Prise du critique de Cannes 2025: Les meilleurs films du festival ont trouvé la beauté dans un monde brisé
Cannes 2025: De la «valeur sentimentale» à «le cerveau», la seconde moitié du festival a exploré notre désir partagé de rêver dans un monde de cauchemars
Au premier semestre du Festival de Cannes de cette année, les films étaient souvent, naturellement, carrément apocalyptiques. Après tout, le monde est dans des détroits terribles et du cinéma, ainsi que tout art que nous faisons, a toujours reflété cela.
Mais contrairement à de nombreux festivals, Cannes ne charge pas son calendrier avec la plupart des titres de haut niveau dans les premiers jours. Dans cet esprit, c'était dans la seconde moitié de l'événement de 12 jours où certains des meilleurs films les plus excitants ont été créés, faisant du festival l'un des meilleurs dans la mémoire récente en fermant sur une note élevée.
Les films révolutionnaires ont également aidé Cannes à trouver un ton qui, bien que fréquemment fondé dans la douleur, était souvent défini par un ruban d'espoir prudent. Les choses étaient encore souvent sombres, mais il y avait aussi une beauté à ces films qui se révélaient vraiment émouvants en explorant le pouvoir durable du cinéma, de la communauté et de notre désir commun de rêver dans un monde de cauchemars.
L'un des films qui a résumé cela était la «valeur sentimentale» exceptionnelle de Joachim Trier, gagnant du Grand Prix. Un film subtil mais en plein essor sur le cinéma et la relation d'une famille avec elle, c'est sans vergogne une œuvre sur le pouvoir compliqué et connectif que l'art peut avoir dans nos vies. Plus précisément, il se concentre sur un père et cinéaste, Gustav (Stellan Skarsgård), qui essaie de renouer avec sa fille Nora (Renate Reinsve), qui est une actrice de la scène plutôt que sur l'écran. Alors qu'il essaie d'amener Nora à jouer dans ce qui pourrait être son dernier film, les lignes de faille de leur relation sont ramenées à la surface au moment où Trier plonge plus profondément pour explorer des questions sur la façon dont nous pouvons nous connecter.
Le cinéaste explore pleinement le chemin difficile vers la réconciliation sans lisser sur ses bords rugueux. Entre des mains moindres, un film sur la façon dont l'art guérit toutes les blessures pourrait facilement tomber dans la saccharine. Ce n'est pas le cas pour Trier, qui montre comment les blessures restent, se sentant à jamais dans nos souvenirs comme les cris résonnent à travers la maison à laquelle le film est largement confiné. Cela ne fait que les moments éventuels de l'amour que le film trouve beaucoup plus mérités. Un dernier regard échangé entre père et fille, tous deux finalement se voir, est l'une des images les plus indélébiles qui perdurera du festival. Comme l'a dit Trier lors de la conférence de presse du film, «la tendresse est le nouveau punk», et cette éthique légèrement idiote, mais toujours délicatement sincère, est en train de dire ce que c'est que les meilleurs films de ce festival se démarquent.
Cela s'étend également à l'un des films les plus diviseurs mais importants du festival: «Alpha». La dernière de Julia Ducournau, qui a remporté la Palme d'Or «Titane» il y a quelques années à peine, c'est le reflet de sa propre expérience de son enfant qui a grandi au plus fort de la crise du sida. Ceci, avec Ducournau, appuyant moins sur l'horreur corporelle et plus sur le drame, a fini par devenir un point de discorde critique. Bien qu'il fasse face à une vague négative initiale de réactions, c'est précisément le registre tonal le plus inattendu dans lequel il puise, ce qui le rend d'autant plus significatif.
C'est un film profondément triste, oui, mais c'est aussi un sérieux sur la mémoire et la perte. Son motif visuel central, qui montre ceux que nous aimons se décomposer sous nos yeux, tout comme ils deviennent des monuments pour eux-mêmes, se sont révélés être l'une des images les plus frappantes de l'ensemble du festival. Il n'y a pas de contournement de l'horreur, qui est sous-estimé mais toujours présent dans chaque scène, mais Ducournau l'entoure avec de doux moments de grâce qui se révèlent bouleversants. La perte est incontournable mais «Alpha» trouve la beauté dans les morceaux de notre monde brisé.
