Les concepteurs sonores d’A Quiet Place Part II expliquent comment ils effraient le public

A Quiet Place Part II effraie actuellement le public du monde entier. Pour commémorer la sortie, ComingSoon.net a rencontré l’équipe de conception sonore Ethan Van Der Ryn et Erik Aadahl, qui ont partagé des idées absolument fascinantes concernant l’utilisation du son dans la suite d’horreur de John Krasinski. Suite aux événements meurtriers à la maison, la famille Abbott doit affrontent maintenant les terreurs du monde extérieur alors qu’ils poursuivent leur combat pour survivre en silence. Forcés de s’aventurer dans l’inconnu, ils réalisent rapidement que les créatures qui chassent par le son ne sont pas les seules menaces qui se cachent au-delà du chemin de sable. John Krasinski a réalisé la suite d’horreur, qui met en vedette Emily Blunt, Krasinski, Millicent Simmonds, Noah Jupe, Cillian Murphy et Djimon Hounsou. Jeff Ames : Merci de nous avoir contactés pour parler de A Quiet Place Part II. Je l’ai regardé ce week-end et je veux juste te féliciter, tu l’as encore fait ! Vous avez fait peur à tout le monde. Ethan Van Der Ryn et Erik Aadahl : (Rires) Notre plaisir ! Qu’est-ce qui vous a initialement attiré dans l’original A Quiet Place ? Van Der Ryn : Eh bien, l’original, nous avons lu le script et nous avons ont été complètement, complètement époustouflés comme jamais auparavant après avoir lu un script parce que nous avons réalisé : « Oh mon Dieu, c’est un rêve pour nous, en tant que concepteurs sonores, de pouvoir travailler sur ce film où le son est en quelque sorte important pour survie. Nous avons tout de suite réalisé que le son allait devenir comme un autre personnage du film. Pour nous, sur chaque projet sur lequel nous travaillons, nous accordons une grande attention à tous ces détails qui deviennent presque subliminaux dans le projet fini. La plupart des gens ne reprendront pas autant de travail que nous faisons. Cela va juste faire en sorte que le monde se sente réel et crédible pour les gens, et ils vont l’accepter, mais ils n’y penseront pas. CONNEXES: Indiana Jones 5 de James Mangold commence la production la semaine prochaine, mais avec un endroit calme , nous avons tout de suite réalisé que ce serait un film où les gens vont enfin vraiment prêter attention au son d’une nouvelle manière parce que le son est si essentiel pour faire avancer l’histoire. Le son devient en quelque sorte le moteur, faisant avancer le film et créant également une expérience pour les gens et emmenant les gens dans ce voyage qui est vraiment, d’une certaine manière, défini par ce que le son leur dit à un moment donné. Nous avons immédiatement senti les possibilités que cela offrait et nous étions enthousiasmés par la perspective d’y participer. Avez-vous eu l’impression que la suite était plus difficile parce que maintenant vous devez creuser un peu plus dans votre sac d’astuces, n’est-ce pas ? Aadahl : C’est droite! La première et la deuxième partie avaient leurs propres défis uniques. Je pense que le plus gros défi dans la première partie était de savoir que nous vivons dans cet univers où il y a des créatures qui chassent par le son. Maintenant, il y a une famille qui doit être très créative et s’adapter à cela et à sa réalité en faisant tout ce qu’elle peut pour comprendre le son afin de survivre – de peindre des planches qui coulent pour éviter de marcher dessus ou de tracer des traînées de sable pour que leur les pas sont assourdis, pour ne pas avoir de conversation sans langue des signes, sauf si vous êtes à côté d’une cascade, qui masquera le son de votre voix. Puis, bien sûr, apprendre vers la fin du film que le son n’est pas seulement le danger mais peut aussi être l’arme lorsque Regan, la fille sourde, se rend compte que ses implants cochléaires créent un retour avec ces créatures qui leur sont douloureux et les rend vulnérable. Donc, créer tous ces types de concepts était le défi du premier film. Le deuxième film était comme, d’accord, eh bien, comment pouvons-nous développer cet univers, développer la conception sonore de la créature, le construire, créer un plus grand vocabulaire avec quoi on a commencé ? Donc, deux défis très différents, mais nous étions ravis de nous lancer et d’essayer à nouveau de le relever. Le premier film que nous avons vu était