‘Jonah’ Off Broadway Review: Comment un fantasme devient réalité si vous

La nouvelle pièce fascinante de Rachel Bonds trouve de l’espoir dans l’imagination d’un auteur

En sortant du théâtre où venait de jouer la nouvelle pièce « Jonah », un couple derrière moi a à peine attendu que le rideau baisse pour commencer à parler de ce qu’ils venaient de voir.

« Les trois personnages masculins étaient donc des fantasmes de femme », clame-t-il avec assurance.

« Non! » elle répondit. « Ils étaient tous réels. »

Mon rendez-vous du soir et moi nous sommes mis d’accord sur une troisième interprétation. Comme nous l’avons vu dans la pièce, deux des personnages masculins sont réels et l’un d’eux est fantastique. Bien sûr, au théâtre, tout le monde sur scène est le fruit de l’imagination du dramaturge, et il est révélateur que Rachel Bonds, l’auteur de « Jonah », ait fait de son personnage principal, Ana (Gabby Beans), une écrivaine qui a écrit soit un mémoire ou un roman autobiographique, et elle travaille sur un deuxième effort. Son imagination est son salut. Ce qui est réel et ce qui ne l’est pas, et comment une réalité brutale déclenche à la fois la crise d’intimité d’Ana et la conduit à créer un fantasme sexuel, c’est en grande partie ce dont parle « Jonah ». Au moins pour moi. La description de cette pièce sur le site Internet de Bonds donne une interprétation tout à fait différente.

La nouvelle pièce, au départ époustouflante mais toujours fascinante, intitulée « Jonah », a eu sa première mondiale jeudi au théâtre Laura Pels du Roundabout.

Puisque « Jonas » est ouvert à de nombreuses interprétations, ce n’est évidemment pas une pièce facile à revoir. Soit je dévoilerai trop de détails du puzzle, soit je me ridiculiserai en révélant ce que j’ai manqué ou ce que j’ai complètement faux. Voici une chose à retenir : « Jonah » est réalisé par Danya Taymor, qui a un talent infaillible pour sélectionner et réaliser uniquement les meilleures nouvelles œuvres de jeunes écrivains. La façon dont Taymor distingue Ana des trois personnages masculins qui, à différents moments du parcours de ce personnage, interagissent avec elle – ou apparaissent simplement comme le fruit de son imagination est particulièrement séduisante.

Il y a une exagération délibérée dans les performances des trois acteurs masculins qui les met en contraste frappant avec la prestation beaucoup plus subtile et nuancée de Beans. Son Ana apparaît tour à tour coquette, énervée et dédaigneuse. Comme la plupart d’entre nous, elle change de forme en fonction de la personne qui partage la chambre avec elle.

Concernant les hommes sur scène, Hagan Oliveras apporte une légère folie au rôle d’un harceleur de lycée. (C’est le Jonas du titre.) Samuel Henry Levine dégage une familiarité brutale en tant qu’homme qui à la fois déclenche la crise d’Ana et la sauve. Et John Zdrojeski parvient à être gentil au point d’être repoussant en tant qu’homme d’à côté trop disponible qu’aucune femme ne regarderait d’un coup, et encore moins n’inviterait dans sa chambre. Il fait juste irruption, mais avec un charme odieux.

En parlant de pièces, « Jonah » se déroule dans la chambre d’une adolescente, son dortoir et un espace de vie dans une retraite d’artiste. Ce sont les trois lieux que j’ai pu identifier, même si la scénographie de Wilson Chin ne ressemble à aucun de ces lieux bien qu’elle contienne à la fois un bureau et un lit. Je me suis demandé à un moment donné comment une étudiante aurait pu publier un livre à succès lorsque j’ai finalement réalisé que Bonds ne racontait pas son histoire dans l’ordre chronologique. Cette prise de conscience m’est venue bien après la moitié de cette pièce de 100 minutes. Jusqu’à son avant-dernière scène, pas grand-chose dans « Jonah » ne semble avoir de lien avec ce qui vient de se passer ou ce qui va se passer ensuite.

En d’autres termes, regarder « Jonah » est souvent un exercice de confusion, une expérience de désorientation qui n’est jamais moins que très absorbante grâce à la performance captivante de Beans – elle ne quitte jamais la scène – et à l’extraordinaire don de Bonds pour le langage.

Il est facile de s’installer dans chacune des nombreuses scènes de la pièce et de se délecter du dialogue initialement spirituel qui devient lentement carrément âcre.