C’est peut-être une illusion, mais Cannes semble toujours se terminer dans une course folle, alors que les salles du festival pressent les derniers prétendants aux récompenses. (Deux nouveaux films en compétition ont été présentés vendredi, un jour avant la remise de la Palme d’Or. Laisser au jury le temps de réfléchir à ses décisions n’est pas une exigence de Cannes.) Prenons les quatre derniers à tour de rôle.

de Catherine Breillat « L’été dernier, » son premier long métrage depuis le plus ou moins autobiographique « Abus de faiblesse » il y a 10 ans, la voit revenir au mode de provocation sexuelle (« Fat Girl », « Anatomy of Hell »). Techniquement, c’est un remake du film scandinave « Queen of Hearts » (2019), bien que si ma mémoire de ce film est bonne, c’est un traitement beaucoup plus réfléchi et coupant, surtout en ce qui concerne sa fin.

Anne (Léa Drucker) est une avocate qui défend fréquemment des victimes de viol et connaît donc quelques notions sur la dynamique du pouvoir et sur la manière dont les témoins peuvent être qualifiés de menteurs, une compétence qui s’avérera utile dans sa vie personnelle. Malgré le danger évident, elle se retrouve entraînée et perpétue une relation sexuelle avec son beau-fils de 17 ans, Théo (Samuel Kircher), sous le nez de son mari et de son père, Pierre (Olivier Rabourdin).

Breillat s’intéresse ici à plusieurs choses : tester l’inconfort des spectateurs, mettre en scène sans détour le désir féminin (une des scènes de sexe garde la caméra en gros plan sur le visage d’Anne), défendre le droit à l’hypocrisie sexuelle. Pourtant, « Last Summer » est assez docile selon les normes de Breillat, et je n’ai pas cru une seconde que ces personnages s’impliqueraient un jour. Mais peut-être que le film mérite un peu de licence sur ce point.

« Journées parfaites »est le deuxième film de Wim Wenders à Cannes cette année, après le documentaire 3D « Anselm », une immersion dans l’oeuvre de l’artiste Anselm Kiefer. Ce long métrage de fiction a été tourné à Tokyo (ce qui semble sensationnel dans la palette électrique du directeur de la photographie Franz Lustig) et est presque entièrement en japonais. Koji Yakusho joue Hirayama, un concierge de salle de bain qui n’est pas muet mais qui, pour la plupart, ne parle pas. Il ne serait pas du tout surprenant que la performance physique discrète de Yakusho remporte un prix samedi.

Une grande partie du film consiste simplement à regarder Hirayama conduire dans Tokyo, nettoyer les salles de bain, jouer à un jeu continu de tic-tac-toe avec un client mystérieux qui lui laisse une feuille de papier dans l’une des salles de bain, et/ou écouter le Des animaux, Nina Simone ou qui que ce soit d’autre que Wenders se soucie de laisser tomber sur la bande originale. (Lou Reed, naturellement, fournit le titre.) Finalement, la nièce de Hirayama (Arisa Nakano) se présente à sa porte et, pendant une courte période, « Perfect Days » a presque une intrigue. Le film ressemble beaucoup plus à une pièce d’ambiance des Wenders qui ont fait « Kings of the Road » et « Paris, Texas » que des Wenders qui ont fait « Palermo Shooting » (2008), la dernière incursion désastreuse du réalisateur dans la compétition cannoise. Mais alors que les séquences de rêve en noir et blanc ajoutent un élément de mystère, « Perfect Days » semble finalement un peu léger.

d’Alice Rohrwacher« La Chimère » est un concurrent tardif pour le film le plus étrange et le moins classable en compétition. Il met en vedette Josh O’Connor dans le rôle d’Arthur, un Anglais en Italie qui fait partie d’un groupe qui gagne de l’argent en localisant, déterrant et pillant des tombes étrusques, vendant les antiquités à un mystérieux personnage appelé Spartaco (vraisemblablement comme dans le « Je suis Spartacus » scène de « Spartacus » – ça pourrait être n’importe qui, mais ce n’est pas le cas).

