10 films Technicolor classiques de l’âge d’or d’Hollywood qui sont toujours

L’âge d’or d’Hollywood a été une période de l’industrie cinématographique américaine pas comme les autres. Commençant juste avant la Grande Dépression vers 1927 et durant jusqu’en 1969 environ, l’âge d’or fut une période de progrès technique et de narration spectaculaire à Tinsel Town.

Les films ont connu une immense évolution technologique, à commencer par la transition des images muettes aux images parlantes. Les films sont également passés du noir et blanc à la couleur avec l’incorporation du Technicolor. Technicolor est une série de procédés cinématographiques couleur, utilisant trois bandes de film noir et blanc passant par une caméra spéciale, connue sous le nom de Technicolor à 3 bandes ou Process 4.

La première tentative de film Technicolor remonte à 1916, mais elle échoua désastreusement. Le procédé amélioré utilisé tout au long de l’âge d’or a débuté au début des années 1930 et s’est poursuivi jusqu’au milieu des années 50. Après cela, le processus à 3 bandes a été remplacé par un appareil photo chargé d’un film négatif couleur « monopack » à une seule bande.

L’utilisation de couleurs vives dans les films a laissé le public émerveillé pendant l’âge d’or et a lentement mais sûrement commencé à laisser les films en noir et blanc dans la poussière. De nombreux films en couleur de cette période de l’histoire du cinéma sont des classiques vénérés que même les cinéphiles du 21e siècle apprécient encore. Voici 10 films Technicolor classiques de l’âge d’or d’Hollywood qui tiennent encore aujourd’hui.

dixWest Side Story (1961)

Récit moderne à l’époque, West Side Story est une adaptation de Roméo et Juliette de Shakespeare et a commencé comme une comédie musicale à Broadway. Il se déroule dans l’Upper West Side de Manhattan et suit deux gangs de rue rivaux, les Jets, qui sont blancs, et les Sharks portoricains. Lorsque la petite sœur du leader des Sharks tombe amoureuse d’un Jet, rien ne peut arrêter leur amour, même si cela aggrave la querelle en cours entre les deux gangs.

Pourquoi ça tient encore aujourd’hui

Les productions musicales à grande échelle étaient extrêmement populaires tout au long de l’âge d’or. Les comédies musicales impliquent généralement de grands décors et costumes, de sorte que l’inclusion de la technologie des couleurs améliore considérablement les visuels extravagants qu’exige une comédie musicale. Les numéros musicaux ici sont pleins de couleurs vives tant dans les costumes que dans les décors, notamment dans la scène de danse où Tony (Richard Beymer) et Maria (Natalie Wood) se rencontrent et pendant la chanson « I Feel Pretty ».

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9 Le Magicien d’Oz (1939)

Probablement le film le plus connu de l’histoire d’Hollywood, Le Magicien d’Oz de Victor Fleming tourne autour de la jeune Dorothy (Judy Garland) alors qu’elle est emportée du Kansas par une tornade qui l’amène dans le pays magique d’Oz. Accompagnée de son chien Toto, elle se lance dans une quête avec ses trois nouveaux amis pour trouver le puissant sorcier qui pourra la renvoyer chez elle et exaucer les vœux de son nouvel ami. Cependant, la méchante sorcière de l’Est cherche Dorothy et veut ses chaussures.

Pourquoi ça tient encore aujourd’hui

La construction du monde dans le film est toujours incroyable 85 ans plus tard. La scénographie est impeccable, les costumes sont élaborés. Le film a révolutionné l’utilisation de la couleur dans le cinéma, avec sa belle transition du noir et blanc à la couleur. L’utilisation vibrante du Technicolor fait ressortir le rouge des pantoufles rubis, le vert de la peau de la sorcière et bien d’autres choses encore comme un régal pour les yeux.

Tout dans ce film est visuellement beau. L’histoire elle-même est intemporelle et transcende les générations. L’aventure fantastique dans laquelle se trouve Dorothy est quelque chose dont on peut profiter quelle que soit l’année, la décennie ou le siècle.

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8Corde (1948)

Le mystère de meurtre innovant d’Alfred Hitchcock, Rope, est un film apparemment en une seule prise qui suit deux jeunes hommes, Brandon (John Dall) et Phillip (Farley Granger), qui se croient intellectuellement supérieurs à leur ancien camarade de classe, David (Dick Hogan). En conséquence, les deux hommes assassinent David et le laissent dans un coffre pendant qu’ils organisent un dîner auquel participe leur ancien professeur Rupert (James Stewart), dont ils ont pris par erreur leurs idées.

