bill Murray, est toujours son rôle préféré de tous. temps. Ce n’est pas une surprise, puisqu’il a été à juste titre nominé aux Oscars pour son interprétation du personnage fictif Bob Harris, une star de cinéma vieillissante qui est entrée dans la « phase d’animation » de sa carrière (une idée qui a ensuite été parodiée dans le film à succès The Menu avec personnage de John Leguizamo).

Grâce aux pitreries hilarantes et pince-sans-rire de Bob dans le premier acte de Lost in Translation, vous avez peut-être oublié à quel point ce film est drôle et hilarant. Les studios Brain Dead à Los Angeles ont récemment organisé une projection du film, et il était remarquable de constater à quel point la salle était pleine à craquer. Et les rires ne se sont pas arrêtés là, surtout lorsqu’Anna Faris apparaît à l’écran dans le rôle de Kelly, faisant la satire d’un autre archétype hollywoodien, à savoir la pétillante pop-star/actrice qui peut ou non être talentueuse.

C’est un retour en arrière rafraîchissant de voir des versions au visage de bébé de Farris, Giovanni Ribisi en tant qu’ancien photographe et la presque méconnaissable Scarlett Johansson en tant qu’épouse. Des années plus tard, Johannsen sera doublement nominée aux Oscars grâce à ses rôles époustouflants dans Marriage Story et JoJo Rabbit. Dans ces efforts plus récents, elle est nette, bien parlée et à des années-lumière du portrait magnifiquement sobre et mélancolique de Charlotte dans Lost in Translation.

Pendant ce temps, Murray continuerait à jouer dans un autre film acclamé de Coppola, On the Rocks, mais c’est Lost in Translation (aux côtés de Rushmore) qui a vraiment contribué à changer l’image de Murray d’icône de la comédie à un acteur principal compliqué. Et Ribisi avait déjà collaboré avec Coppola sur un film précédent, ayant raconté son adaptation cinématographique de The Virgin Suicides. MovieWeb a récemment interviewé Stephen Dorff, star du film Somewhere de Coppola – qui est peut-être son meilleur film après Lost in Translation – et il a réitéré ce qu’il avait dit sur le fait qu’il était merveilleux de travailler avec un réalisateur comme Coppola. Il n’est donc pas étonnant que le regretté grand Roger Ebert ait attribué quatre étoiles au film de Dorff de 2010, ce avec quoi il est facile d’être d’accord.

Perdu dans l’existentialisme

La raison pour laquelle Somewhere vient à l’esprit après avoir revisité Lost in Translation est la philosophie qui résonne dans ces films souvent sans dialogue. Les personnages qui doivent parler pour transmettre des émotions ne captivent pas toujours nos cœurs, n’est-ce pas ? Comment se traduit cette expression : « les actions sont plus éloquentes que les mots ? » En 2003, Lost in Translation a frappé le grand public avec des moments calmes qui en disaient long sur la condition humaine. Il semble que cette tendance soit toujours forte à Hollywood ; il suffit de regarder les films récents No One Will Save You et Silent Night. Lost in Translation, quant à lui, couvre son mutisme avec l’une des meilleures bandes sonores de tous les temps, avec la musique originale de Brian Reitzell et du légendaire Kevin Shields de My Bloody Valentine.

Dans Somewhere, Johnny Marco (Dorff) tourne en rond, regarde les murs et engage des danseurs pour combler le vide. Dans Lost in Translation, Charlotte se blottit dans les draps de son hôtel et regarde par la fenêtre les sensations infinies que Tokyo tente d’offrir. Cela pourrait-il combler son vide ? Le succès, l’art ou le mariage pourraient-ils être à un si jeune âge ? Peut-être pas, mais peut-être qu’un véritable amour temporaire – qu’il soit platonique ou mystérieusement romantique – avec une star de cinéma vieillissante pourrait lui convenir mieux, du moins pour le moment où elle en a le plus besoin.

Lost in Translation est finalement l’étude de deux personnes qui reconnaissent ce vide au cœur de tout et apprennent à l’accepter. Ils ne se sentent pas à leur place partout où ils vont. Tout le monde est capable de poursuivre sans cesse le plaisir ou un sens légendaire de l’exotisme, de jouir de la consommation, parce qu’il ne voit pas le vide. La femme de Bob se soucie des échantillons de couleurs de tapis ; Bob s’en fiche. Le mari de Charlotte se soucie de ce qui est cool et à la mode ; Charlotte s’en fiche. L’anhédonie de Bob et Charlotte est illustrée dans la scène des clubs de strip-tease où, entourés de plaisir nu et d’hédonisme, ils sont confrontés à leur propre ennui.

