Le directeur de la photographie Jaime Reynoso parle de la méthode Kaminsky

Spotlight est la série d’interviews de ComingSoon avec des talents en dessous de la ligne et / ou prometteurs dans le monde de la télévision et du cinéma. Notre objectif est de mettre en lumière les postes variés qui rendent possible le divertissement que vous aimez plutôt que de nous concentrer uniquement sur les acteurs et les réalisateurs.

Jeff Ames de ComingSoon s’est récemment entretenu avec le directeur de la photographie Jaime Reynoso à propos de son travail sur la série populaire de Netflix La méthode Kominsky. La série primée aux Emmy Awards suit un acteur vieillissant, joué par Michael Douglas, qui gagne sa vie en tant qu’entraîneur par intérim dans ses dernières années. Sa troisième et dernière saison est tombée sur Netflix l’année dernière.

Jaime, qui a récemment remporté une nomination aux prix ASC, est entré dans la série lors de la troisième saison et a pu apporter une nouvelle perspective à la cinématographie de la série. Il voulait vraiment conduire les histoires des personnages dans la dernière saison et a travaillé pour créer un travail de caméra et un éclairage très authentiques et naturalistes. Reynoso a également construit des plates-formes personnalisées tout au long de la saison, comme celle utilisée pour une scène automobile au rythme rapide. Pour cette scène, Jaime voulait s’assurer qu’elle n’était pas visuellement trop parfaite et qu’elle ressemblait à une vraie voiture traversant les rues de la ville malgré le fait que la scène ait été tournée en studio. Les autres travaux de Reynoso incluent Snowpiercer de TNT et El Candidato d’Amazon.

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Jeff Ames : Qu’est-ce qui vous a amené à devenir directeur de la photographie ?

Jaime Reynoso : Au début de mes études, mon professeur a regardé au-delà de ma difficulté à lire en remarquant ma facilité à m’exprimer par le dessin. Au lieu de me forcer à suivre le troupeau, elle me demandait de dessiner ce que les autres enfants écrivaient. J’ai dessiné intensément tout au long de mon enfance jusqu’à ce qu’à l’adolescence, je découvre le labo photo N&B. Après avoir obtenu son diplôme, étudiant formellement la photographie fixe et officiellement cinéphile, un camarade de classe m’a demandé : « tu aimes le cinéma, n’est-ce pas ? » Son petit ami faisait partie de l’équipe de tournage de Like Water for Chocolate, et ils étaient à la recherche d’un jeune homme pour aider avec le moniteur du réalisateur. Avant la fin de ma première journée, je savais que j’appartenais au cirque du cinéma. Il y avait un jeune cameraman sur ce film, il était déjà un peu une légende, et son travail était tout à fait inspirant.

Y avait-il des individus spécifiques dans le domaine qui ont influencé votre style ?

Comme de nombreux cinéastes mexicains, Gabriel Figueroa a été ma première inspiration. Plus tard, en particulier dans l’éclairage, les premiers films de Chris Doyle à Hong Kong ont eu une forte influence. Cependant, le Dr Atl, Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros et Saturnino Herrán, avec leurs pinceaux, ainsi qu’Edgar Poe, Juan Rulfo et Carlos Fuentes avec leurs stylos, ont exercé plus d’influence que tous les directeurs de la photographie réunis.

Comment ta technique/style a-t-il évolué au fil des années ?

Il évolue constamment. Chaque projet apporte de nouveaux éléments dans nos coups de pinceau et d’autres sont laissés pour compte. Chaque projet est différent, engageant ainsi une version différente de moi-même.

(Crédit photo : Anne Marie Fox/Netflix © 2020)

Qu’est-ce qui vous a donné envie d’y travailler dans The Kominsky Method ?

J’ai regardé l’émission et j’ai beaucoup aimé. J’ai trouvé que c’était brillamment écrit. Lorsque l’opportunité d’en faire partie s’est présentée, il n’y a pas eu d’hésitation. Cela a ouvert la possibilité de faire quelque chose de différent de ce que je fais normalement. J’ai toujours considéré cela comme inestimable. De plus, suivre un collègue directeur de la photographie, dans ce cas, Anette, est un défi qui aide à éliminer une couche de zone de confort de notre peau.