Pourquoi ça tient encore aujourd’hui

Le film était en avance sur son temps pour de nombreuses raisons, l’une d’elles étant les prouesses technologiques qu’il expérimentait. À l’exclusion du générique d’ouverture, le film est censé apparaître comme un long plan continu. Il est en fait composé de 10 plans longs qui s’étendent chacun sur la longueur d’une bobine de film, ce qui équivaudrait à environ dix minutes.

Pour donner l’impression qu’il n’y avait pas de coupures, Hitchcock a placé l’appareil photo si près du sujet que la photo a été momentanément engloutie par une ombre. C’est alors qu’il couperait les caméras. C’est une technique qui a été utilisée ces dernières années avec de faux films one-shot, comme Birdman, qui reste encore aujourd’hui une prouesse technologique. C’était aussi le premier film en couleur d’Hitchcock.

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7Indiscret (1958)

Près de 12 ans après avoir joué ensemble dans le film noir Notorious, Cary Grant et Ingrid Bergman se sont réunis pour jouer dans la comédie romantique de Stanley Donen, Indiscreet. Bergman incarne Anna Kalman, une actrice qui a renoncé à l’amour jusqu’à ce qu’elle rencontre Philip Adams (Grant). Philip est un banquier suave avec qui elle entame une aventure, même s’il est marié.

Pourquoi ça tient encore aujourd’hui

Il s’agissait de la première comédie d’Ingrid Bergman après près de 30 ans de carrière d’actrice, et elle brille aux côtés du vétéran de la comédie Cary Grant. Les deux hommes ont une alchimie palpable ensemble, et il est évident, à travers les interactions de leurs personnages, pourquoi ils ont à nouveau été considérés comme les intérêts romantiques de l’autre.

L’utilisation de la couleur est subtile mais efficace dans le film, car Anna et Philip sont souvent entourés de nuances de rouge. C’est aussi un film incroyablement drôle qui fera encore rire les spectateurs aujourd’hui.

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6Chanter sous la pluie (1952)

Une comédie musicale par excellence des années 50, la comédie musicale bien-aimée de Stanley Donen et Gene Kelly, Singin’ in the Rain, est un film sur le cinéma. Se déroulant pendant la transition entre les films muets et les films parlants dans les années 1920, le film suit la star du cinéma muet Don Lockwood (Kelly) alors que lui et sa partenaire délirante à l’écran Lina Lamont (Jean Hagen) tentent de faire la difficile transition vers le cinéma parlant. Pendant ce temps, Don tombe amoureux d’une choriste nommée Kathy Selden (Debbie Reynolds) qui essaie elle-même de réussir dans l’industrie cinématographique.

Pourquoi ça tient encore aujourd’hui

Singin’ in the Rain est une comédie musicale grandiose qui est adorée par les fans de cinéma et de musique depuis des décennies. Que ce soit parce que vous aimez les comédies musicales, les films sur le cinéma ou les excellentes narrations, il y en a pour tous les goûts. Il a été très influent dans l’industrie depuis sa sortie et a récemment eu une influence majeure sur le succès au box-office de Greta Gerwig, Barbie en 2023.

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5 Un Américain à Paris (1951)

La comédie musicale classique de Vincente Minnelli, An American in Paris, suit Jerry Mulligan (Gene Kelly), un peintre américain en difficulté à Paris qui est découvert par une héritière influente qui s’intéresse à bien plus que l’art de Jerry. Jerry tombe alors à son tour amoureux de Lise (Leslie Caron), une jeune française déjà fiancée à une chanteuse de cabaret, dont tombe également amoureux son meilleur ami Adam (Oscar Levant).

Pourquoi ça tient encore aujourd’hui

Les séquences de danse de ce film sont tout simplement magnifiques. Cela aurait pu être deux heures de simples numéros de danse, et cela aurait valu le détour. Kelly était un danseur doué qui apportait un certain charme à chaque pas qu’il faisait dans ce film. C’est incroyablement vivant et plein de vie, en particulier la séquence du ballet avec ses nombreux costumes et accessoires.

