Les meilleurs films d’animation expérimentaux, classés

L’animation délie la narration des contraintes de l’action en direct. S’il est vrai que l’infographie s’améliore à pas de géant et que les technologies cinématographiques évoluent constamment (bien que certaines cascades surprennent précisément en n’impliquant pas CGI) – néanmoins, les possibilités de l’animation en tant que forme d’art ont leurs propres mérites, permettant aux créateurs de transcender tout contraintes budgétaires ou de réalité et transmettre des sentiments et du sens à travers des visuels créatifs, à l’aide de couleurs, de distorsions, d’exagérations de proportions…

Le cinéma d’animation expérimental est difficile à définir, car le définir va en quelque sorte à l’encontre du but même du genre. Le cinéma expérimental défie toutes les conventions de la narration et de la perspective traditionnelles. La seule chose qui unit les films d’animation expérimentaux est leur expressivité profonde, une esthétique sans vergogne et intime. Voici la liste des meilleurs films d’animation qui ont osé explorer des approches peu orthodoxes, combiner différents styles et appliquer de nouveaux instruments, résultant en une expérience cinématographique viscérale et transformatrice.

7 Klaus

Netflix

L’un des films de Noël les plus sombres, Klaus a effectivement démoli les limites de l’animation traditionnelle. Ce n’est pas une imitation de la 2D, l’équipe de production a en fait inventé un outil semi-intuitif qui automatise quelque peu les techniques de dessin à la main, utilisant la 3D comme solution ponctuelle lorsque la 2D est particulièrement compliquée et chronophage, par exemple pour l’ouverture de portes. Dans une interview avec JeuxServer, Sergio Pablos, le réalisateur de Klaus, a déclaré: « L’intention était de faire ressembler cela à un développement visuel que vous trouveriez dans un livre d’art pour un film d’animation, mais mettez-le directement sur l’écran sans rentrer dans le broyeur du look habituel ».

6 Vie éveillée

Photos du projecteur Fox

Le personnage principal de Waking Life suit le voyage de Dante dans Divine Comedy – s’il s’agissait d’un trip sous acide. Il passe par un éventail de compagnons qui lui donnent une conférence d’introduction à la philosophie, leurs conversations touchant à l’identité, au postmodernisme, au chaos et à l’existentialisme. Cette aventure funky, philosophique et rotoscopée dans l’état de rêve fantasmagorique laisse les téléspectateurs exaltés, confus et désespérément ravis.

The Guardian le décrit comme « un film extrêmement revigorant, étonnamment excitant et même émouvant et la technique d’animation, si différente des trucs CGI fastueux, le présente dans une hyper-réalité séduisante. » Waking Life reste l’un des films les plus envoûtants et les plus réfléchis de tous temps, celui qui unit de manière unique le lien onirique entre la philosophie du rêve et le cinéma.

5 Jibaro

Netflix

Sans aucun doute, Jibaro, l’épisode 9 de la troisième saison de l’anthologie chérie de Netflix Love, Death, and Robots, est l’un des morceaux d’animation les plus étonnants de mémoire récente. Le réalisateur de Jibaro, Alberto Mielgo, est un pionnier de l’animation moderne, qui repousse continuellement les limites des dessins animés conventionnels des grands studios pour permettre une expression artistique plus expérimentale et des techniques innovantes. Incroyablement stylisé, Jibaro ressemble aux œuvres de rotoscopie par le mouvement fluide de ses personnages et aux collages par son panorama vif et véridique ; ce sont cependant des animations d’images clés, minutieusement conçues après des semaines d’étude de références vidéo. Jibaro est un magnifique mélange de modèles 3D sur des arrière-plans 2D.

4 Fantaisie

Disney

Peut-être le film le plus personnel de Walt Disney, Fantasia est toujours le long métrage le plus extraordinaire et le plus artistique produit par le studio de la souris. Conçue comme une extension du court métrage L’apprenti sorcier, cette collection de vignettes imaginatives propose une animation fluide et psychédélique, accompagnée de chefs-d’œuvre instrumentaux. Bien qu’il s’agisse du premier grand film enregistré et sorti en stéréo, il s’est également forgé une réputation de tentative sublime de fusionner le grand art avec les dessins animés grand public. Immédiatement après sa sortie, Fantasia s’est imposé comme un classique de la culture pop, servant d’inspiration à d’autres créatifs et faisant l’objet de nombreux hommages ou parodies.

3 Belladone de tristesse

Production Mushi

Repère du cinéma d’animation pour adultes, Belladonna of Sadness est d’une originalité remarquable. Cet anime exquis et sombrement sensuel était une réponse philosophique à la révolution sexuelle au Japon et, à ce jour, reste curieusement controversé. Qu’il soit misogyne, produit de son temps ou fantasme féministe radical, selon la vision des révisionnistes, sa vigueur envoûtante saisit le public. Le style de Belladonna of Sadness dépend entièrement du rythme de sa narration. Décrivant la viscosité sans espoir de la chute imminente du protagoniste, le rythme est statique, presque comme un diaporama. Lorsque les événements commencent à se développer plus rapidement, les images commencent à bouger, perdant leur tendresse d’aquarelle.

2 Planète Fantastique

Images du Nouveau Monde

Fantastic Planet est reconnu comme l’un des films d’animation pour adultes les plus importants. Cette concoction étrangement fascinante est mieux décrite par Time Out : « Prenez le conflit entre les grands et les petits des Voyages de Gulliver, saupoudrez-le des Blue Meanies de Yellow Submarine, ajoutez une allégorie politique aussi puissante que celle d’Orwell en 1984 et vous êtes commence à saisir cette combinaison unique de créativité gauloise et de savoir-faire tchèque en matière de production. Il y a quelques commentaires socioculturels, son conflit politique erratique de science-fiction rivalisant avec les meilleures révolutions du cinéma, mais la plus grande force du film réside dans ses visuels distinctement extraterrestres. La vision de Fantastic Planet est élégamment grotesque, amplifiée par la technique du stop-motion découpé, si étrange qu’elle est devenue intemporelle.

1 C’est une si belle journée

Films amers

It’s Such a Beautiful Day est un triptyque de courtes vignettes de l’ingénieux Don Hertzfeldt qui explore les thèmes de la dépression et de la mortalité à travers l’épreuve complexe de l’existence d’une animation allégoriquement simple. Le protagoniste, Bill, porte un chapeau. C’est tout ce que nous, en tant que public, découvrons sur lui : il n’y a rien qui fasse allusion à son âge, son origine ethnique ou sa religion. Bill est l’homme ordinaire ultime et, comme le suggère Film Inquiry, « un vaisseau pour l’humanité » qui contemple « la relation de l’humanité avec un univers chaotique et indifférent ». Avec une inventivité et une finesse technique exceptionnelles, It’s Such a Beautiful Day réfléchit à des questions existentielles et incite en quelque sorte les téléspectateurs à sympathiser intensément avec une figure de bâton. C’est un chef-d’œuvre puissant et douloureux.