Domee Shi sur le traumatisme intergénérationnel de Turning Red

Actualités > Domee Shi sur le traumatisme intergénérationnel de Turning Red

Après avoir fait des vagues sur Disney+, Turning Red de Pixar devient disponible en numérique le 26 avril et en Blu-ray le 3 mai. Réalisé par Domee Shi, le film met en vedette Rosalie Chiang, Sandra Oh, Ava Morse, Maitreyi Ramakrishnan, Hyein Park et Orion Lee.

« Le film présente Mei Lee, une adolescente confiante et stupide de 13 ans, déchirée entre rester la fille dévouée de sa mère et le chaos de l’adolescence », lit-on dans le synopsis. « Sa mère protectrice, sinon légèrement autoritaire, Ming, n’est jamais loin de sa fille – une triste réalité pour l’adolescente. Et comme si les changements apportés à ses centres d’intérêt, ses relations et son corps ne suffisaient pas, chaque fois qu’elle est trop excitée (ce qui est pratiquement TOUJOURS), elle se transforme en panda roux géant !

Le rédacteur en chef de ComingSoon s’est entretenu avec le réalisateur de Turning Red, Domee Shi, pour discuter du film, de sa description du traumatisme intergénérationnel, de son influence sur l’anime, etc.

Tyler Treese : Tout d’abord, félicitations pour votre récente promotion au poste de vice-président de la création chez Pixar. Qu’est-ce que cela signifiait pour vous d’obtenir le soutien de l’entreprise dans cette démonstration très publique et financière qu’elle faisait confiance et croyait en votre vision ?

Domee Shi : C’est incroyable. Je suis vraiment très reconnaissant que Pixar ait vraiment adopté ce film et ait vraiment apporté son soutien derrière lui et moi en tant que cinéaste et voix au studio. Je ressens juste une quantité incroyable de gratitude et de responsabilité en rendant tout le soutien que j’ai obtenu tout au long de mon expérience chez Pixar et en aidant la prochaine génération de cinéastes à vraiment prospérer comme je l’ai fait au studio.

Je pensais que Turning Red commençait si bien. J’adore la façon dont cela a capturé, au tout début, juste l’excitation et la sorte de maladresse de vouloir être indépendant et de vouloir être plus adulte que vous ne l’êtes vraiment en tant que jeune adolescent et cela a si bien défini les thèmes généraux. À quel point était-il important de clouer l’ouverture et de présenter tous ces personnages au tout début du film ?

Oui, c’était vraiment important pour nous de commencer avec ce genre de film dès le début du film. Commencez le film d’une manière que nous n’avons pas encore vue d’un film Pixar et dans ce tout premier brouillon écrit par Sarah Streicher, la première scénariste du film, nous nous sommes inspirés de vous savez, de John Hughes, de Ferris Bueller. De nombreuses sitcoms pour adolescents que nous avons grandi en regardant, comme Clarissa explique tout ou Lizzie McGuire, où des personnages, comme des protagonistes féminines cuivrées très fortes, vont simplement briser le quatrième mur et parler directement à la caméra. C’était juste important pour nous de faire en sorte que le public tombe amoureux de Mei dès le début.

Vous avez certainement réussi.

Il y en a eu, mais il est assez rare de voir un film Disney ou Pixar qui n’a pas vraiment l’air d’un méchant maléfique traditionnel. Comment était-ce juste de rompre avec cette structure et de pouvoir raconter cette histoire?

Ouais, c’était vraiment amusant. Je pense que c’est plus difficile dans le bon sens d’essayer d’écrire une histoire et de proposer un conflit qui n’implique pas un type d’antagoniste sinistre super maléfique semblable à muahaha. Mais je pense que vous voyez beaucoup cette tendance dans beaucoup de films d’animation, comme Encanto, en explorant simplement cette idée que l’antagoniste ressemble plus à un traumatisme intergénérationnel parce que c’est un sujet intéressant et juteux et très pertinent qui, je pense, affecte beaucoup de personnes. J’étais juste vraiment excité de faire une plongée en profondeur là-dedans.