Rohrwacher (« The Wonders », « Happy as Lazzaro ») a toujours eu une approche oblique de la narration, et il faut un certain temps pour regarder « La Chimera » juste pour avoir une idée complète des implications du schéma. On ne tarde pourtant pas à s’apercevoir qu’il s’agit d’un film d’une inventivité incessante, mêlant pellicules (Hélène Louvart a réalisé la photographie) et proportions, évoluant avec fluidité entre logique onirique et réalité. L’humour est décalé (dans les premières minutes, Arthur chausse un vendeur de chaussettes dans un train, et il y a un décor tardif impliquant une vente d’art en mer qui pourrait bien provenir d’une suite « Austin Powers »). J’ai trouvé « La Chimera » complètement fascinante et totalement instable. « Happy as Lazzaro » m’a pris deux visionnements pour apprécier, et je soupçonne que ce sera le cas ici aussi.

Le titre du nouveau drame de Ken Loach, « Le Vieux Chêne », fait référence au nom d’un pub qui devient un territoire contesté dans une ville du nord de l’Angleterre en 2016. Les habitants de longue date ressentent le déclin de leur ancienne communauté minière et voient un bouc émissaire dans l’afflux récent de réfugiés de Syrie. TJ Ballantyne (Dave Turner), le propriétaire du bar, hésite à venir en aide aux nouveaux arrivants, pariant que les locaux xénophobes paient ses factures. Mais il se réchauffe à Yara (Ebla Mari), un photographe, qui l’aide à voir qu’une vieille valeur à l’époque du syndicat des mineurs – l’idée que si les gens mangent ensemble, ils se serreront les coudes – pourrait être la solution pour fermer un insensé crevasse.

Loach peut être didactique pharisaïque (« Moi, Daniel Blake », qui lui a valu sa deuxième Palme d’Or en 2016, déguisé une position politique sans nuance en une déclaration existentielle), mais « The Old Oak » est l’un des films plus forts de sa longue carrière avec le scénariste Paul Laverty, avec qui il travaille depuis la fin des années 1990. C’est la fête parce que ça met le caractère en premier. TJ et Yara ne sont pas simplement des pions dans la société, mais ont des motivations véritablement complexes influencées par leur vie et par l’histoire. Malheureusement, le penchant de Laverty pour transformer ce qui devrait être un sous-texte en longs discours n’a pas totalement disparu, et la cruauté infligée à un chien ressemble à quelque chose que lui et Loach ont ajouté juste pour augmenter le facteur de misère (il y a des nuances à la fin de « Kes « ). Mais c’est quand même un truc assez puissant.

Enfin, je devrais revenir en arrière pour parler de deux films en compétition qui ont été présentés en avant-première au festival et que je n’ai jamais mentionnés.

Chez Kaouther Ben Hania« Quatre filles » est, avec « Youth (Spring) » de Wang Bing, l’un des deux documentaires en compétition cette année ; la plupart des années n’en ont pas. Il est centré sur Olfa Hamrouni, une mère tunisienne dont deux filles se sont enfuies pour rejoindre l’État islamique en Libye. Franchement, c’était juste un cas dans lequel j’ai eu beaucoup de mal à m’absorber dans le film, un problème qui peut toujours être attribué au syndrome du festival – essayer de voir trop de films en trop peu de temps. Mais « Four Daughters » utilise une certaine quantité de gimmickry conceptuel (mélange d’acteurs et de personnes réelles dans des reconstitutions) qui tend à détourner l’attention de l’histoire. Je me demandais si cela aurait pu être plus captivant en tant que documentaire pur.

Et celui de Ramata-Toulaye Sy « Banel & Adama »a eu le malheur de voir sa principale projection de presse se terminer trois minutes seulement avant le début de « Killers of the Flower Moon » de Martin Scorsese, ce qui signifie que tout journaliste préoccupé par sa tension artérielle se dirigeait directement vers Scorsese et rattrapait « Banel & Adama » plus tard, voire pas du tout. Autant que je sache, cela a eu pour effet de disperser les projecteurs sur le film de Sy.

« Banel & Adama » est son premier long métrage. (Elle a participé au scénario de « Notre-Dame du Nil », réalisé par Atiq Rahami, qui fait partie du jury cette année.) Il s’agit du couple titre, qui vit dans la campagne sénégalaise. Banel (Khady Mane) était à l’origine mariée au frère d’Adama, mais Adama (Mamadou Diallo) – selon la tradition – l’a épousée après la mort du frère. Et Adama, à 19 ans, hésite à assumer un poste de chef de village.

Je suis d’accord avec le consensus apparent sur celui-ci: d’autres critiques ont généralement noté le décalage entre les images époustouflantes du film et son récit inégal, dans lequel l’exposition est soit sur le nez, soit MIA