Les 7 meilleurs nouveaux films en streaming sur Paramount + en octobre

«The Fly» (1986)

Avoir peur. Avoir très peur.

Ces mots baptisent l'affiche de «The Fly» de 1986, un avertissement et une promesse pour tous les téléspectateurs du chef-d'œuvre de l'horreur du corps de David Cronenberg. Jeff Goldblum joue dans le film (un remake d'un film de 1958 du même nom) que Seth Brundle, un scientifique dont les aspirations dépassent de loin sa capacité. Brundle envisage un monde sans voitures, un où la téléportation instantanée devient la méthode de voyage dominante. Dans le but de faire de ce rêve une réalité, il commence à acheter différentes étapes du processus, incapable d'assembler les subtilités de la téléportation par lui-même. Plus tard, un mélange mortel de jalousie et d'alcool pousse Brundle à tester son invention sur lui-même beaucoup trop tôt – produisant un cocktail génétique de scientifique et de la mouche.

Le film de Cronenberg est, en un mot, dégoûtant. Au fur et à mesure que la transformation des insectoïdes de Brundle progresse, les téléspectateurs assistent à chaque transition de délestage cutanée, de croissance des cheveux et perdant avec une intimité douloureuse. Le maquillage de Chris Walas et Stephan Dupuis fonctionne aussi bien qu'il doit avoir il y a 40 ans, vendant pleinement chaque étape de mue de l'évolution malade de Brundle. Leurs prothèses oscarisées sont essentielles pour élever l'horreur fantasmagorique au-delà de sa prémisse de films B facilement.

Cornerberg est également une ascension et l'engagement inébranlable du co-rédacteur Charles Edward Pogue envers les thèmes centraux du film. Comme beaucoup de films de Cronenberg, «The Fly» utilise son horreur corporelle comme passerelle pour les conversations sur la sexualité et la mortalité. Ce n'est pas un accident que Brundle fait référence à sa transformation de science-fiction comme quelque chose comme un cancer. Alors que les moments les plus graves d'horreur corporelle seront certainement les plus difficiles à regarder pour les téléspectateurs à Gore-Version, le contenu le plus terrifiant viscéralement de « The Fly » arrive lorsque le film ralentit assez longtemps pour que Brundle et son partenaire (Geena Davis) vivent dans la réalité de sa maladie. Goldblum et surtout Davis l'engagement envers cette vérité émotionnelle ajoute une couche de terreur, de chagrin et, surtout, du fatalisme à «la mouche» qui l'élevait de simplement «grossière» à tout à fait horrible.

« Bonne volonté de chasse »

Une montre d'automne parfaite, «Good Will Hunting» de Gus Van Sant est l'un des meilleurs films que vous trouverez sur n'importe quel service de streaming en octobre. Le film a monté en flèche les carrières de Matt Damon et de Ben Affleck, des amis à vie qui sont devenus co-stars et (vainqueurs des Oscars) dans cette histoire sur un jeune homme dont l'éducation abusive l'empêche de vivre tout son potentiel. Damon donne l'une de ses meilleures performances dans le film, jouer à Will Chassin avec toute la mondaie, l'humour et la tragédie dont le personnage a besoin. Affleck, quant à lui, se permet de prendre un siège arrière relatif, offrant stratégiquement certains des moments les plus profonds du film dans un rôle beaucoup plus petit.

Et puis il y a Robin Williams, chargé ici de jouer le thérapeute et mentor de Will, Sean. Il est presque impossible d'utiliser Williams comme autre chose qu'une force comique, et il a certainement encore ses moments de rires tout au long de cette histoire. Pourtant, l'acteur laisse son style de performance plus grand que nature pour une performance chaleureuse et profonde qui lui a apporté la gloire des Oscars très méritée. Ce n'était pas le premier tour dramatique de cette nature, Williams donnerait au public, et ce ne serait pas le dernier. C'est probablement le meilleur.

« Chaleur »

C'est devenu un vieux chapeau de dire que «la chaleur» est vraiment bonne. Mais saviez-vous que la «chaleur» est vraiment bonne?

L'Epic Crime de Michael Mann en 1995 est une machine parfaite du genre. Le film suit le criminel de carrière Neil McCauley (Robert Deniro) et le lieutenant de police entièrement profond Vincent Hanna (Al Pacino) alors qu'ils se retrouvent dans un jeu de chat et de souris à Los Angeles. Alors que les hommes se retrouvent plus profondément dans l'orbite de l'autre, ils commencent à reconnaître l'immense péage que les deux carrières ont pris leur vie. McCauley vit par un code, où il promet de ne pas se laisser des attachements qu'il ne peut abandonner en 30 secondes à plat s'il ressent la chaleur au coin (un concept qu'il étire tout au long du film). Hanna, quant à elle, se retrouve sur sa troisième épouse (qui va bientôt Il connaît déjà la réponse.

