Le meilleur film d’horreur de chaque année dans les années 70

Les années 70 ont représenté un tournant pour le genre de l’horreur, avec la montée en puissance de sous-genres et de styles renommés tels que le giallo et le slasher qui façonneront la scène de l’horreur pour les années à venir. Comme les histoires d’horreur n’étaient pas si populaires à l’époque, ce genre de film s’adressait à un public spécialisé et aux aficionados de récits controversés avec de bonnes doses de sang et de désespoir, de techniques et de caractéristiques pionnières qui sont encore utilisées aujourd’hui.

Avant que les films d’horreur n’atteignent un statut bien connu aux États-Unis, les productions du monde entier se sont engagées à innover tout au long des années 70. Certains des meilleurs titres ne sont pas le type typique d’histoires d’horreur auxquelles les téléspectateurs sont habitués aujourd’hui, mais plutôt des drames lourds qui flirtent fortement avec le surnaturel, la peur et l’inconnu.

1970 : Je bois ton sang

Après le classique La Nuit des morts-vivants de George A. Romero en 1968, les films de zombies ont commencé à atteindre un crescendo dans les années 70. Dans le cas de I Drink Your Blood de David E. Durston, le trope des morts-vivants a profité de la montée de la contre-culture et de l’influence des mouvements de jeunesse rebelles dans la musique et le cinéma. Alors que Woodstock est encore frais dans l’esprit du public, le film de Durston présente un groupe de hippies sataniques qui transforment une petite ville en un véritable enfer alors qu’un jeune garçon tente de se venger d’eux.

I Drink Your Blood dépeint la paranoïa psychédélique de la manière la plus méchante, livrant des allégories pertinentes au LSD et aux drogues hallucinogènes, mais sans jamais se contenter de réponses faciles, embrassant complètement le chaos et l’absurde.

1971 : Démons

L’horreur japonaise a toujours frappé différemment, même avant la vague populaire de films d’horreur japonais de qualité qui a eu lieu dans les années 2000. Demons est une histoire de vengeance tragique qui utilise l’horreur comme véhicule brutal pour exposer la transformation des personnages d’êtres humains désolés en monstres autodestructeurs. Le « héros » du film est un guerrier assoiffé de sang qui a été dévalisé par une geisha. Déterminé à se venger des personnes qui l’ont trompé, le guerrier devient incontrôlable, laissant derrière lui une trace de sang.

Les démons mettent en valeur non seulement la violation du corps mais aussi la dégradation spirituelle. Les histoires de samouraïs ont tendance à suivre des personnages dotés de codes moraux stricts et d’un fort sentiment d’intégrité. Ici, ces valeurs sont corrompues par un diable sombre, un corrupteur invisible des âmes.

1972 : Qu’as-tu fait à Solange ?

Les Giallos bénéficient généralement d’une formule assez simple, et ceux qui continuent de bien vieillir sont les récits qui prennent des risques. Dans le cas du célèbre réalisateur giallo Dario Argento, ses films sont devenus célèbres pour leur haute valeur artistique et leurs décors et costumes exubérants. Dans le cas de Qu’avez-vous fait à Solange de Massimo Dallamano, un joyau caché de son époque, le film excelle dans ses images choquantes et sa conduite angoissante de scènes mystérieuses et violentes, au point que les 30 dernières minutes du film ressemblent à un tout autre scénario. histoire et un véritable cauchemar fiévreux.

Qu’avez-vous fait à Solange se déroule dans un scénario académique sans scrupules, dans lequel un enseignant plus âgé qui a eu une liaison avec un élève devient le principal suspect des meurtres en série d’étudiantes locales. Si la brutalité des scènes de mort ne suffit pas à faire frémir les spectateurs, la conclusion barbare du mystère du film fera l’affaire.

1973 : L’Exorciste

Warner Bros.

L’Exorciste a changé pour toujours le genre de l’horreur et a étonnamment bien vieilli au fil des années. Étonnamment, car les histoires de possession sont de plus en plus éculées et leurs effets pratiques ne sont peut-être pas aussi convaincants aujourd’hui qu’ils l’étaient il y a 50 ans. Cependant, il y a quelque chose d’inégalable dans l’atmosphère perpétuellement épouvantable du film, et les risques qu’il faut prendre pour explorer le profane ne se sont plus jamais répétés avec la même intensité.

Librement basé sur une affaire de possession réelle, L’Exorciste suit la confrontation entre un prêtre découragé et le démon pervers qui possédait une fille de 12 ans. Cela reste l’un des films les plus méchants jamais réalisés ; rempli de mélancolie et de désespoir au-delà de la surface de ses images d’horreur.

