London Film Festival 2024 PAvis critique

Londres n'est pas ce que vous pensez. Ou du moins, ce n’est pas ce que je pensais. J'ai quitté les États-Unis pour venir ici en 2016 et j'ai été choqué de constater qu'il ne pleut pas continuellement. Pas vraiment, en tout cas. Il pleut. C'est gris. Le climat est doux toute l'année, mais il fait aussi étrangement chaud et froid. Ces mauvaises habitudes sont aggravées par l’arrivée de la saison d’automne (désolé, « automne »).

Alors que nous plongeons dans le marasme incolore de la saison hivernale après notre été béni d’une semaine, les néons brillants du British Film Institute, qui surplombent gracieusement la Tamise, sont un réconfort éternel. Le BFI est situé sur la rive sud, non loin de la lueur cabochon du marché d'hiver, qui devrait fleurir comme une fleur de métal lumineuse en novembre.

Et donc, nous nous tournons vers le BFI pour nous sauver. Eh bien, je le fais, en tout cas. Je ne trouve rien de mieux que de me blottir dans un vieux siège de cinéma pendant que les éléments attendent dehors avec impatience. Le Festival du film de Londres de cette année est l'excuse parfaite pour faire cela encore et encore, pendant des jours entiers, à partir d'aujourd'hui.

Cela aide que les cinémas projettent également des films qui retiennent déjà toute mon attention avant même d’en avoir vu une seule image. Prenez « Blitz », le nouveau film phare de Steve McQueen sur ce qu'était la vie des Britanniques pendant la Seconde Guerre mondiale. (Contrairement à ce que j’ai appris à l’école, apparemment, la guerre n’a pas commencé avec l’attaque de Pearl Harbor.)

McQueen a eu du mal après que son documentaire de quatre heures sur le COVID/nazi « Occupied City » ait inspiré un mélange d’éloges et de réactions négatives l’année dernière, mais il semble être de retour dans son élément avec cette épopée historique. L'impressionnant casting de « Blitz » est dirigé par Saoirse Ronan, qui se trouvait justement à la même projection à Old Vic du film de Tom Stoppard. La vraie chose que j'étais l'autre soir. Je suis sûr qu'elle écrit aussi sur le fait de me voir là-bas.

Quiconque a suivi mes écrits sur ce site ou ailleurs sait probablement maintenant que je suis un passionné d'animation. C'est ce sur quoi je me suis concentré à l'école et c'est la façon dont j'aimerais penser que je rêve. Je l'aime tellement que chaque matin, je suis réveillé du lit et je porte un toast grâce à une machine Rube Goldberg en stop motion conçue par Wallace lui-même. Demandez à ma partenaire, elle vous dira que c'est vrai.

J'aime aussi le travail de Morgan Neville, le documentariste derrière « Twenty Feet from Stardom » et « Won't You Be My Neighbor ? » Ainsi, même si je ne sais pas pourquoi il a fait « Piece by Piece » sur le chanteur Pharrell Williams dans le style de « The Lego Movie » – ni même pourquoi Pharrell est le prochain choix de Neville après avoir couvert des divas négligées et l'incomparable Fred Rogers – je suis curieux de voir où il le mène.

Ce n’est pas souvent que je vois la biologie explorée à l’écran. Ce n'est pas le genre de biologie que je connais, je veux dire : la culture cellulaire, les hottes à flux laminaire, trois mille milliards de petits tubes contenant un liquide clair qu'il vaudrait mieux étiqueter ou qui représentent un travail de quelques mois perdu. J'ai donc été ravi de voir qu'à côté de « Blitz », LFF présentera également la première mondiale de « Joy » de Ben Taylor : l'histoire vraie de la façon dont une infirmière, un scientifique et un chirurgien ont travaillé ensemble pour changer la perception du public et aller de l'avant vers le miracle. c'est la fécondation in vitro (FIV). James Norton, Thomasin McKenzie et Bill Nighy, facilement observables, devraient incarner l'équipe intrépide. Je suis convaincu que cela satisfera mon rêve de regarder un protocole de quatre heures se dérouler en temps réel sur une toile lumineuse de 30 pieds, sans aucun de ces drames humains embêtants susceptibles de me gêner.

Chaque année, Andrea Arnold sort un film, je me sens un peu mal pour tout le monde. Arnold est l’un des cinéastes les plus incroyables du moment. Son incroyable sens de l’esthétique cinématographique imprègne et accentue chaque image de ses histoires, qu’il s’agisse du format Instagram du transcendant « American Honey » ou du monde crasseux et granuleux de « Fish Tank ». Arnold est unique dans sa capacité à capturer la vie de ceux qui évoluent en marge de la société et qui existent également en son cœur. Elle anime les débats avec un sens aigu du rythme et de la musique ; J'ai failli sortir de « American Honey » quand je l'ai vu pour la première fois il y a des années, sa bande originale animant toujours mes membres.

Après une incursion dans le documentaire avec « Cow », elle revient avec « Bird » : une « histoire de passage à l'âge adulte » qui promet un « réalisme magique », selon le résumé de Leigh Singer dans le guide du LFF. « Bird » met en vedette Nykiya Adams, débutant, en tête avec le soutien de nul autre que Barry Keoghan. Je dis tout cela pour vous convaincre de le voir, mais j'aurais vraiment pu m'arrêter à « Andrea Arnold ».