CONNEXES: La relatabilité du virage rouge de Pixar

L’aspect transformation est tellement amusant, mais je voulais demander parce que les pandas roux sont si petits et qu’ils sont adorables et que le panda de Mei est toujours très, très mignon. Mais comment avez-vous décidé de transformer juste un panda roux géant ? C’est un concept tellement amusant.

Ouais. Je voulais vraiment faire un film avec un panda roux [laughs] parce qu’ils sont si mignons et qu’on ne les voit pas beaucoup dans les films. Je pensais que ce ne serait pas drôle et encore plus mignon s’il était 10 fois plus gros qu’un panda rouge ordinaire. Cela ressemblait également à la métaphore parfaite de la puberté. Parce que quelque chose de grand, poilu et rouge, c’est, dans mon esprit, une excellente métaphore pour avoir ses règles. Pour toutes les émotions qui bouillonnent en vous à cet âge.

Ensuite, il vient vraiment de répondre à cette question, « Pourquoi l’animation? » parce que qui ne voudrait pas voir cette fille faire des allers-retours entre un humain et un panda roux géant à fourrure. Sa taille contribue également à sa maladresse et à son adolescence. Juste voir à quel point elle était mal à l’aise dans son nouveau grand corps, comment elle renverse des trucs, comment elle ne peut pas rentrer dans son lit ou ses vêtements. Comme tout cela, cela a en quelque sorte aidé à servir l’histoire que nous voulions raconter.

CONNEXES: Traumatisme générationnel: la dernière tendance du film Disney

Vous avez parlé du traumatisme intergénérationnel et j’ai pensé que c’était intéressant de voir comment vous l’exploriez dans le film parce que vous voyez la mère de Mei, elle a en quelque sorte le même genre de relation avec la grand-mère de Mei. Ensuite, avec la malédiction du panda rouge, il y a un peu comme beaucoup de blâme vers elle plutôt que de responsabilité, mais j’aime le fait qu’en fin de compte, la relation de la famille concerne cet amour et cette acceptation à la fin. Pouvez-vous parler de l’exploration de ce thème et de la façon dont vous avez décidé de le conclure d’une manière si agréable ?

Le panda et le film représentent vraiment tout le désordre qui accompagne la croissance, comme toutes les émotions désordonnées que nous commençons à développer comme vous le savez, en vieillissant. Mais tout le désordre que la société ou nos familles nous ont toujours dit de tasser pour essayer de nous en débarrasser, de contrôler pour évoluer dans la société. La mère de Mae, sa grand-mère et sa famille, elles ont grandi dans une génération différente où elles ont dû se débarrasser de leurs pandas. Ils devaient se débarrasser du côté désordonné en eux-mêmes et s’organiser pour survivre afin de vivre et de prospérer dans un environnement plus difficile.

Mais Mei a ce qu’ils n’avaient pas. Elle a ce grand système de soutien d’amis. Elle vit dans une génération différente et elle n’a pas à suivre le même chemin que sa mère et sa famille ont emprunté. Elle est donc la première de sa famille à choisir d’embrasser et de garder ce désordre et de vraiment le célébrer et l’intégrer dans sa vie. Mais cela ne veut pas dire que nous blâmons ou jugeons sa famille parce que sa mère ou sa grand-mère ont fait ce qu’elles ont fait parce qu’elles avaient besoin de le faire. Ils n’avaient pas d’amis comme Mei en avait. Donc, dans cette histoire, nous explorons en quelque sorte comment chaque génération affecte celle qui suit et comment une nouvelle génération [doesn’t] doivent grandir dans un monde aussi dur que celui que leurs parents ou grands-parents ont traversé. Ils peuvent donc être différents et briser le cycle dans ce sens.

