Les 7 meilleurs films de joyau caché en difficulté sur max en ce moment

Les choix incluent le film le plus sous-estimé de Zack Snyder et le film parfait pour s'associer à « The Studio »

À l'âge de streaming moderne, vous ne manquez jamais d'options en ce qui concerne ce qu'il faut regarder. Le nombre de films disponibles à portée de main en ce moment peut être difficile de choisir un film à regarder parfois. C'est particulièrement le cas lorsque aucun des films recommandés sur votre plate-forme de streaming préférés ne vous attire ou ne vous attrayait pas.

C'est à cela que sert cette liste. Voici les sept meilleurs films de gemmes cachés que vous pouvez diffuser sur Max en ce moment.

«Legend of the Guardians: The Owls of Ga'hoole» (2010)

Un film tellement sous-estimé et oublié à temps que la plupart des gens ne réalisent même pas qu'il a été réalisé par le cinéaste «Man of Steel» Zack Snyder, «Legend of the Guardians: The Owls of Ga'hoole» de 2010 fonctionne bien qu'il ne le devrait. Basé sur une série de livres fantastiques de Kathryn Lasky, le film d'animation suit Soren (Jim Sturgess), une chouette-grasse qui finit par prendre avec son frère Kludd (Ryan Kwanten) dans une guerre entre un groupe totalitaire et militariste de hibou Ga'hoole.

Mis à part une séquence musicale mal jugée et terriblement datée sur une chanson d'Owl City (Cue: Groan), «Legend of the Guardians» est un film d'aventure animé passionnant et étonnamment efficace. C'est, comme beaucoup de films de Snyder, visuellement étonnants, et le conflit central du film permet aux instincts les plus fantastiques, sombres et imaginatifs du cinéaste de fonctionner en tandem. C'est sournoisement l'un des meilleurs films de Snyder, peu importe à quel point il est peu connu.

«Vice inhérent» (2014)

Une bombe au box-office qui était extrêmement sous-estimée lors de sa sortie, « Inherent Vice » est un chef-d'œuvre mineur de l'écrivain-réalisateur Paul Thomas Anderson qui a lentement mais inévitablement recueilli une plus grande base de fans au fil du temps. Sur la base du roman du même nom de l'auteur Thomas Pynchon, «Inherent Vice» est une comédie de détective de stoner sur Larry «Doc» Sportello (Joaquin Phoenix), un détective privé perpétuellement lapidé dont la dernière enquête lui envoie une spirale dans un complot impliquant un informatique immobilier disparue, le FBI, le FBI. Au centre de tout cela se trouve Shasta Fay Hepworth (Katherine Waterston), l'ex-petite amie qui a brisé le cœur de Doc.

À la fois une lettre d'amour à la Californie des années 1960 et un éloge aux yeux brumeux pour cela, «Inherent Vice» est une comédie d'abord vibs. Si vous parvenez à regarder au-delà de sa conspiration fictionnelle délibérément indéchiffrable, vous vous retrouverez probablement submergé par un film scandaleusement drôle et profondément émouvant sur combien vous pouvez manquer non seulement quelqu'un mais aussi le monde que vous connaissiez. Le capitalisme et la famille Manson ont tué les années 60, et que nous le réalisions ou non, les cicatrices de la mort de cette décennie n'ont pas disparu de la vie américaine. «Inhérent Vice» honore cette perte en riant simultanément, en le pleurant et en allumant un joint en l'honneur de celui-ci.

«The Player» (1992)

L'un des films les plus grands et les plus cyniques sur Hollywood jamais réalisés, « The Player » du réalisateur Robert Altman est un démontage magistral du système de studio et une comédie satirique ondulée sur la façon dont il se mâche et crache les artistes qui continuent. Tim Robbins dirige le film en tant que Griffin Mill, un jeune directeur de studio paranoïaque au sujet de sa sécurité d'emploi qui tue le scénariste en herbe qu'il soupçonne de lui envoyer des menaces de mort.

Un film parfait à jumeler avec la comédie hollywoodienne de Seth Rogen, la comédie d'Apple TV + «The Studio», «The Player» est un film de Tergle et de Terre Scorched, comme seul un réalisateur aussi intransigeant et à juste titre qu'Altman pourrait réaliser. Peu de films ont jamais mieux exploré la façon dont les artistes sont maltraités et exploités par leurs patrons d'entreprise souvent riches que «le joueur». Le fait qu'il parvienne à le faire tout en retournant son regard si-looks-couverant-tue sur l'industrie même dans laquelle il a été réalisé rend le film encore plus miraculeux et impressionnant.