Bob et Charlotte sont existentiellement perdus dans la traduction. Dans un monde de lumières vives et de grandes villes, d’art rapide, de sexe, d’hôtels et de divertissements, ils ne sont pas satisfaits. Ils n’éprouvent pas les mêmes plaisirs banals que les autres et ne les comprennent pas. Nous voyons cela exagéré dans la scène commerciale du whisky, discrètement humoristique. Bob pose une courte question ; le traducteur transforme ses cinq mots en 50. Le réalisateur continue pendant près de 60 secondes en expliquant son intention ; ceci est traduit en à peine trois mots par le traducteur. Il manque quelque chose ici, quelque chose de perdu entre Bob et tout le monde.

Les mots et la communication deviennent pour eux plus de bruit. Il est donc logique qu’ils passent une bonne nuit avec des gens qu’ils ne comprennent pas. Traînant avec un groupe japonais, ils font la fête toute la nuit, appréciant le fait qu’ils ne comprennent pas grand-chose de leur environnement ; s’ils le pouvaient, ils reconnaîtraient son vide, comme tout le reste. Les mots les plus vrais du film sont prononcés, ou plutôt chantés, par Bob lorsqu’il interprète une version karaoké de « More Than This » de Roxy Music. Le titre laisse entendre qu’il y a quelque chose de plus dans toute cette recherche du plaisir, un pot d’or au bout de la quête de sens de l’arc-en-ciel. Mais les paroles admettent : « Il n’y a rien de plus que ça ».

Perdu dans la fin de la traduction et le murmure (non) expliqué

Cette prise de conscience de l’absurdité et la rupture de la communication entre quelqu’un qui fait l’expérience du vide et une culture qui se définit en le comblant mènent à la belle fin du film de Coppola. L’expérience théâtrale aide vraiment avec Lost in Translation, en particulier – en ce qui concerne les moments sans dialogue – avec cette scène finale où Bob chuchote à l’oreille de Charlotte. Les cinéphiles du monde entier débattent encore de ce qu’il lui dit réellement. Et voir Lost in Translation sur grand écran pourrait vous faire perdre la tête, car le souvenir de la scène peut être totalement différent.

Par exemple, une expérience de visionnage à domicile pourrait empêcher le public d’entendre un peu la voix de Bob. Après avoir revécu ce moment au cinéma, vous pouvez certainement entendre la basse de sa voix, mais vous ne parvenez toujours pas à distinguer les mots. Cela rend le moment encore plus obsédant, mais d’une manière magnifique. En montrant et en taquinant Bob et Charlotte échangeant intimement quelque chose qui peut-être finalement significatif entre eux deux, mais en ne permettant pas au public d’en être au courant, nous nous rappelons le vide dans la communication, la déconnexion entre nous tous et notre incapacité à pénétrer pleinement l’absence qui nous sépare.

FilmWeb

Comme l’écrit Todd McGowan dans son essai lacanien fondateur sur le film, There Is Nothing Lost in Translation, « Le problème n’est pas que nous ne pouvons pas entendre ce que Bob communique, mais qu’il communique ce qui ne peut pas être entendu. » Il continue:

« Alors que la plupart des romances hollywoodiennes se terminent par une image de la plénitude du plaisir ultime incarné dans le couple romantique à succès, Lost in Translation se termine par une image d’absence et d’échec – l’absence de ce que Bob dit à Charlotte. Ce faisant, le film suggère que la relation organisée autour de l’absence procure en réalité un mode de jouissance bien plus profond que la relation vouée à la présence et à la plénitude.

« Comme le montre Lost in Translation, l’excès promet inévitablement plus qu’il ne peut offrir, et par conséquent, la seule jouissance qu’il nous procure est imaginaire. Lorsque nous voyons des images d’excès, nous imaginons qu’elles portent la jouissance ultime, mais cette jouissance « 

En fin de compte, nous ne connaissons pas ces deux personnes et elles sont éloignées de nous et du monde qui les entoure. Mais pendant quelques jours, ils restèrent ensemble dans le vide ; pendant quelques jours, ils ont flirté avec leur propre absence du « plaisir », du « plaisir » et du « sens » que beaucoup d’entre nous recherchent, et ont trouvé cette absence transcendante. Il est facile d’être réduit aux larmes et aux frissons rien qu’en revisitant cette séquence pleine d’émotion dans votre tête. Vive Lost in Translation !

Lost in Translation est disponible à la location ou à l’achat sur diverses plateformes numériques telles que Vudu, Apple TV et Google Play. Vous pouvez le louer ou l’acheter via le lien Prime Video ci-dessous, et découvrir Scarlett Johanses discutant du 20e anniversaire du film ci-dessous :

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