Des performances qui ont redéfini ce que signifie jouer

Le grand Lee Strasberg a dit un jour : « Le travail de l’acteur réside essentiellement dans deux domaines : la capacité à créer constamment la réalité et la capacité à exprimer cette réalité. Le pionnier du jeu de méthode était plus un bon professeur qu’un acteur, et dans son très vaste territoire de la philosophie du jeu, il s’est toujours assuré d’inclure des émotions tirées de zones invisibles ou de faits non révélés. Cela signifiait que ses étudiants acteurs devaient trouver un moyen d’étendre la vie d’un personnage fictif en explorant des plans émotionnels qui n’existaient tout simplement pas.

C’est l’une des nombreuses façons de donner vie à une idée à travers le métier très difficile d’agir. Certains interprètes donnent l’impression que c’est plus facile qu’il ne l’est, et pour d’autres, chaque rôle est une occasion différente d’explorer des paysages moraux qui pourraient se transformer en d’autres versions de la vérité. Dans ce voyage de l’art d’agir, nous pouvons souligner des performances fantastiques. La plupart d’entre eux sont décernés chaque année pendant cette période où l’art est évalué subjectivement par quelques-uns. Mais que dites-vous si nous creusons autour de certaines des performances qui, parfois avec quelques minutes de temps d’écran, ont contribué à améliorer, déconstruire et élever ce beau métier?

25 Alexis Bledel – Le conte de la servante

Hulu

Alexis Bledel de The Handmaid’s Tale est la meilleure performance de la série et l’une des meilleures de l’histoire de la télévision. Bledel représente les effets de la terreur dans seulement une poignée de scènes, mais elle le fait avec une excellente interprétation d’une femme désespérée qui comprend vraiment et montre qu’une fois que vous êtes en enfer, vous n’en sortirez probablement pas. C’est malheureusement une performance très sous-estimée dans la télévision moderne.

24 Eva Melander – Frontière

Film TriArt

La performance d’Eva Melander dans le rôle de Tina dans le film fantastique Border est extraordinaire. En ce qui concerne les êtres fictifs dans les films, il n’y a que quelques occasions où les interprètes ont pu transmettre un sentiment d’humanité et de sensibilité. C’est l’un de ces films. Pour Tina de Melander, il semble naturel et inévitable de trouver sa vraie personnalité en se permettant de ressentir et peut-être d’accepter qu’elle ne fait pas partie du monde dans lequel elle est née : c’est un troll au sens littéral du terme.

23 Robert De Niro – Raging Bull

Artistes unis

La présence de Robert De Niro dans Raging Bull de Scorsese est incroyablement naturelle et brute compte tenu du sous-genre des films sportifs. Quand il s’agit de ce genre de films et de leurs performances, il n’y a pas mieux que le boxeur autodestructeur de De Niro, Jake LaMotta. Celui-ci a redéfini les longueurs que vous iriez pour représenter physiquement la décadence à la suite de la gloire passée. Oui, nous parlons de ce gain de poids pendant quelques minutes de temps de course.

22 Geoffrey Rush – Briller

Films Ronin

Le travail de Geoffrey Rush dans Shine a changé les règles des performances des personnages souffrant de troubles mentaux car, dans ce cas, le traumatisme était une cause suffisamment importante de la dépression de David Helfgott. La musique peut rendre fou comme celui-ci le prouve, et Rush l’a personnifié avec une interprétation solide et étrangement pleine d’espoir d’un pianiste dont le talent était exploité par son père et son manque de confiance en lui. C’est l’un des Oscars de cette liste qui était vraiment bien mérité.

21 Whoopi Goldberg – La couleur violette

Amblin Divertissement

The Color Purple est le chef-d’œuvre sous-estimé de Spielberg que nous n’apprécions pas davantage en raison de sa sortie (c’était le moment de pointe du réalisateur dans le cinéma commercial). Whoopi Goldberg joue le rôle de Celie, une fille afro-américaine qui a grandi en Amérique au début du 20e siècle. Le physique de Goldberg est extraordinaire car elle incarne l’innocence mélangée à un traumatisme dans un monde qui ne lui pardonnera jamais et ne la préparera jamais à ce qui va suivre. Son regard, rempli de questions, est celui qui a laissé tout le monde sans voix à l’époque.

20 Sean Penn – Rivière mystique

Warner Bros.

