Occupied City Avis critique du film & résumé du film (2023)

Un regard puissant sur l’histoire à travers la lentille de McQueen

La dernière réalisation cinématographique de Steve McQueen se distingue par son approche singulière de l’Holocauste, évoluant loin des représentations conventionnelles. Plutôt que de s’attarder sur les horreurs ou le deuil individuel, « Ville Sous Occupation » se penche sur le délicat équilibre entre la lutte pour la survie et le désir d’oubli, ainsi que la dualité de l’altruisme et de l’égoïsme. Ce film s’inscrit dans la continuité des œuvres à forte dimension politique de McQueen, telles que « Hunger », « Small Axe » et « Uprising ». Le projet puise ses racines dans le travail de Bianca Stigter, épouse de McQueen, dont le film « Trois Minutes : un Allongement » transforme un extrait bref en une puissante ode à la mémoire. « Ville Sous Occupation », tout aussi captivant et exhaustif, s’appuie sur le livre de Stigter, offrant ainsi une riche adaptation de son « Atlas d’une ville occupée ».

Une narration divisée en deux actes poignants

La narration du film s’articule en deux parties distinctes, avec un interlude de quinze minutes. La première moitié établit un parallèle entre les épreuves de l’occupation et celles de la pandémie actuelle, tandis que la seconde partie met en lumière la résistance héroïque durant la guerre. Les deux thèmes, bien que distincts, se mêlent parfois, reflétant la complexité de la situation. Les témoignages et récits personnels s’entrelacent sans suivre un ordre chronologique précis et choisissent de renoncer aux images traditionnelles pour focaliser sur le récit lui-même.

McQueen et la mémoire d’une ville en temps de crise

L’approche de McQueen dans « Ville Sous Occupation » repose sur une documentation dense et réfléchie. Le film s’affranchit des repères visuels familiers, comme les cartes ou les interviews, pour se concentrer sur la narration incessante des événements tragiques. C’est un choix délibéré qui vise à recréer l’atmosphère oppressante vécue par les habitants de l’époque. Malgré la diction posée du narrateur, la colère de McQueen transparaît à l’égard de certains comportements face au COVID, comparant les images de la famine d’antan avec celles, contemporaines, d’une jeunesse insouciante. Le réalisateur associe des récits poignants aux mouvements de caméra contemplatifs dans les rues d’Amsterdam, suggérant ainsi l’écho silencieux entre le passé et le présent.

La touche artistique de Steve McQueen

Le soin apporté au montage et à la bande-son du film renforce son impact émotionnel. En mettant en contraste les récits historiques avec les images actuelles, McQueen manipule l’espace et le temps pour créer une expérience immersive. Le travail du compositeur Oliver Coates s’intègre parfaitement au visuel, avec une musique qui, tout en étant mélancolique, soutient le propos et amplifie la solitude ressentie. Le résultat est une œuvre cinématographique qui dépasse le simple témoignage d’époque pour offrir une réflexion sur la nature humaine face aux épreuves collectives.