Critique de « Bedford Park » : une histoire dévastatrice et profondément coréenne sur des âmes perdues en train de trouver la guérison

Sundance 2026 : Deux enfants immigrés affrontent l'amour et la perte dans le drame émouvant de Stephanie Ahn

Dès les premières images du tendre drame de Stephanie Ahn « Bedford Park », il est évident qu'il s'agit d'un film préoccupé par la façon dont nous gardons nos traumatismes les plus lourds dans les parties de notre corps que nous aimerions garder cachées.

Il y a rarement un moment où la caméra du directeur de la photographie David McFarland ne s'attarde pas sur une partie du corps assiégé, des cages thoraciques marquées de tissus cicatriciels aux visages qui tremblent sous le choc après avoir entendu des mots durs. L'objectif se déplace sereinement, intimement et sans jugement, comme un fantôme à la recherche d'un compagnon, alors que nous suivons les rythmes d'Audrey (Moon Choi) et Eli (Son Sukku), des Américains d'origine coréenne qui luttent chacun pour affirmer leur indépendance tout en naviguant dans des relations familiales compliquées.

Après qu'un accident de voiture les ait mis dans l'orbite l'un de l'autre – pensez à l'argumentaire de « Beef » mais au lieu que les parties impliquées se battent, ils commencent à tomber amoureux l'un de l'autre – les deux commencent à développer une amitié. Alors qu'Audrey est chez Eli pour tenter de régler les dégâts, elle fait une fausse couche. Eli la conduit à l'hôpital et, en guise de remerciement, Audrey propose de conduire Eli à ses cours au collège communautaire. Le cœur du drame du film se retrouve à travers ces promenades en voiture et le résultat est une romance douce-amère qui, plus important encore, n'est pas seulement une histoire de volonté/ne veulent-ils pas. C'est un film sur deux personnes qui cherchent à être tenues, les bords irréguliers et tout, sans couper les gens qui s'enlacent.

L'une des grandes beautés de « Bedford Park » réside dans la façon dont la mise en scène d'Ahn et le travail de caméra susmentionné de McFarland découlent d'une confiance inhérente dans leurs acteurs. S'il y a quelques scènes d'exposition, généralement réalisées autour de la nourriture (autant ce film tire sur la corde sensible, il excite aussi l'estomac), pour la plupart, la caméra est souvent stationnaire, témoignant des rythmes quotidiens d'Eli et d'Audrey, et utilisant ces moments de documentation comme un moyen de comprendre leurs pensées intérieures. Choi et Sukku comprennent la mission, sachant que nous en apprenons autant sur Eli en discutant à cœur ouvert avec sa mère qu'en le voyant manger du beurre de cacahuète et du Nutella en grattant toute sa main dans les bocaux, sans aucun ustensile à trouver.

Choi, pour sa part, est une révélation, incarnant constamment de nouvelles couches de l'angoisse d'Audrey sans se contenter d'une rage bon marché. Audrey est quelqu'un dont les accès de colère ressemblent à des invitations à la connexion ; il est évident qu'elle craque sous le poids des abus qu'elle a reçus de la part de ses parents, en particulier de son père, et qu'elle a du mal à réconcilier qui elle est avec la fille que ses parents veulent qu'elle soit. Ses luttes se situent dans cette agonie bien trop comparable : lorsque vos parents ne se sont jamais excusés pour ce qu'ils ont fait, mais n'ont actuellement pas les facultés de réconciliation.

Pour s'intéresser à des thèmes aussi universels, « Bedford Park » se veut également spécifique et rafraîchissant, centrant ses idées sur le concept coréen de han. Comme le décrit le film, il s’agit d’un type de traumatisme qui se transmet de génération en génération et qui ne disparaît jamais. Tous les personnages recherchent des vaisseaux pour contenir leur han; Au fur et à mesure que le récit du film se développe, il se demande s'il s'agit peut-être moins d'essayer de nous débarrasser de notre douleur que de trouver des personnes avec qui nous pouvons la supporter.

Dans une scène qui résume le pouvoir du film d'extraire la beauté de la normalité, Eli et Audrey discutent avec l'ancien entraîneur de lutte d'Eli, qui loue les prouesses d'Eli en disant : « il fait de la lutte un art ». Ahn prend également les luttes de l'âme, les désirs inexprimés, l'agitation que nous ressentons entre l'amour et l'obligation, et les transforme en grand art.

Son film m'a rappelé les paroles prononcées par le pape Léon XIV dans son discours « Rencontre avec le monde du cinéma », déclarant : « La logique des algorithmes a tendance à répéter ce qui « marche », mais l'art ouvre ce qui est possible… Lorsque le cinéma est authentique, il ne se contente pas de consoler, mais il interpelle. Même si « Bedford Park » donnera sans aucun doute à beaucoup le sentiment d’être vu à travers son histoire culturellement spécifique, ce n’est pas un film qui se repose sur les lauriers de la réflexion. Il nous demande de réfléchir à la possibilité d'imaginer une version de nos vies dans laquelle nous n'aurions pas à être définis par nos traumatismes et d'accepter le hasard de quelque chose d'aussi perturbateur qu'un accident de voiture.

C'est un film profondément sincère, qui évite les horreurs du mélodrame en enracinant tout ce qui se passe, le calme et le bruyant, l'exaltation et la tragédie, dans la vie de ses personnages. Nous ne traitons jamais une crise à la fois ; « Bedford Park » le comprend et nous rappelle de rester proches de ceux qui nous tiendront dans ces tempêtes.

Découvrez toute notre couverture de Sundance ici.