Sean Penn dans Mystic River a transformé l’idée d’un père aimant en une horrible représentation de quelque chose que personne ne veut nier. Que feriez-vous si votre fille était tuée ? Arrêterais-tu un jour d’essayer de venger sa mort ? Jimmy Markum de Penn est une solide performance dans l’univers de la vengeance qui a permis au drame de rendre les monstres convaincants et acceptables face à des circonstances horribles. Essayez de voir le gars demander aux flics si le cadavre est bien celui de sa fille et voyez si vous n’en avez pas la chair de poule.

19 Olivia Colman – Tyrannosaure

StudioCanal

Olivia Colman dans Tyrannosaur est une pièce essentielle d’interprétation de la peur et du traumatisme, mais rien de tel que le cinéma n’est utilisé. Dans ce cas, les démons du monde de Colman sont activement agressifs et hantent chaque seconde de son existence. Le pire n’est pas encore passé. Son expression est désespérée, urgente et incroyablement forte. Celui-ci est sur la liste en raison de son efficacité surprenante aux côtés de la performance immaculée de Peter Mullan en tant qu’homologue.

18 Peter Finch – Réseau

Artistes unis

Une magnifique expression d’un homme fatigué de mentir aux gens. Peter Finch déchaîne avec colère et met l’accent sur chaque mensonge raconté à la télévision et déconnecte le public pendant un certain temps de la stupeur créée par les médias. Ce n’est pas qu’il se sent authentique. C’est juste une performance nécessaire qui transcende le scénario du film. Pour sa performance en tant que Howard Beale dans Network, Peter Finch a remporté un Oscar à titre posthume en 1977. C’est la raison pour laquelle De Niro n’a pas gagné pour Taxi Driver, mais oui, Finch mérite bien plus.

17 Tilda Swinton – Nous devons parler de Kevin

Oeil artificiel

Tilda Swinton dans We Need to Talk About Kevin est une interprétation choquante de l’engourdissement face à la terreur. Ce n’est que sur le visage de Swinton que nous pouvons reconnaître une telle terreur, mais ce n’est qu’une idée au début. Le film transforme son voyage d’une « mère et épouse qui se sont fatiguées et ont tout laissé derrière » à celle d’une « survivante qui est arrivée à la fin parce qu’un monstre implacable considérait que son témoignage pouvait être plus fort que la mort elle-même ».

16 Ann Dowd – Le conte de la servante

Hulu

La carrière d’Ann Dowd est jalonnée de moments forts. Cependant, dans The Handmaid’s Tale, elle affiche pleinement sa capacité à pouvoir incarner un concept avec plausibilité et substance. Un concept horrible d’ailleurs, puisque tante Lydia confirme que l’ambiguïté entre l’empathie et la loyauté, tout en reconnaissant naturellement son sexe, fera baisser son personnage à un moment donné. Nous attendons juste que cela se produise.

15 Meryl Streep – Le choix de Sophie

Images universelles

Meryl Streep est le géant de la nomination à Hollywood qui, tous les deux ans, se présente et épate les gens avec une solide performance. Néanmoins, il n’a pas été difficile de choisir Sophie’s Choice comme son rôle central dans lequel une mère est obligée de choisir qui vit et qui meurt entre ses enfants. La scène dans laquelle elle doit le faire est une pièce de cinéma époustouflante et inoubliable. Son expression et sa réaction face à la pure méchanceté sont une excellente représentation de la souffrance des victimes de la guerre. Sa victoire aux Oscars était une valeur sûre.

14 Forest Whitaker – Le dernier roi d’Ecosse

Renard du 20e siècle

Lorsque Forest Whitaker reprend toutes les scènes de Le dernier roi d’Écosse lorsqu’il incarne le monstre impitoyable Idi Amin, vous ne pouvez pas vous empêcher de vous sentir impuissant et en danger face au personnage. Non pas à cause de sa présence menaçante, mais parce que Whitaker a pu être transparent sur l’erratisme d’Amin et ses poussées aléatoires de colère violente. En ce qui concerne la recherche d’humanité chez les méchants, c’est le mieux que vous puissiez faire, et nous sommes à peu près sûrs que le rôle de Whitaker pourrait être utilisé pour une masterclass de caractérisation.

13 Denzel Washington – Journée d’entraînement

Images de Warner Bros.

Il ne faisait aucun doute que Denzel Washington était le bon choix pour la journée d’entraînement. Mais ce à quoi il ne s’attendait pas, c’était sa capacité à assumer le rôle et à le transformer en quelque chose d’aussi puissant. Le personnage qu’il construit avec une alimentation magistrale de faits et de friandises est essentiel pour permettre au public de comprendre (et de prédire avec) le code moral de quelqu’un d’aussi pourri et réel qu’Alonzo Harris. C’est l’une de ces performances qui s’adapte parfaitement à un superbe effort de mise en scène d’Antoine Fuqua.