Vous êtes arrivé lors de la troisième saison, avez-vous dû vous adapter au style préexistant ou avez-vous pu appliquer votre propre vision à la série ?

Je dirais une combinaison des deux. J’ai fini par faire un peu les choses, dans ma version de ce qu’était la série ou… Est-ce l’inverse et étais-je la version de moi-même de la méthode Kominsky ?… Vous me direz…

Quel a été l’aspect le plus difficile de la méthode Kominsky et comment l’avez-vous surmonté ?

Naviguer probablement dans COVID-19 et ses protocoles. Au début, quand nous avons repris le travail, nous devions tous être vigilants, nous devions tous contribuer à la perfection des protocoles. De plus, une bonne partie de notre distribution provenait de groupes à haut risque. Cela signifiait prendre trois caméras chaque fois que nous le pouvions pour tirer le meilleur parti de chaque moment non masqué.

Avez-vous des histoires amusantes sur les coulisses de la création de la méthode Kominsky que vous pouvez partager ?

Le moment le plus significatif de la série a été lorsque Sandy voit enfin son film sur un panneau d’affichage sur Sunset Blvd. Ce moment raconte notre histoire à tous. Cinéastes, nous sommes des artistes en herbe, n’est-ce pas ? Et là, je tournais Michael Douglas jouant Sandy Kominsky, regardant son propre panneau d’affichage. Le tournage de cette scène était très émouvant…

(Crédit photo : Anne Marie Fox/Netflix © 2020)

Comment s’est passée votre collaboration avec le créateur Chuck Lorre ? À quel point sa vision était-elle difficile?

Chuck est un scénariste/producteur très intelligent et expérimenté qui, en tant que réalisateur, est très clair dans ce qu’il recherche. Il est aussi très gentil et collaboratif. Encore une fois, le spectacle a été l’un des premiers après la reprise de la production après le verrouillage, je pense que nous étions tous à la maison depuis si longtemps que tout le monde était extrêmement impatient de se mettre au travail et de voir des gens. La méthode Kominsky est une série très intelligente. Ce n’est pas seulement son genre, ce n’est pas seulement l’intrigue ; c’est le parcours de ses personnages. La photographie est chargée d’attirer le public dans le voyage émotionnel que traversent les personnages. Tant que je gardais la perspicacité du parcours des personnages, mes décisions y seraient fidèles.

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Y a-t-il des choses que vous avez apprises en travaillant sur la méthode Kominsky que vous êtes impatient d’appliquer à de futurs projets ?

C’était plus un rappel de quelque chose que je savais déjà mais que je perdais peut-être de vue. Le cinéma est une forme d’art et sa photographie ne doit jamais être considérée comme un instrument de flash. Le point est précisément le contraire, être aussi expressif que possible avec la cinématographie mais ne jamais dépasser. Il ne doit jamais gêner les performances qui sont le plat principal. La cinématographie, ainsi que d’autres composants de l’image, fournit l’atmosphère que les personnages habitent. Si c’était un tatouage, il dirait « rester invisible ».

Qu’est-ce que ça fait de recevoir une nomination de l’ASC pour votre travail ?

Pendant longtemps, j’entendais, « ils pensaient que vos trucs étaient trop sombres… trop dramatiques. » Au départ, cela m’a déçu, mais j’ai fini par comprendre que cela signifiait que je n’étais pas fait pour ces projets. Ils s’attendaient très probablement à de la photographie qui, à mes yeux, serait fade et suréclairée. Cependant, il est indéniablement satisfaisant d’être nominé par ses pairs, par les spécialistes qui peuvent relever les moindres détails. L’ASC comprend certaines des meilleures paires d’yeux au monde. Être pris en considération par eux est inestimable.

Avez-vous d’autres projets à venir dont vous pourriez nous faire part ?

Je suis actuellement en Europe pour préparer un projet d’époque. Il s’agit de l’occupation nazie de Paris et de son espèce de renaissance après la libération. Je suis vraiment excité à ce sujet.

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