une sorte de grande expérience sonore, et nous avons été tellement soulagés lorsque le public a non seulement compris ce que nous faisions, mais l’a adopté comme une véritable expérience cinématographique. C’était amusant de voir cela se reproduire avec la « deuxième partie de l’expérience ». Van Der Ryn : Je pense qu’une chose que j’ajouterais, c’est que le travail que nous faisons sur ces histoires consiste vraiment à créer une expérience pour un public. Ces films sont vraiment mieux vécus en tant que public car ils sont en quelque sorte uniques dans le sens où nous sommes emmenés dans ce voyage avec ces personnages et nous sommes mis à la place de ces personnages et nous voyons vraiment le monde à travers leur yeux et entendre le monde à travers leurs oreilles. Pouvoir entrer dans les détails que nous faisons avec ces films pour créer cette expérience sonore unique est, je pense, unique à ces films et quelque chose de très spécial pour nous. Le son joue évidemment un élément crucial pour générer des peurs dans ces films, mais il y a aussi un certain nombre de scènes dans lesquelles le manque de son crée une tension. Il y a le moment où Regan est dans le wagon et elle ne peut pas entendre l’extraterrestre derrière elle – à quel point êtes-vous impliqués dans la planification d’une séquence comme celle-ci ? Van Der Ryn : C’est une vraie collaboration entre John [Krasinski], nous, le mixeur Brandon Proctor et l’équipe de montage. C’est une vraie complicité. Nous sommes complètement impliqués parce qu’il y a beaucoup d’expérimentation pour déterminer ce qui fonctionne le mieux et ce qui va créer le plus d’émotion et le plus de drame. Lorsque nous commençons à travailler, il n’est pas toujours évident de savoir immédiatement ce qui fonctionnera le mieux. Il y a donc un véritable processus d’expérimentation pour y arriver et déterminer ce qui fonctionnera le mieux. Quelque chose qu’Eric et moi avons réalisé, je pense assez tôt dans notre carrière, travailler sur de grands films d’action, c’est que là où vous ne jouez pas le son à certains égards devient plus important que là où vous jouez le son. CONNEXE: A Quiet Place Part II et Cruella Reignite the Box OfficeSurtout dans les grandes scènes où il se passe beaucoup de choses. Parfois, si vous avez trop de son en même temps, cela se transforme en boue et en surcharge, et ce qui devient important, c’est le contraste. Et ce que le contraste signifie en ces termes, c’est supprimer le son et ne pas jouer le son. En tant que concepteurs sonores, notre unité de mesure de base est le 24e de seconde, ce qui correspond à une image. Donc, nous traitons avec le monde sonore à ce niveau microscopique et cherchons à créer un contraste en supprimant le son pendant ces microsecondes ou en étant peut-être en mesure de l’étendre plus longtemps et de créer plus de contraste. Ces films, la deuxième partie, en particulier, nous fournissent vraiment une toile brillante pour pouvoir jouer avec toute cette idée de créer un contraste à travers de nombreuses actions sonores, puis de passer à un silence extrême; ou, dans le cas le plus extrême de cela, un silence numérique total. Ainsi, à certains égards, le travail que nous faisons sur ces films est vraiment une extension du travail que nous avons fait toute notre carrière en termes de réalisation que la façon dont nous créons l’expérience la plus percutante est de créer un contraste dans la conception sonore. Ces films sont vraiment l’aboutissement de ce travail en termes de pouvoir passer de beaucoup de son à l’absence totale de son, ce qui pour nous est vraiment le rêve ultime. Quelle a été la scène la plus difficile à travailler dans A Quiet Place Deuxième partie ? Aadahl : L’une de mes parties préférées du film est toute la séquence d’ouverture. Ainsi, dans A Quiet Place, nous commençons des semaines, voire des mois, dans cette invasion extraterrestre ; et vous êtes tombé en plein milieu de cette famille survivante. Dans A Quiet Place Part II, nous ouvrons sur ce qui ressemble à une ville déserte, puis vroom (!), ce camion rugit et c’est là que le personnage de John Krasinski, Lee Abbott, sort et claque la porte trop fort. Et nous avons coupé à cette carte de titre qui dit: « Day One », afin que le public se rende compte tout de suite, « D’accord. Nous allons, nous remontons