Les films Pixar ont toujours une présentation de premier ordre, mais je pensais que c’était tellement élégant et que cela se résumait en grande partie à l’influence de l’anime. Quel était le défi d’essayer d’appliquer cela à l’animation 3D ? Parce que ce n’est pas quelque chose que nous voyons très souvent.

C’était un défi vraiment excitant pour toute l’équipe. Nous étions ravis de proposer ce nouveau style car tout cela vient simplement de vouloir dépeindre le monde et l’animation à travers les yeux de notre protagoniste, à travers Mei, qui est cette boule d’énergie et d’inter-fille. Donc, dès le début, nous regardions des anime des années 90, comme Sailor Moon, Ranma 1/2. Une palette de couleurs très vibrante pour la façon dont leurs personnages sont si expressifs. C’était vraiment le style parfait pour s’inspirer de Mei et de son histoire parce que Mei a tellement de grandes émotions dans le film que le simple fait d’appliquer ce genre de style de dessin animé plus animé a vraiment aidé le public à ressentir ce que Mei ressentait. à n’importe quel moment donné.

C’était difficile, mais dans le bon sens, car beaucoup de membres de l’équipe ne connaissaient pas l’anime. Donc, nous avons dû faire comme des cours accélérés sur le style anime. Comme la façon de poser les visages des personnages lorsqu’ils réagissent à des choses comme la surprise, la colère ou le bonheur. Comme les yeux de Sailor Moon, à quoi cela ressemble-t-il en 3D ? Nous venons d’itérer beaucoup d’émotions capillaires, qui étaient l’équipe de simulation. Comme à chaque fois que Mei s’énerve vraiment ou que vous sentez que sa colère bouillonne, vous voyez en quelque sorte ses cheveux commencer à se dresser comme un panda, mais même comme un humain. Nous avons fait beaucoup de tests juste pour voir à quoi cela ressemblerait. Donc ça n’a pas l’air trop contre nature, mais on dirait que c’est lié à son émotion et c’est comme si c’était fait d’une manière très subtile. Je pense que ça a l’air vraiment cool et ça aide vraiment à aider le public à ressentir ce que Mei ressent.

Je pense que chaque département a aidé à développer ce style inspiré de l’anime 3D, comme la simulation pour l’émotion des cheveux, l’éclairage pour les yeux de Sailor Moon et l’ensemble du paysage urbain. Ce genre de sentiment pastel rêveur comme si tout était éclairé. Effets avec toutes les perles de sueur et le nuage rose résistant chaque fois que Mei fait des allers-retours entre l’humain et le panda. Ce nuage de preuve devait être conçu de manière à avoir l’air crédible et mignon, mais pas comme une fumée réaliste. Donc, ce n’était que des effets. Ensuite, l’animation, bien sûr, avec comme elle des expressions faciales vraiment amusantes et expressives. Alors même dans le montage, dans le découpage, il y a une énergie et une vivacité. Chaque département s’est en quelque sorte réuni pour que cela se produise.

Un moment qui m’a vraiment touché a été le discours du père à la fin, et j’ai pensé que cela résonnait encore plus parce qu’il était si silencieux et en quelque sorte en arrière-plan pendant la première partie du film. Pouvez-vous parler de le sauver et de rendre ce moment plus percutant dans l’acte final?

Ouais. J’aime Jin. Il est un peu comme le rocher doux mais stoïque de la famille. Le film parle principalement de Mei et de sa relation avec sa mère et ses amis. Mais nous ne voulions certainement pas ignorer l’importance et l’impact des pères sur les filles adolescentes. Je pense que pour Jin, la façon dont il aime sa famille passe par les actions et l’écoute. C’est aussi une de mes scènes préférées. Quand il s’assoit et qu’il parle à Mei, nous montrons qu’il a regardé tout ce temps. Il a gardé ses distances en toute sécurité, mais a soutenu sa femme et sa fille quand elles ont besoin de lui. Je pense qu’il aime savoir quand venir et donner ce conseil si nécessaire quand c’est nécessaire. Il est en quelque sorte le héros silencieux du film.

★★★★★

A lire également