Dans un film plein de connexions manquées et pouvait être en train de les avoir, il n'y a pas deux personnages à se comprendre autant que Hanna et McCauley. Lorsque la paire est finalement assise en face à face dans un restaurant – la première rencontre à l'écran de deux titans de leur métier – Mann artisanat une scène qui est incroyablement à la hauteur du battage médiatique. Il y a beaucoup plus à aimer dans ce film, qui présente une performance stellaire Val Kilmer et l'une des meilleures séquences d'action jamais mises en scène dans un film criminel, mais cette dynamique au cœur de la «chaleur» n'a jamais été surmontée dans le genre.

Si seulement Mann faisait une suite.

« Hommes en noir »

Il est facile d'oublier à quel point les «hommes en noir» d'origine sont merveilleux. Les inscriptions ultérieures ont échoué à plusieurs reprises à reprendre la magie du film original, conduisant progressivement les antécédents de la franchise. C'est une idée séduisante, prendre la prémisse de science-fiction apparemment malléable et revenir au puits pour voir ce que les nouvelles aventures peuvent avoir (personnellement, je suis toujours bouleversé que le crossover «21 Jump Street» condamné ne se soit jamais concrétisé).

Ce que ces suivis qui manquent si souvent, c'est à quel point les «hommes en noir» d'origine sont intelligents. Le script d'Ed Solomon est beaucoup plus introspectif que le reste de cette franchise le ferait paraître, fabriquant des personnages entièrement réalisés dans une aventure de science-fiction amusante avec beaucoup de choses. Une première réunion de banc entre les agents K (Tommy Lee Jones) et J (Will Smith) est un morceau de scénario vraiment brillant, joué et dirigé vers la perfection. C'est une vraie dommage que la franchise n'atteindrait plus jamais ces hauteurs – cependant, en toute honnêteté, la première entrée de Barry Sonnenfeld a établi une barre assez haute.

« Pas de pays pour les vieillards »

Les frères Coen ont suivi une séquence relative froide avec «No Country for Old Men», le film qui les a finalement vus gagner gros aux Oscars. Le film, une adaptation du roman du même nom de Cormac McCarthy, suit Llewelyn Moss (Josh Brolin), un homme qui s'oppose aux restes de 2 millions de dollars d'une fusillade, ne sachant pas qu'il a attiré l'attention du tueur professionnel Anton Chigurh (Javier Bardem). Bardem joue Chigurh comme une créature d'un autre monde, un homme apparemment dépourvu d'émotion qui n'existe que pour porter un jugement aléatoire.

«No Country for Old Men» se distingue de nombreux projets Coen, prenant un ton beaucoup plus silencieux et plus intense que leurs offres généralement comiques. En même temps, il ressemble toujours à un film singulier que seul ce duo pourrait faire, en utilisant leur style irrévérencieux et leur capacité de cinéma très précise à créer quelque chose d'unique et de haute qualité. Ce n'est pas mon entrée préférée de Coen Brothers, ni mon choix pour le meilleur film de cette année, mais ce sont tous les deux des filigranes élevés.

«Scream» (1996)

Il n'y a jamais eu un autre «cri».

De nombreux films ont essayé, y compris dans cette franchise même, pour imiter son mélange précis de connaissance de l'humour et d'horreur réelle. Beaucoup de ces films sont de haute qualité, y compris les suites «Scream» elles-mêmes, mais personne ne capture pleinement l'élégance et la perfection du chef-d'œuvre d'horreur définissant le genre de Wes Craven.

Ce que beaucoup de ces films manquent, c'est à quel point «Scream» peut être vraiment effrayant lorsque Craven désire. Le slasher de 1996 est surtout connu pour ses commentaires de méta-humour et de genre d'horreur, et tout cela fonctionne à merveille. Mais le film dans son ensemble devient beaucoup plus puissant lorsqu'il contient des séquences où Ghostface ressemble à une menace réelle. La séquence d'ouverture emblématique mettant en vedette Drew Barrymore a été remixée à plusieurs reprises, mais aucun d'entre eux ne capture pleinement à quel point cette première scène reste bouleversante et terrifiante. « Scream » est un film d'horreur qui imprègne les générations et qui jouera comme drôle et effrayant au cours d'une année, restant en quelque sorte entièrement roman près de 30 ans plus tard.

« Silence »

« Silence » est loin d'être l'entrée la plus populaire de la filmographie de Martin Scorsese, mais c'est l'une des plus belles. Cette épopée historique mettant en vedette Andrew Garfield voit le réalisateur dans un mode unique parmi sa filmographie, un drame religieux sondant qui se sent même à part de «la dernière tentation du Christ». C'est un film patient, celui qui voit l'écrivain / réalisateur (avec le co-auteur Jay Cocks) s'attaquer aux idées massives à l'échelle géante. Bien que cela n'ait pas atteint la même popularité immédiate que des films comme « The Irishman » et « Killers of the Flower Moon », « Silence » n'est pas moins stimulant et totalement fascinant que le reste des films qui définissent la carrière tardive de Scorsese.