Béla Tarr's 1994 film Satantango

Films qui aliènent activement le public

La plupart des films visent à plaire. Le «pop» dans les cultures pop signifie «populaire», après tout, et le succès commercial et critique, sans parler des carrières, est en jeu avec chaque film. Il n’est donc pas surprenant que la plupart des films courtisent le plus large public possible. Ils ne réussissent pas toujours, mais la satisfaction est presque toujours le but.

Dans certains cas, cependant, un cinéaste peut intentionnellement aliéner certains publics afin de faire valoir un point ou de provoquer une réaction. Certains cinéastes aliènent intentionnellement leur public avec un humour extrême ou offensant, des techniques non conventionnelles ou des méthodes de narration stupéfiantes pour créer une expérience plus immersive ou stimulante. Et bien que cela puisse rendre le film moins accessible au grand public, il y a quelque chose à dire pour les films qui ne sont pas pour tout le monde.

Un Chien Andalou

Les Grands Films Classiques

En 1929, l’âge d’or d’Hollywood battait son plein. Le code Hays, limitant les films à un contenu moralement droit et édifiant, était encore dans cinq ans, et le public a eu droit à des films à succès de stars durables comme Louise Brooks et Clara Bow aux côtés du premier thriller d’Alfred Hitchcock Blackmail et de la scandaleuse boîte de Pandore de Georg Wilhelm Pabst.

Même en ces temps plus aventureux, cependant, le public n’était pas préparé au réalisateur Luis Buñuel. Lors de la première de son premier long métrage, L’Age D’Or (L’âge d’or), sorti l’année suivante, Buñuel a rempli ses poches de pierres pour se défendre du public attaquant.

C’est cependant cette collaboration avec son compatriote espagnol Salvador Dalí qui a établi le modèle pour éloigner les téléspectateurs. Sans intrigue et imprégné de surréalisme, Un Chein Andalou (Le chien andalou, un titre qui n’a apparemment aucun lien avec le film lui-même), ne fait aucun effort pour rencontrer son public à mi-chemin, et son plan le plus célèbre – d’une femme se coupant le globe oculaire ouvert avec une lame de rasoir en gros plan graphique, reste l’un des plans les plus surprenants de l’histoire du cinéma.

Dogville

Sortie de film Nordisk

Comme Buñuel, le réalisateur danois Lars von Trier a fait carrière en voyant à quel point il peut soumettre son public. Figure clé du très influent mouvement Dogme 95, qui se concentrait sur la réalisation de films très restrictifs (les films doivent être tournés sur place, sur des caméras portables, sans éclairage, sans son non diégétique ni action, par exemple), von Trier a toujours fait la réaction du public un élément clé de ses films.

Nulle part cela n’est plus évident que Dogville. Filmés sur une scène sonore sans décor, les rues et les bâtiments de la ville fictive de Dogville sont délimités à la craie et les acteurs miment les interactions avec leur environnement. Le caractère artificiel du style du film n’a d’égal que la cruauté et la brutalité de son intrigue, qui tourne autour des agressions sexuelles et de la vengeance violente.

En son cœur, Dogville, sorti en 2003, est un commentaire sur les attentats terroristes du 11 septembre et la « guerre mondiale contre le terrorisme » des États-Unis qui a suivi. De cette manière, von Trier suit les traces du légendaire dramaturge et metteur en scène Bertolt Brecht. C’est Brecht qui a créé le terme Verfremdungseffekt (effet d’aliénation) pour l’aliénation intentionnelle du public. Brecht a fait valoir qu’il fallait résister aux effets immersifs, presque hypnotiques, de la scène et de l’écran, pour mieux communiquer un message social ou politique au public, une notion que von Trier prenait clairement à cœur.

Salò ou les 120 journées de Sodome

Artistes unis

Ce film italien de 1975 se déroulant pendant les derniers jours de la Seconde Guerre mondiale et basé sur le travail de la marquise de Sade (de qui nous obtenons le mot «sadisme») se délecte positivement de la torture sexualisée d’enfants pendant des mois sous couvert de condamner le Personnages fascistes perpétrant les actes à l’écran.

Salò est véritablement répugnant, brutal et presque impossible à terminer pour beaucoup de gens, et pourtant il s’est avéré extrêmement influent au cours des quatre dernières décennies. Des films comme Saw, Hostel, The Human Centipede et tout le sous-genre d’horreur de la torture porno doivent tous leur existence au film de Pier Paolo Pasolini, que Time Out’s Film Guide a nommé le « film le plus controversé » de tous les temps en 2006.

Sátántangó

Oeil artificiel Curzon

Ce film dramatique de 1994 réalisé par le cinéaste hongrois Béla Tarr est tourné en noir et blanc avec une durée supérieure à sept heures. Le film est entièrement tourné en longues prises, et Tarr affirme qu’il n’y a qu’environ 150 plans dans tout le film, dont plusieurs durent plus de dix minutes. Pour mettre cela en contexte, selon James Cutting, psychologue à l’Université Cornell qui a étudié l’évolution du cinéma au cours du siècle dernier, la durée moyenne des plans dans les longs métrages tourne aujourd’hui autour de 2,5 secondes.

Les plans longs sont devenus un peu un objet fétiche chez les cinéphiles, mais Cutting souligne que les plans plus courts s’intègrent mieux aux fluctuations naturelles de l’attention humaine. « Les gens s’effondrent toutes les quelques secondes », a-t-il déclaré au magazine Wired. « Vous fluctuez à l’intérieur et à l’extérieur, et il y a un schéma naturel à cela. » En conséquence, des films comme Sátántangó mettent à rude épreuve la capacité d’attention de leur public.

L’expérience visuelle devient une sorte de test d’endurance, peut-être mieux illustré par le film d’art Empire d’Andy Warhol, dont la durée de 485 minutes consiste uniquement en un plan statique de l’Empire State Building. Comme avec Empire, Sátántangó fait de la présence ressentie du temps un élément clé de son expérience, changeant non seulement la façon dont nous regardons et pensons le film lui-même, mais les films et le tournage plus généralement.

Le film à un milliard de dollars de Tim et Eric

Warner Bros.

Diviser la différence entre les objectifs artistiques presque cliniques de réalisateurs comme Tarr et Warhol et les chocs viscéraux et dégoûtants de la torture porno sont les anti-comédies grinçantes de Tim et Eric’s Billion-Dollar Movie’s Tim Heidecker et Eric Wareheim et Freddy Got Tom Green de Fingered.

Plus que tout autre genre, la comédie se définit par la réaction de son public. Ils rient, ou ils ne rient pas ; s’ils ne le font pas, ce n’était pas drôle pour eux. Les films d’action, les romances et les drames ont tous un corollaire à cela, mais ce n’est que dans la comédie qu’une réaction spécifique du public est intimement liée au succès ou à l’échec ; « tuer » ou « mourir » dans le langage de la comédie stand-up.

Des films comme Tim et Eric’s Billion-Dollar Movie, cependant, ne sont pas les mêmes. Il a une sorte d’humour qui aliène activement son public avec des blagues qui défient la structure commune et embrassent du matériel rebutant, creusant un fossé profond entre ceux qui l’obtiennent et ceux qui ne l’obtiennent pas. L’humour ne vient pas tant du matériel lui-même que de la réaction que ses créateurs et fans savent qu’il suscite auprès du grand public; à certains égards, c’est un pur comportement de troll, élevé au niveau de l’art, et il est difficile d’imaginer que Buñuel n’approuverait pas.

A lire également