It's Never Over, critique de Jeff Buckley – une histoire touchante…
Au cours des 29 années qui ont suivi sa mort accidentelle par noyade, la vie de Jeff Buckley a été simplifiée en un mythe du rock'n'roll : un artiste tragique et sensible destiné à mourir jeune comme son père, musicien culte. Le film d'Amy J. Berg – premier long métrage documentaire sur Buckley – vise à briser ce mythe. À l'aide d'entretiens avec des amis et des collaborateurs ainsi que d'une riche collection d'images d'archives, Berg met en valeur la personnalité complexe de Buckley et plaide en quelque sorte pour sa musique comme radicale et expérimentale.
Nous rencontrons Buckley alors qu'il était enfant, élevé par sa mère en Californie du Sud, déjà abandonnée par son père, le musicien folk Tim Buckley, décédé d'une overdose quand Buckley avait huit ans. Après avoir passé son adolescence dans des groupes, Buckley est invité à se produire lors d'un hommage à son père en 1991 à New York. Bien qu'il soit réticent à être associé à Tim (« il a décidé de ne pas être mon père »), cette performance l'introduit dans une scène d'avant-garde dans laquelle son talent artistique s'épanouit ; un contexte souvent négligé.
Obtenez plus de petits mensonges blancs
Outre ses performances légendaires au Sin‑é club de New York – où il est repéré par Columbia Records – il s'implique dans le théâtre underground avec sa petite amie Rebecca Moore. Moore et un autre ancien partenaire, la musicienne Joan Wasser, sont les voix les plus précieuses du film, dressant le portrait d'un homme à la fois complexe et séduisant – la description par Wasser de Buckley fixant son regard lorsqu'elle la voit jouer pour la première fois est terriblement sexy. Berg met le féminin au premier plan dans l'histoire de Buckley, le plaçant aux côtés de Michael Stipe et Kurt Cobain, qui aiment jouer le genre. Elle met l'accent sur l'influence de Nina Simone sur sa voix, inclut des histoires de lui portant des robes à la maison et raconte une lutte avec sa maison de disques lorsqu'il porte une veste dorée sur la couverture de son album de 1994 « Grace » – trop androgyne, apparemment.
Une grande partie est consacrée à « Grace », le seul album studio complet de Buckley, avec de magnifiques images de son enregistrement. C’est rafraîchissant de voir l’album recadré comme radical – parlant de sa reprise désormais omniprésente de « Hallelujah » de Leonard Cohen, Buckley déclare (à juste titre) que « c’est un hommage à l’orgasme, pas à Dieu ». Au moment de sa mort en 1997, Buckley travaillait sur son deuxième album, « My Sweetheart The Drunk », sorti à titre posthume sous la forme d'une série d'enregistrements complets du groupe et de démos faites maison. C'était l'une des meilleures et des plus étranges musiques de Buckley, et bien qu'une grande partie soit utilisée tout au long du film, on nous parle à peine de sa réalisation et nous sommes quelque peu induits en erreur sur la façon dont elle a été enregistrée. C'est une occasion manquée dans un film qui réussit souvent à élargir la portée de l'histoire de Buckley.
Au lieu de cela, la fin du film est consacrée à la discussion sur la santé mentale de Buckley, en particulier sur son trouble bipolaire présumé, qui s'est aggravé sous la pression de la célébrité. Selon Wasser, son cerveau était « une radio réglée sur toutes les fréquences à la fois » – un état parfois fécond, parfois douloureux qui se reflète avec sensibilité dans le cinéma de Berg, semblable à un collage. Berg comprend clairement bien son sujet, mais Buckley est peut-être un personnage trop complexe pour être pleinement représenté dans un seul film.