dans le temps maintenant et en commençant depuis le tout début. Ce que j’aime dans l’ouverture, c’est qu’elle se déroule en temps réel en parcourant les petites courses banales de ramasser des oranges dans le magasin et d’entendre des reportages concernant le monde entier et d’aller au match de la petite ligue, et juste à chaque instant , nous créons lentement de la tension à travers les simples actes de la vie quotidienne jusqu’au moment où nous voyons la première boule de feu commencer à tomber du ciel, puis le chaos qui s’ensuit. Donc, c’était une séquence vraiment compliquée non seulement pour John à tirer – une grande partie de ce qu’il a fait était à huis clos avec des techniques folles. Par exemple, avec Evelyn, sa femme dans la voiture, puis en marche arrière avec un bus venant juste à l’avant de la voiture – tout cela était à huis clos, des effets pratiques avec de vrais cascadeurs. Donc, évidemment très difficile au niveau de la production ; et puis aussi très difficile pour nous de créer la réalité de toute cette expérience. C’est une grande partie du film où il n’y a pas de musique et de conception purement sonore. L’une de mes choses préférées que nous avons faites dans les deux films est de jouer la perspective sonore des personnages, en particulier Regan, la fille qui se trouve être sourde ( et joué par Millicent Simmonds, qui est aussi sourde dans la vraie vie). Et quand nous entrons dans sa perspective sonore, son point de vue sonore, tout ce que nous entendons est une sorte de faible grondement de son implant cochléaire, à moins qu’il ne soit éteint et que nous jouions alors un silence numérique complet. Dans l’ouverture du film – en réitérant ce qu’Ethan a expliqué sur le contraste entre les gros sons et le chaos, puis le contraste de l’espace sonore négatif – nous avons vraiment utilisé Regan comme une sorte de nettoyant pour le palais dans le chaos de cette scène, où nous entrez dans son point de vue et n’entendez presque rien ; et il y a quelque chose de viscéral et de choquant dans cette expérience. Cela fait partie de ce qui est magique pour moi avec le son, c’est qu’il a le pouvoir de mettre le public dans la peau d’un personnage en un claquement de doigt. C’est tellement merveilleux que le personnage de Regan puisse faire cela avec le son – une technique que notre réalisateur, John Krasinski, a fini par appeler une «enveloppe sonore». Nous le faisons dans les deux films non seulement pour Regan, mais aussi pour les membres de la famille qui écoutent leurs écouteurs. Même jouer avec la perspective sonore des créatures est un rêve en tant que concepteur sonore dans ce sens – être vraiment capable de jouer avec l’utilisation du son pour créer une expérience pour le public. C’est quelque chose que nous ne pouvons vraiment faire qu’au cinéma, et idéalement dans les théâtres. Et c’est merveilleux maintenant de voir que les choses s’ouvrent à nouveau et que le public est revenu pour notre film et a semblé vraiment l’embrasser. Van Der Ryn : En termes de défis, je dirais que la fin du film a présenté des défis uniques dans le sentiment que nous sommes en quelque sorte en train de tisser ces trois histoires différentes ensemble d’une manière unique; et la musique devient un outil important pour aider à relier les trois fils distincts de l’histoire de nos personnages. La musique les lie tous ensemble. Ensuite, notre défi devient – en tant que concepteurs sonores – comment créer une tension et un drame au sein de chacune de ces trois histoires et articuler chaque histoire sans être dépassé par le fil conducteur de la musique ? Cela pose une sorte de défis uniques en termes de, eh bien, comment voulons-nous jouer la créature? Comment voulons-nous jouer l’idée que le son est toujours important, même s’il devient plus difficile d’entendre certains de ces détails importants ? Cela devient un véritable équilibre entre les éléments spécifiques que nous voulons entendre à un moment donné. C’est beaucoup moins difficile quand on nous donne toute la palette de la conception sonore, pour qu’elle soit exactement ce qu’elle doit être sans avoir besoin de rivaliser avec d’autres éléments sonores. Et donc, la fin a fourni des défis uniques en termes de comment garder tous ces fils connectés, mais toujours distincts les uns des autres et toujours tendus.