12 Chiwetel Ejiofor – 12 ans d’esclavage

Photos du projecteur Fox

Chiwetel Ejiofor interprète l’un des nombreux grands personnages de 12 Years A Slave. Cependant, l’acteur compile parfaitement l’idée de traumatisme qui est évoquée au début des mémoires sur lesquelles le film est basé. La performance d’Ejiofor est authentique, et elle ne s’essouffle jamais dans son aspect prosaïque et brut d’espoir curieux dans les temps les plus sombres. Il est étonnant que cette performance ne lui ait pas valu un Oscar en 2014.

11 Al Pacino – La trilogie du parrain

Paramount Pictures

Nous ne pouvions pas choisir une seule représentation du rôle d’Al Pacino dans la franchise Le Parrain, car le personnage traverse une grande évolution et c’est ainsi qu’il faut toujours le voir. Michael Corleone se donne beaucoup de mal dans le premier film et devient un méchant. Mais dans les suites, Pacino permet à l’humanité de dominer ses actes et, sans être erratique, il laisse le doute obscurcir ses émotions tout en essayant de trouver un moyen de gagner, de suivre les traces de son père et de maintenir la dynastie Corleone ensemble. Le résultat est un sentiment fantastique d’inévitabilité dans l’arc d’un personnage qui a remodelé les normes des films policiers et de leurs interprètes.

10 Gary Oldman – Dracula de Bram Stoker

Photos de Colombie

Il ne fait aucun doute que le plus grand Dracula est Bela Lugosi. Cependant, lorsque Gary Oldman a pris le relais et a fait du personnage une création de ses propres capacités de performance, nous avons pu voir au-delà des crocs et de la soif de sang. Oldman nous a laissé témoigner de la sensibilité qui a fait de lui un monstre ; c’était un homme immortel pour qui l’amour était transcendantal et pouvait survivre à des univers entiers. Où d’autre avez-vous vu une combinaison aussi parfaite de maquillage, de conception de costumes et d’accent européen ? Et plus important encore, quand était-ce si crédible ?

9 Tom Hanks – Philadelphie

Photos de Tri Star

Tom Hanks a eu une séquence importante dans sa carrière au cours des années 90. Mais à Philadelphie, il a tout commencé par atteindre l’authenticité avec une utilisation subtile d’un catalogue que tout acteur devrait avoir : un éventail de traits physiques qui caractérisent un moment bien précis dans la vie d’un jeune homme. Peu d’acteurs ont trouvé le moyen de maîtriser cette capacité car ils exagèrent toujours lorsqu’ils optent pour le drame. Hanks est un étudiant constant qui atteint vraiment le niveau émotionnel le plus profond de ses personnages. La scène d’opéra de ce film est magnifique.

8 Robert Mitchum – La nuit du chasseur

Artistes unis

Robert Mitchum dans le rôle du révérend Harry Powell dans La nuit du chasseur est fantastique. Il y a plus de profondeur que ce que vous voyez initialement lorsque l’escroc se faisant passer pour un révérend se présente. Lentement, il prend le contrôle de toute la ville en prêchant des mensonges. C’est la présence physique de Mitchum qui semble nécessaire en termes de genre, mais il est également un élément hypnotique important de l’aspect expressionniste du film.

7 Toni Collette – Héréditaire

A24

Le rôle de Toni Collette dans Héréditaire sera toujours salué comme le plus grand exemple d’horreur étant un mouton noir sur le territoire des récompenses. Mais voyons pourquoi c’est si bon. C’est une mère qui n’a jamais voulu être mère parce que sa propre mère ne lui a pas appris à en être une. Son fardeau grandit à mesure que la tragédie frappe, et elle se retrouve avec une position qu’elle méprise vraiment et se sent incapable de couvrir. Même ainsi, Hereditary n’est pas exactement à propos d’elle et de la maternité ratée. Il s’agit d’une lignée pourrie qu’Annie de Collette découvre à ses dépens. Sa performance est une excellente représentation de la maternité forcée qui devrait donner à chacun de quoi parler.

6 Giulietta Masina – La Strada

Paramount Pictures

Giulietta Masina à La Strada est inoubliable. Son attitude clownesque au milieu de la dépression et du manque d’espoir finit par être une source de lumière dans le chef-d’œuvre de Fellini. On ne lui accorde pas assez de crédit car elle est peut-être une actrice révolutionnaire quant à l’importance des performances féminines dans les années 50, mais aussi dans le cinéma néoréaliste. Elle est la version féminine de Chaplin et finit par être beaucoup plus attachante que lui dans un seul film.