Parfois, cette beauté est de nature plus humble, bien que cela ne soit plus impactant et essentiel. Il y a une beauté qui est ressentie dans les yeux des personnages du triomphe humaniste de Jafar Panahi Palme d'Or, « c'était juste un accident. » C'est un film qui ressemble à l'incarnation de la phrase «dans chaque personne, un univers» car cela nous emmène dans la vie d'un groupe de personnes encore sous le choc du traumatisme d'être interrogé en prison lors de la brutale répression de l'Iran contre les dissidents.
Quand ils pensent qu'ils ont une chance d'obtenir la justice, ou du moins une sorte de vengeance, contre l'homme qu'ils croient être leur interrogateur, ils feront un voyage sombre et humoristique essayant de prouver qu'il est effectivement le tortionnaire qu'ils le croient. C'est quelque chose qui est profondément personnel pour Panahi, qui a été lui-même emprisonné par le gouvernement iranien et une fois interdit de faire des films (mais a pu assister au festival cette année dans ce qui s'est avéré être l'un des moments les plus émouvants de l'écran). Comme toujours, le cinéaste reste profondément intéressé par les gens, leurs douleurs et leur potentiel de gentillesse, faisant de «c'était juste un accident» un portrait profondément ressenti à propos de leur humanité tout comme il porte avec lui une rage à mince contre l'injustice. Les deux vont non seulement de pair, mais montrent comment ce sont des gens qui sont les plus belles parties du monde et du cinéma.
Il y avait beaucoup plus de films qui ont exploité cette beauté, y compris des œuvres plus petites qui pouvaient facilement être négligées comme «un fantôme utile», «la mort n'existe pas» et «les nouilles ivres» ou celles qui ont obtenu certains des plus grands prix comme «The Little Sister» (dont la première tête Nadia Melliti a remporté le prix du meilleur actrice), «Resurrection» (a-t-il adorable Sci-Fi EpiC Scénario). Bien qu'il ne soit pas récompensé par le jury, un dernier film n'était pas seulement le meilleur du festival, mais le plus incisif dans la façon dont il a exploré ceci: le magnifique «Mastermind» de Kelly Reichardt.
Bien que Reichardt n'ait jamais eu l'amour qu'elle mérite de Cannes, elle a toujours réalisé les films les plus émouvants et les plus réfléchis chaque fois qu'elle fait partie de la programmation. Son dernier n'est pas différent. Une déconstruction du film de braquage mettant en vedette un Josh O'Connor, jamais-baignier, en tant que JB, un homme qui élabore un plan mal pensé pour voler l'art de son musée local tandis que la guerre du Vietnam et les protestations contre elle se déroulent en arrière-plan, cela attire l'attention catégorique de Reichardt avec les détails et la réflexion à l'égard des gens. C'est un autre film ironiquement drôle pour le réalisateur, en découvrant beaucoup d'humour vif en voyant comment tout se sépare d'une manière grande et petite, bien qu'il se déplace également profondément, magnifiquement, réfléchissant plus il se poursuit.
Après que la responsabilité soit venue frapper pour le cerveau titulaire d'O'Connor (un titre ironique s'il y en avait un), il décolle en fuite sans aucune idée réelle de ce à quoi ressemblera son avenir. Dans une conversation, il a avec un vieil ami, parfaitement joué par le collaborateur de longue date de Reichardt, John Magaro, on lui dit qu'il pourrait aller au Canada pour faire partie d'une commune. Lorsque JB rechape-t-il à cela, disant avec dérision qu'il ne veut pas être aux côtés de Draft Dodgers. Magaro livre ensuite une réplique ludique mais sérieuse. Dire: «Draft Dodgers, Dope Fiends, Radical Feminists… .. Bonnes personnes.» C'est la ligne qui a fait un coup de fouet dans mon esprit du festival. Ce n'est pas seulement à cause de la drôle doucement, mais parce que cet humour est lié à ce que le projet de Reichardt a été: trouver la beauté des gens.
Ce sont des gens ordinaires, tous essaient de faire leur chemin dans le monde, et ils sont souvent profondément imparfaits. Pourtant, Reichardt apporte un soin pour chacun d'eux, trouvant la beauté dans la plus petite des scènes qui deviennent alors quelque chose de beaucoup plus grand entre ses mains. La fin évocatrice de «le cerveau» amène la douleur qui s'écrase, mais juste une minute, vous avez mal à partir pour rejoindre la commune de bonnes personnes dans le nord. Le monde continuera d'être plein de douleur, mais les meilleures œuvres de cinéma à Cannes, les meilleures, les meilleures qui trouvent la beauté de ces gens.