«Days of Being Wild» (1990)

Le cinéaste de Hong Kong, Wong Kar-Wai, a réalisé certains des films en langue étrangère les plus appréciés et les plus acclamés des 50 dernières années. Très peu de réalisateurs internationaux tiennent le même endroit vénéré que lui. Malgré cela, son drame de 1990, «Days of Being Wild», est toujours un film étonnamment sous-estimé. Une préquelle très lâche du chef-d'œuvre de 2000 de son réalisateur, «In the Mood for Love», «Days of Being Wild» suit Yuddy (Leslie Cheung), un coureur de jupons de chances lisse dont les mauvais traitements non comités des femmes qu'il séduent crée des ondulations émotionnelles qui s'étendent dans la vie de stangs complets.

Le film trace ces ondulations, tout tandis que Yuddy a du mal à trouver la paix dans sa relation séparée avec Rebecca (Rebecca Pan), l'ancienne prostituée qui l'a pris en tant que mère adoptive. S'appuyant sur une palette de couleurs principalement verte et pratiquement monochromatique, «Days of Being Wild» est filmé avec une sensualité frappante et un dynamisme par le fréquent collaborateur de Wong Kar-Wai, le directeur de la photographie Christopher Doyle. Le film qui en résulte est un rêve cinématographique transoxyant débordant du genre de désir que vous ressentez dans vos os mêmes.

«Paris, Texas» (1984)

Un drame magistral qui mérite d'être mieux connu par les non-cinéphiles, «Paris, Texas» de 1984 vous a parlé. Co-écrite par LM Kit Carson et feu, grand Sam Shepard, ce film routier dirigé par Wim Wenders suit Travis Henderson (un grand Harry Dean Stanton de tous les temps), un Drifter qui se retrouve et finalement emmené en Californie par son frère Walt (Dean Stockwell), où il se retrouve avec son jeune chasseur de fils, un fils éteint (Hunter Carson).

Alors que Travis se reconnecte avec le côté de sa vie dont il s'était enfui, il devient de plus en plus déterminé à voyager à travers le sud-ouest américain à la recherche de sa femme disparue et de la mère de Hunter, Jane (Nastassja Kinski). Tourné avec la beauté de la vie du directeur de la photographie Robby Müller, «Paris, Texas» se déroule lentement. Il révèle les profondeurs de son histoire et les détails du passé émotionnellement turbulent de son protagoniste avec une patience et une grâce élégantes. En cours de route, il apparaît comme une histoire profondément considérée et compatissante sur le lâchement de votre culpabilité et la rédemption – pas seulement pour vous-même non plus, mais aussi ceux que vous connaissez le méritent aussi.

«Femmes du 20e siècle» (2016)

En 2016, le scénariste-réalisateur Mike Mills a suivi «Beginners», son film oscarisé de 2011 sur sa relation avec son père homosexuel, avec un film sur sa mère. That movie, “20th Century Women,” is a sun-soaked, kaleidoscopic drama about Jamie Fields (Lucas Jade Zumann), a 15-year-old skater growing up in the shadows of his eccentric, proud mother Dorothea (a career-best Annette Bening), their artistic, 24-year-old photographer tenant (Greta Gerwig) and his best friend Julie Hamlin (Elle Fanning), who sneaks in most nights to Dormez dans sa chambre mais ne ressent pas la même chose à son sujet qu'il fait à son sujet.

Les «femmes du XXe siècle» sont, en d'autres termes, un drame d'ensemble débordant de personnages distinctement dessinés et mal ajustés et également d'un film disposé à s'engager dans des idées complexes sur les liens entre les mères et les fils et la dynamique sociale en constante évolution entre les hommes et les femmes. En partie inspirée par la propre enfance de Mills, les «femmes du XXe siècle» sont un regard vivement réalisé sur un lieu, un moment et un moment culturel très spécifiques qui se sent simultanément intemporels et étonnamment spécifiques.

«Brève rencontre» (1945)

L'un des films les plus douloureusement romantiques jamais réalisés, «Brief Encounter» est parmi les plus grands films que le réalisateur David Lean a créés tout au long de son illustre carrière, qui a également produit des classiques comme «Lawrence of Arabie» et «The Bridge Over the River Kwai». Adapté par Noël Coward de sa propre pièce en un acte, «Brief Encounter» suit deux étrangers britanniques mariés (Celia Johnson et Trevor Howard) dont la rencontre fortuite à une gare enflamme une affaire émotionnelle secrète intense entre eux qui menace de déchirer leurs vies respectives.

Une influence notée sur «Carol» de 2015, le film est une exploration tendre mais non sentimentale de la façon dont l'amour est suffisamment puissant pour nous faire considérer, même si ce n'est que brièvement, se détournant complètement des circonstances et des responsabilités définies de nos vies. Il s'agit d'une œuvre puissante et affectante, impeccablement dirigée, interprétée et écrite par toutes les personnes impliquées. Il y a des moments d'intimité brute et d'honnêteté émotionnelle dispersés tout au long de celui-ci qui vous coupent le souffle, y compris un rythme dramatique inoubliable quand un personnage regarde simplement Laura Jesson de Johnson et observe: « Vous avez été loin. »