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4 Nord par nord-ouest (1959)

Après avoir été pris pour un agent du gouvernement par un groupe d’espions étrangers, le directeur de la publicité de la ville de New York, Roger Thornhill (Cary Grant), est contraint de fuir après avoir été accusé de meurtre. Dans sa quête pour retrouver son identité et sa liberté, il rencontre et tombe amoureux d’Eve Kendall (Eve Marie Saint) qui l’aide à échapper aux autorités, même s’il se rend vite compte qu’elle n’est pas la passante innocente qu’il pensait qu’elle était.

Pourquoi ça tient encore aujourd’hui

Le film d’action-aventure palpitant d’Hitchcock Du nord au nord-ouest est l’un de ses films les plus excitants (et sous-estimés). L’action de l’histoire ne s’arrête jamais et vous maintient engagé pendant toute la durée de 136 minutes. Il comporte des plans grandioses et panoramiques qui mettent en valeur les capacités artistiques d’Hitchcock et ses talents de réalisateur derrière la caméra.

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3 Lunette arrière (1954)

Autre collaboration entre Hitchcock et Jimmy Stewart, avec cette fois Grace Kelly, Rear Window se déroule entièrement dans le salon de l’appartement d’un homme. L’appartement appartient à LB Jefferies (Stewart), un photographe attaché à un fauteuil roulant après s’être blessé à la jambe.

Depuis sa fenêtre donnant sur la cour, LB espionne ses voisins et devient convaincu qu’il a été témoin d’un meurtre, malgré le scepticisme de sa petite amie modèle, Lisa Fremont (Kelly).

Pourquoi ça tient encore aujourd’hui

Semblable à son précédent film Rope, Rear Window se déroule dans un seul endroit, un choix stylistique qui fait monter les enjeux. C’est un favori des écoles de cinéma pour une raison. Presque toute l’action se déroule dans le bâtiment de l’autre côté de la rue, ce qui donne au spectateur l’impression d’espionner les résidents atteints de LB.

Étant donné que la caméra ne se rapproche jamais des autres personnages du film comme elle le fait avec LB et Lisa, cela ajoute de la tension à chaque scène. Vous n’êtes jamais assez proche pour savoir exactement ce qui se passe dans ces appartements, et vous vous sentez à des kilomètres de là, en vous efforçant d’en voir plus.

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deuxCharade (1963)

Combinaison d’un thriller et d’une comédie romantique, Charade de Stanley Donen pourrait être le film le plus hitchcockien qui n’ait pas été réalisé par le Maître du suspense. Lorsqu’un homme est éjecté d’un train, sa femme Regina Lampert (Audrey Hepburn) est contactée et découvre qu’elle ne savait rien de lui, pas même son vrai nom.

Aujourd’hui, trois hommes la poursuivent, insistant sur le fait qu’elle possède une grosse somme d’argent qui, selon eux, leur appartient. A ses côtés se trouve le fringant Peter Joshua (Cary Grant) dont elle tombe amoureuse lors d’un séjour de ski dans les Alpes françaises. Mais pourquoi continue-t-il à changer de nom ?

Pourquoi ça tient encore aujourd’hui

L’équilibre entre comédie et suspense est savamment mélangé, ce qui en fait une montre très agréable du début à la fin. Vous passez du rire à l’agrippement au bord de votre siège en quelques secondes. Malgré une différence d’âge de 25 ans entre eux, l’alchimie entre Hepburn et Grant est indéniable. Ils rebondissent parfaitement. La toile de fond française ajoute également à la beauté visuelle du film.

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1 Vertige (1958)

1958 est l’année de Jimmy Stewart et Kim Novak. Ils ont joué ensemble dans deux films cette année-là, et l’un d’eux était le mystère/thriller Vertigo d’Hitchcock. Après sa retraite anticipée de la police de San Francisco, John « Scottie » Ferguson (Stewart) lutte contre ses démons intérieurs, en particulier son acrophobie paralysante (peur des hauteurs). Il devient obsédé de manière inquiétante par deux femmes successives, ce qui trouble son amie et ancienne fiancée, Midge Wood (Barbara Bel Geddes).

Pourquoi ça tient encore aujourd’hui

Hitchcock était surnommé le maître du suspense pour une bonne raison. La tension qui monte tout au long du film est lente mais constante, et vous avez toujours le sentiment instinctif que quelque chose ne va pas. Les mouvements de caméra captent cette tension en s’attardant sur certains personnages et en les regardant de loin. Les couleurs et les plans de caméra sont utilisés à bon escient pour représenter différentes émotions et même faire ressentir les effets vertigineux de l’acrophobie du protagoniste.

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