1974 : le massacre à la tronçonneuse au Texas

Société de distribution Bryanston

The Texas Chain Saw Massacre est un film tellement spécial que, encore aujourd’hui, les cinéastes d’horreur en herbe tentent de recréer son aspect méchant et désespéré à travers des éléments à petit budget et un style de caméra vertigineux. Il s’agit d’un film d’horreur complet : le méchant est terrifiant et mystérieux, les personnages principaux sont nuancés et ne se contentent pas de leurs stéréotypes préétablis, et surtout, le sentiment qu’absolument personne n’est en sécurité prévaut du début à la fin. Les méchants et les bonnes affaires se lancent dans une quête chaotique de survie par tous les moyens nécessaires, libérant le pire de la nature humaine dans un carnage sanglant qui a abouti à un revirement remarquable dans le genre de l’horreur.

1975 : Rouge profond

Cineriz

Les giallos de Dario Argento ont la réputation de ne jamais être ce qu’ils semblent à première vue, et Deep Red pourrait être le meilleur exemple d’une histoire d’Argento avec suffisamment de rebondissements pour désorienter les spectateurs, tout comme les personnages à l’écran. Dans le film, un musicien et un journaliste se croisent lorsque le premier est témoin du meurtre d’un médium et devient la cible potentielle du tueur impitoyable. Comme c’est typique des films d’Argento, la violence est graphique et déchirante, et la tension qui précède les scènes de mort est menée avec maestria par l’un des grands génies du genre.

1976 : Carrie

Artistes unis

Avant d’abandonner définitivement Hollywood, Brian De Palma était connu comme l’un des réalisateurs de thrillers policiers les plus talentueux, sinon le meilleur, à l’origine de chefs-d’œuvre de tous les temps tels que Mission : Impossible et Scarface. Cependant, la plupart des gens semblent oublier qu’il s’est d’abord fait connaître dans le genre de l’horreur et a réalisé l’un des grands chefs-d’œuvre des années 70 ; Carrie, une adaptation troublante du premier roman de Stephen King.

Si l’amateurisme du livre a été la cible de quelques critiques sévères, De Palma a montré une confiance absolue dans sa capacité à adapter l’histoire au grand écran avec une approche intéressante. Mi-conte de passage à l’âge adulte, mi-histoire de vengeance sanglante, Carrie suit une fille timide dotée de pouvoirs télékinésiques qui devient la victime d’une farce aux conséquences mortelles. Carrie compte sur peut-être la vue de sang la plus frappante de tous les films d’horreur : du sang rouge plein de symbolisme percutant, transmettant toute la rage d’une fille qui voulait juste s’intégrer. Merci à Sissy Spacek pour avoir livré certains des regards les plus obsédants de tout le temps.

1977 : Martin

Films Balance

George A. Romero est surtout connu pour avoir popularisé le sous-genre zombie avec des classiques tels que La Nuit des morts-vivants et L’Aube des morts, mais son approche des vampires est tout aussi originale et mérite plus de reconnaissance. Avec Martin, Romero adopte une approche psychologique forte du personnage imparfait de Martin, un jeune vampire troublé par des visions d’un passé violent qui adopte une ligne de conduite méthodique pour récupérer le sang de ses victimes.

Même s’il ne s’appuie pas sur une violence graphique, l’application silencieuse et troublante de l’horreur par Martin est profondément troublante, et les efforts du vampire pour ne pas éveiller les soupçons ou blesser ses victimes le mettent souvent dans toutes sortes de situations mettant sa vie en danger.

1978 : Halloween

Photos de Compass International

Initialement, le plan de John Carpenter était de transformer Halloween en une série de films d’anthologie, chaque projet se concentrant sur une histoire différente avec de tout nouveaux personnages. Cependant, il va sans dire que la vendetta personnelle entre Michael Myers et Laurie Strode était trop emblématique pour ne pas être explorée davantage, sans parler des qualités distinctives qui en faisaient respectivement un méchant parfait et une fille finale idéale.

Le soir d’Halloween, un tueur incontrôlable s’échappe d’un hôpital psychiatrique et entreprend de terminer ce qu’il a commencé il y a 15 ans : éliminer sa jeune sœur Laurie. Carpenter crée un jeu dérangeant du chat et de la souris et ajoute du piquant au sous-genre montant du slasher, ouvrant la voie à une franchise longue et populaire qui n’a jamais vraiment atteint le niveau de son premier film.

1979 : Nosferatu le vampire

Renard du 20e siècle

Nosferatu de 1922 était considéré comme un classique intouchable jusqu’à ce que Werner Herzog décide de réaliser son propre film de vampires. Les remakes et les redémarrages sont désormais devenus une tentative bon marché de capitaliser sur la valeur nostalgique, mais ils pourraient apprendre une chose ou deux avec Nosferatu le vampire d’Herzog.

Le film est bien plus soucieux de trouver sa propre voix et d’explorer les lacunes laissées par le film original que de simplement rendre hommage à la figure de Nosferatu. Herzog semble à l’aise de présenter le comte Dracula avec de nouvelles particularités et ambitions, cherchant à construire un examen troublant du mal et du désir à travers les yeux d’une créature à qui appartient la nuit.