Une discussion sur les drames d'évier de cuisine britanniques n'aurait lieu nulle part si nous n'évoquions pas le légendaire Mike Leigh, qui s'il était davantage associé au genre, il serait un robinet. « Hard Truths » est son premier film de ce type en 14 ans (après des incursions historiques dans « Mr. Turner » et « Peterloo »). Le film présente Michele Austin et Marianne Jean-Baptiste dans le rôle de sœurs travaillant sur leur relation face aux assauts incessants de la vie dans The Big Smoke.

Aux côtés de Leigh, je suis ravi de voir le réalisateur de « The Florida Project », Sean Baker, de retour avec « Anora », un film sur une travailleuse du sexe dont l'histoire d'amour la mène dans la ligne de mire des intérêts familiaux riches. Le Baker, toujours perspicace, est tout sauf conventionnel et éclaire souvent exactement là où c'est nécessaire. Son histoire centrée sur la classe semble apporter une nouvelle couche de peinture à cette histoire bien connue de partenaires venus de mondes diamétralement opposés.

Je suis queer et – au risque de ressembler à tous les Américains de la côte Est – un peu irlandais (je jure que je suis un Murphy), il était donc difficile de ne pas remarquer la première de « Four Mothers ». L'histoire de Darren Thornton sur un garçon irlandais queer nommé Edward jonglant avec les besoins de sa mère et de ceux de ses amis ressemble à un doux mélange de manigances intergénérationnelles. J'avoue que je ne connais pas le travail précédent de Thornton, mais si le film peut capturer un peu de cet esprit irlandais sec au milieu de la sentimentalité, celui-ci a l'impression qu'il pourrait être un favori des dormeurs.

Le programme du LFF de cette année regorge de contributions du monde entier. Pour prendre quelques exemples : « Dahomey » de Mati Diop, une exploration documentaire du colonialisme français au Bénin ; la Martiniquaise Madeleine Hunt-Erlich qui entre en scène avec le drame familial féministe « La Ballade de Suzanne Césaire » ; et « Huit cartes postales de l'utopie » de Radu Jude, un film composé de publicités roumaines réalisées après que le pays a abandonné la gouvernance communiste. Beaucoup d'autres viennent encore du Japon rural, du Brésil, de la République dominicaine, du Congo et d'ailleurs, démontrant l'engagement de l'organisateur du festival à aller au-delà de l'Amérique et de l'Europe.

Alors que nous approchons de la fin après avoir à peine effleuré la surface, je ne peux m'empêcher de crier une série de films d'animation que je suis incroyablement excité de voir. C'est peut-être de la triche, mais je vais commencer par souligner la restauration 4K du chef-d'œuvre de Martin Rosen de 1978, « Watership Down ». C'était un film que je n'avais jamais eu la chance de voir jusqu'à il y a quelques semaines lors d'une première projection du LFF et maintenant je ne peux m'empêcher d'évangéliser le film sur la guerre des lapins auprès de tous ceux que je rencontre.

Au-delà des classiques, il y a le film letton sans paroles « Flow » de Gints Zilbalodis qui suit des animaux essayant de rester en vie et à flot et dont j'ai entendu un buzz positif. Au Japon, Naoko Yamada rassemble son histoire originale sur l'internat, les auras de couleurs et les groupes de garage dans le vibrant « The Colors Within ». Le film multimédia « Olivia & the Clouds » de Tomás Pinchardo Espaillat semble particulièrement intrigant car il fusionne « une variété de styles d'animation » pour explorer « la relation d'une femme », selon le synopsis du LFF de Diana Cipriano.

Les Quay Brothers, résolument idiosyncrasiques, sont également de retour, une fois de plus déterminés à nous déstabiliser avec leur dernier projet, « Sanatorium Under the Sign of the Hourglass ». Mais le plus excitant pour moi est peut-être le retour de deux autres virtuoses du stop motion : le français Claude Barras et l'Australien Adam Elliot. Barras est de retour après son incroyable film de 2017, « Ma vie de courgette », avec « Savages », un film mettant en vedette un orang-outan et une jeune fille qui se concentre sur le thème doux et non stressant de la déforestation. Venant d'en bas, Elliot revient avec sa suite au sublimement tragique « Mary and Max », « Memoir of a Snail ». Le film des années 1970 raconte l'histoire de jumeaux séparés dans leur enfance.

Pour ceux qui ne connaissent pas le travail de Barras et Elliot, je ne saurais trop insister sur le fait qu'ils semblent chacun vouloir personnellement arracher le cœur de tous ceux qui voient leurs films. Mais les amis : je suis là pour ça. C'est à cela que servent les films.

Alors, écoutez, il se peut que l’été ne dure qu’une semaine en Angleterre. C'est une malédiction de cette île sans soleil. Mais il est également vrai que le London Film Festival du BFI dure une semaine et demie. Cela fait une demi-semaine complète de plus ! De quoi nous plaignons-nous ?